Opening of the 9th International Photo Festival
At Kalamoon University 26 March 2007
woven into a fabrie of sado – erotic hallucination
Artist: Alexandra Vogt
Alexandra Vogt is a German photographer who has been working near Munich since 2000. She published several articles about her work. Her photographic work conjures up a world out of time. It is a very material world. All the artefacts she uses have given up their usual tasks and functions to become settings in a play, whose true dimensions shall remain unknown. New principles and private meanings are generated (in the spirit of Georges Bataille) from the leftovers of useful things. Every fragmentary piece of cloth and inutile instrument refers to that distant organized world she creates. It is necessarily an absurd world in her photographs, hiding on the horse’s back, hiding from the looks of the world in the dark security of the stable, exhausted and afraid. Being surrounded by debris and old materials intensifies the essential solitude, a solitude characteristic to all her photography.
ألكساندرا فوغت مصورة ألمانية تعمل بالقرب من ميونخ منذ العام 2000. وقد نشرت العديد من المقالات حول عملها. فأعمالها التصويرية تستدعي عالماً مسحوراً من خارج هذا الزمن. إنه عالمٌ ماديٌ جداً. وهي تجرد جميع الأغراض الفنية التي تستعملها من مهامها ووظائفها الاعتيادية لكي تجعل منها إطاراً في مسرحية، تبقى أبعادها الحقيقية غير معروفة.
وتتولد المبادئ الجديدة والمعاني الخاصة (استقاءً من روح جورج باتاي) من بقايا الأشياء المفيدة. فكل قطعة متشرذمة من القماش والآلات غير اللازمة تشير إلى ذلك العالم المنظم البعيد المنال الذي تخلقه. ومن المحتم أن يظهر العالم في صورها عالماً سخيفاً منافياً للعقل، مختبئاً على ظهر حصان أو مختبئاً من أنظار العالم في أمان الإسطبل المظلم، تعباً وخائفاً. وتكثف إحاطتها نفسها بأنقاض وأدوات قديمة شعور الوحدانية الأساسي، الوحدانية التي تعطي جميع صورها طابعها المميز.
Instruments XXIX
Artist: Andrea Sparrow
Andréa Sparrow is an Idaho-based artist. She has been a lecturer at the Boise State University and the San Francisco State University. In her point of view, the subject of her photographic work – threads itself into everything. Humans find commonality with animals, plants, the earth and each other in our desire to sustain our existence. She is interested in the moments and catalysts of vulnerability, not as they are revealed by people themselves, but as they are revealed by what we make or the remnants of things that are slipping away.
As an artist working in several mediums, she can explore these ideas from multiple view points, using one to inform and expand on another. Extensive travel gives her the opportunity to experience disparate cultures, revealing some of the aspects that connect or distance us relative to the earth itself, the other creatures that share it with us and to one another.
أندريا سبارو فنانة تقيم في ولاية آيداهو. وكانت تحاضر في جامعة بواز الحكومية Boise State University وفي جامعة سان فرنسيسكو الحكومية San Francisco State University. ومن وجهة نظرها، فموضوع أعمالها التصويرية يتسرب بنفسه إلى كل شيء. ونجد نحن البشر أموراً مشتركة بيننا وبين الحيوانات والنباتات والأرض وبين بعضنا بعضاً وينبع ذلك من رغبتنا بإدامة وجودنا. وتهتم سبارو بلحظات الضعف ومحفزاته، ليس كما نراها تبدر عن الناس أنفسهم، لكن كما تكشف عن نفسها بما نصنعه نحن أو ببقايا الأمور التي تتبدد.
وكونها فنانة تعمل بعدة وسائط فنية فهي يمكن أن تستكشف هذه الأفكار من وجهات نظر متعددة، مستخدمةً أحدها لتعلم وتتوسع بآخر منها. ويتيح السفر والترحال الفرصة لها لتختبر ثقافات متباينة، وتكشف بعض السمات التي تجمعنا أو تباعدنا بالنسبة إلى الأرض نفسها والمخلوقات الأخرى التي تتشارك بها معنا وبالنسبة لبعضنا بعضاً.
Artist: Andrew Esiebo
Andrew is one of young and redefined Nigerian photographers.
He works as freelance photographer for Galbe African News Photo Agency, Finland and various local media in Nigeria
Also, he is employed as a publishing assistant and graphic designer for the Institut Français de Recherche en Afrique (IFRA) based at the University of Ibadan, Nigeria.
His works has been featured in various publications including photoblogs magazine and the United Nations Global Report on Human Settlements 2003.
He has been working on portraits of urban life and his cultural heritage.
His ongoing project “Life goes on in Lagos” is inspired by the street life of Lagos city, one of the worlds’ megacity and commercial hub of West Africa
He has participated at Art exhibitions in Nigeria, Ghana and in September, 2006 some of his works will be featured at the Nouvelle Africanies Photographic Exhibition, Paris, France.
أندرو هو واحد من المصورين النيجيريين الشباب المجددين. ويعمل مصوراً مستقلاً لدى وكالة الصور الضوئية الإخبارية الأفريقية غالبه Galbe في فنلندا ومع أجهزة إعلام محليّة عديدة في نيجيريا.
ويعمل أيضاً بوظيفة مساعد ناشر ومصمم طباعي لدى المعهد الفرنسي للأبحاث في أفريقياInstitut Français de Recherche en Afrique (IFRA) المعتمد لدى جامعة إيبادان في نيجيريا University of Ibadan.
وقد عرضت أعماله في منشورات مختلفة بما في ذلك مجلة Photoblogsوتقرير الأمم المتحدة العالمي عن المستوطنات البشرية لعام 2003.
وهو يعمل على التقاط لوحات للحياة الحضرية ولتراثه الثقافي.
ويستلهم مشروعه المستمر “Life Goes on in Lagos” من حياة الشارع في مدينة لاغوس، وهي واحدة من أضخم مدن العالم والمركز التجاري لغرب أفريقيا.
وقد شارك في معارض فنية في نيجيريا وغانا وفي أيلول 2006 سيعرض بعضاً من أعماله في معرض الصور الضوئيةNouvelle Africanies في باريس فرنسا.
You Just Don’t Understand
Artist: Ardine Nelson
Ardine Nelson was born in Chicago in 1948. Now she lives in Columbus Ohio. She received a BS in Art Education, MA in Art and a MFA in Photography. She has taught photography for many years. ‘Inventing Landscapes’ an ongoing body of work that both documents and interprets the environments she finds. The landscape is created over time by her selection of the elements of the world before her exposed in the camera as overlapping frames on 120mm roll film. As subjective an interpretation as these are, her desire is to convey the magic energy which comes from the land.
‘Words:’ combine her visual interest in the characteristics of individuals: their body, hair style and jewelry with constructed views of interpersonal relationships. The phrases are designed to be verbal bridges used in everyday conversation which invite the viewer to fill in the “before” and “after” with their own interpretation of the scenario.”
ولدت آردين نلسون في شيكاغو سنة 1948. وتقيم حاليا في مدينة كولمبوس بولاية أوهايو. وقد حصلت على إجازة في تدريس الفنون وماجستير في الفنون وآخر في التصوير الضوئي. ودرّست مادة التصوير الضوئي لعدة سنوات.
وعملها ‘Inventing Landscapes’ (إبداع المشاهد الطبيعية) هو مشروع مستمر تعمل من خلاله على توثيق البيئة التي تراها وتفسيرها. فالمشهد الطبيعي يتكون مع مر الزمن باختيارها للعناصر الموجودة في العالم أمام ناظريها إذ تطيل تعريضها للكاميرا فتتراكب الصور على بكرة فيلم التصوير بطول 120 مم. وهذه النظرة بطابعها الذاتي تتيح المجال لرغبتها بنقل الطاقة السحرية النابعة من الأرض.
أما عملها ‘Words:’ (كلمات:) فهو يجمع اهتمامها بما يميّز الفرد من الناحية المرئية إن كان ذلك جسده أو تسريحة شعره وحليه إلى وجهات النظر المبنية على العلاقات بين الأشخاص. والجمل مصاغة لكي تكون جسوراً كلامية نستعملها في محادثاتنا اليومية فتدعو المشاهد ليملئ ما يحدث “قبلها” و “بعدها” بتفسيره الخاص للسيناريو الحاصل.
Katie Rainy Day
Artist: Blake Fitch
Blake Fitch, from Massachusetts, has photographed extensively in the United States, as well as Central and South America. Ethnographic and documentary in nature, her work has focused on the human condition, including themes of: identity, civil rights, belonging and the investigation of community in third world countries.
In her series “Expectations of Adolescence” she has explored the physical and emotional changes that accompany this phase of a girl’s life in America. She hope’s to have captured the simple moments in their search for their own identity as it becomes publicly displayed—at a dance recital, while dressing for the prom, or simply by the way they look at themselves in the mirror—and then subsequently informs the various traits that are either incorporated or discarded on the way to becoming an adult.
تقيم بلايك فيتش في ولاية مسشوستس وقد التقطت صورها الضوئية على نحو واسع في الولايات المتحدة وأميركا الجنوبية والوسطى. وتركز أعمالها ذات الطبيعة الإثنوغرافية والتوثيقية على الحالة الإنسانية وتحوي مواضيع كالشخصية والحقوق المدنية والانتماء وتحري حياة الجماعة في دول العالم الثالث. وتستكشف في سلسلتها “Expectations of Adolescence” (آمال المراهقة) التغيرات الجسدية والعاطفية التي ترافق هذه المرحلة في حياة الفتاة في أميركا. وتأمل أنها تمكنت من التقاط اللحظات البسيطة في بحث الفتيات عن شخصيتهم الخاصة بهم في اللحظات التي تظهر بها إلى العلن – في عرضٍ لرقص الباليه، أو عندما ترتدين فستانهن لحفل التخرج، أو ببساطة في الطريقة التي تنظرن بها إلى أنفسهم في المرآة – ومن ثم تعطيهم ملامحهم المختلفة التي سوف تحملنها معهم أو تتخلين عنها في طريقهم لتصبحن راشدات.
Artist: Blake Fitch
Blake Fitch, from Massachusetts, has photographed extensively in the United States, as well as Central and South America. Ethnographic and documentary in nature, her work has focused on the human condition, including themes of: identity, civil rights, belonging and the investigation of community in third world countries.
In her series “Expectations of Adolescence” she has explored the physical and emotional changes that accompany this phase of a girl’s life in America. She hope’s to have captured the simple moments in their search for their own identity as it becomes publicly displayed—at a dance recital, while dressing for the prom, or simply by the way they look at themselves in the mirror—and then subsequently informs the various traits that are either incorporated or discarded on the way to becoming an adult.
تقيم بلايك فيتش في ولاية مسشوستس وقد التقطت صورها الضوئية على نحو واسع في الولايات المتحدة وأميركا الجنوبية والوسطى. وتركز أعمالها ذات الطبيعة الإثنوغرافية والتوثيقية على الحالة الإنسانية وتحوي مواضيع كالشخصية والحقوق المدنية والانتماء وتحري حياة الجماعة في دول العالم الثالث. وتستكشف في سلسلتها “Expectations of Adolescence” (آمال المراهقة) التغيرات الجسدية والعاطفية التي ترافق هذه المرحلة في حياة الفتاة في أميركا. وتأمل أنها تمكنت من التقاط اللحظات البسيطة في بحث الفتيات عن شخصيتهم الخاصة بهم في اللحظات التي تظهر بها إلى العلن – في عرضٍ لرقص الباليه، أو عندما ترتدين فستانهن لحفل التخرج، أو ببساطة في الطريقة التي تنظرن بها إلى أنفسهم في المرآة – ومن ثم تعطيهم ملامحهم المختلفة التي سوف تحملنها معهم أو تتخلين عنها في طريقهم لتصبحن راشدات.
Al Hajjarah
Artist: Bronwen Casson
Bronwen Casson is a Dublin based visual artist and photographer. She was stage and costume designer at the National Theatre of Ireland for twenty-five years. Her artworks have been shown at many exhibitions and festivals including: Crawford Open 4, Ireland, Poesia Visual, Buenos Aires and Temporary Identities, Novosibirsk, Russia. Her works are an exploration of personal and social identity within the context of modern multicultural society. She uses a layered format in her videos and digital images, a reflection of their many sources of inspiration. Her work draws upon both the images and the music of the Middle East.
تعمل برنوين كاسون بالفنون البصرية والتصوير الضوئي وتقيم في دبلن، وكانت مصممة ديكور المسرح والأزياء في المسرح الوطني في أيرلندا لخمسة وعشرين عاماً. أعمالها الفنية عرضت في العديد من المعارض والمهرجانات من ضمنها:Crawford Open في أيرلندا و Poesia Visual في بوينس آيرس وTemporary Identities في مدينة نوفوسيبرسك الروسية. وتستكشف أعمالها الهوية الشخصية والاجتماعية ضمن سياق المجتمع المتعدد الثقافات. وهي تستخدم الطبقات المتعددة في مقاطعها الفيديوية وصورها الرقمية، لتعكس تعدد مصادر إلهامها. ويعتمد عملها على صور وموسيقى الشرق الأوسط
Artist: Bronwen Casson
Bronwen Casson is a Dublin based visual artist and photographer. She was stage and costume designer at the National Theatre of Ireland for twenty-five years. Her artworks have been shown at many exhibitions and festivals including: Crawford Open 4, Ireland, Poesia Visual, Buenos Aires and Temporary Identities, Novosibirsk, Russia. Her works are an exploration of personal and social identity within the context of modern multicultural society. She uses a layered format in her videos and digital images, a reflection of their many sources of inspiration. Her work draws upon both the images and the music of the Middle East.
تعمل برنوين كاسون بالفنون البصرية والتصوير الضوئي وتقيم في دبلن، وكانت مصممة ديكور المسرح والأزياء في المسرح الوطني في أيرلندا لخمسة وعشرين عاماً. أعمالها الفنية عرضت في العديد من المعارض والمهرجانات من ضمنها:Crawford Open في أيرلندا و Poesia Visual في بوينس آيرس وTemporary Identities في مدينة نوفوسيبرسك الروسية. وتستكشف أعمالها الهوية الشخصية والاجتماعية ضمن سياق المجتمع المتعدد الثقافات. وهي تستخدم الطبقات المتعددة في مقاطعها الفيديوية وصورها الرقمية، لتعكس تعدد مصادر إلهامها. ويعتمد عملها على صور وموسيقى الشرق الأوسط
Train Station
Artist: Charbel Torbey
Charbel Torbey is a Beirut-based photographer and film director whose work has been shown widely at locations including the Unesco Palace in Beirut; the American University of Beirut and in other cities throughout Lebanon. He received the prestigious Start’up Talents Jury Award and his photos have been published in various magazines and newspapers. His recent project is a series, of medium format, photographs that are digitally reflected on each other, both horizontally and vertically, to create a special picture that tells a story through its lines and forms. His work is very much appreciated by the public and critics alike. His future project is a photo book of Lebanon. He is currently a freelance photographer and an instructor.
شربل طربيه مصور ومخرج سينمائي يقيم في بيروت وقد عرضت أعماله على نحو واسع في أماكن عدة منها قصر اليونسكو في بيروت والجامعة الأميركية في بيروت وفي مدن أخرى في أنحاء لبنان كافة. تلقى جائزة لجنة التحكيمStart’up Talents الذائعة الصيت ونشرت أعماله في مجلات وصحف مختلفة. ومشروعه الأخير هو عبارة عن سلسلة من الصور الضوئية من المقاس المتوسط التي تنعكس رقمياً على بعضها البعض، أفقياً وعامودياً، لخلق صورة خاصة تحكي قصة من خلال خطوطها وملامحها. وتلاقي أعماله استحساناً كبيراً لدى الجمهور والنقاد على حد سواء. ومشروعه المستقبلي هو كتاب مصوّر عن لبنان. وحالياً هو مصور مستقل ومدرس للتصوير الضوئي.
Artist: Charbel Torbey
Charbel Torbey is a Beirut-based photographer and film director whose work has been shown widely at locations including the Unesco Palace in Beirut; the American University of Beirut and in other cities throughout Lebanon. He received the prestigious Start’up Talents Jury Award and his photos have been published in various magazines and newspapers. His recent project is a series, of medium format, photographs that are digitally reflected on each other, both horizontally and vertically, to create a special picture that tells a story through its lines and forms. His work is very much appreciated by the public and critics alike. His future project is a photo book of Lebanon. He is currently a freelance photographer and an instructor.
شربل طربيه مصور ومخرج سينمائي يقيم في بيروت وقد عرضت أعماله على نحو واسع في أماكن عدة منها قصر اليونسكو في بيروت والجامعة الأميركية في بيروت وفي مدن أخرى في أنحاء لبنان كافة. تلقى جائزة لجنة التحكيمStart’up Talents الذائعة الصيت ونشرت أعماله في مجلات وصحف مختلفة. ومشروعه الأخير هو عبارة عن سلسلة من الصور الضوئية من المقاس المتوسط التي تنعكس رقمياً على بعضها البعض، أفقياً وعامودياً، لخلق صورة خاصة تحكي قصة من خلال خطوطها وملامحها. وتلاقي أعماله استحساناً كبيراً لدى الجمهور والنقاد على حد سواء. ومشروعه المستقبلي هو كتاب مصوّر عن لبنان. وحالياً هو مصور مستقل ومدرس للتصوير الضوئي.
Photography Gathering and by the italian institute of Culture in Damascus
Artist: Claudio Gobbi
Claudio Gobbi was born in Ancona, Italy in 1971. He grew up in Rome where he studied political science then he moved to Milan where he specialised in photography at Riccardo Bauer Institute under the guide of Gabriele Basilico. He has been exhibiting his work since1999 in Italy and abroad in important public institutions and private galleries.
His project entitled “Persistence” was conceived in 2002 and it deals with aspects of memory, cultural as well as political and religious.
In 2003 he was awarded with the Mosaique Programme (Centre National de l’Audiovisuel, Luxembourg) for a project on the theme of Europe.
In 2007 he is going to spend an artist’s residency at the Cité International des Arts in Paris.
ولد كلاوديو غوبي في مدينة أناكونا الإيطالية عام 1971 وترعرع في روما حيث درس العلوم السياسية ثم انتقل إلى ميلانو حيث تخصص بالتصوير الفوتوغرافي في معهدِ ريكاردو باور تحت إشراف غابرييله بازيليكو. وهو يقوم بعرض أعماله منذ العام 1999 في إيطاليا وفي الخارج في المؤسساتِ العامّةِ المهمةِ وصالات العرض الخاصّة.
وقد تصور فكرة مشروعه بعنوان “Persistence” (المواظبة) في عام 2002 وهي تتناول جوانب الذاكرة الثقافية والسياسية والدينية.
وفي عام 2003 منح جائزة برنامج موزاييك من المركز الوطني للفنون المسموعة والمرئية في اللكسمبورغ لتحقيق مشروع موضوعه أوروبا.
في عام 2007 سيمضي إقامة فنان في المدينة الدولية للفنون Cité International des Arts في باريس.
Artist: Claudio Gobbi
Claudio Gobbi was born in Ancona, Italy in 1971. He grew up in Rome where he studied political science then he moved to Milan where he specialised in photography at Riccardo Bauer Institute under the guide of Gabriele Basilico. He has been exhibiting his work since1999 in Italy and abroad in important public institutions and private galleries.
His project entitled “Persistence” was conceived in 2002 and it deals with aspects of memory, cultural as well as political and religious.
In 2003 he was awarded with the Mosaique Programme (Centre National de l’Audiovisuel, Luxembourg) for a project on the theme of Europe.
In 2007 he is going to spend an artist’s residency at the Cité International des Arts in Paris.
ولد كلاوديو غوبي في مدينة أناكونا الإيطالية عام 1971 وترعرع في روما حيث درس العلوم السياسية ثم انتقل إلى ميلانو حيث تخصص بالتصوير الفوتوغرافي في معهدِ ريكاردو باور تحت إشراف غابرييله بازيليكو. وهو يقوم بعرض أعماله منذ العام 1999 في إيطاليا وفي الخارج في المؤسساتِ العامّةِ المهمةِ وصالات العرض الخاصّة.
وقد تصور فكرة مشروعه بعنوان “Persistence” (المواظبة) في عام 2002 وهي تتناول جوانب الذاكرة الثقافية والسياسية والدينية.
وفي عام 2003 منح جائزة برنامج موزاييك من المركز الوطني للفنون المسموعة والمرئية في اللكسمبورغ لتحقيق مشروع موضوعه أوروبا.
في عام 2007 سيمضي إقامة فنان في المدينة الدولية للفنون Cité International des Arts في باريس.
Taimy Filiu Zayas, 19, dancers at the Tropicana Club in Havana, Cuba
Artist: Daniel Kramer
Daniel Kramer traveled to Cuba for the first time in 1998, to cover Pope John Paul II’s historic visit. Over the course of the following years he employed a mixture of documentary, street photography and photojournalism to portray contemporary Cuban society. In 1995-96, Kramer began his career by receiving a grant to retrace Mark Twain’s journey around the world. When he returned, he photographed the Green Bay Packers and the team’s relationship with his hometown of Green Bay, Wisconsin. Fifty photographs from that project toured Wisconsin museums for three years. In June 2006, the project is slated for a 3-month exhibition at the Neville Public Museum in Green Bay. I n 2006, several of his Cuban photographs were acquired by the Houston Museum of Fine Art. Kramer currently lives in Houston, Texas where he has a photo column – and is the staff photographer – for the Houston Press.
سافر دانيال كرايمر إلى كوبا للمرة الأولى في عام 1998 لتسجيل الزيارة الهامة للبابا يوحنا بولس الثاني. وخلال السنوات التالية استخدم مزيجاً من الأفلام الوثائقية وتصوير الشوارع والصحافة التصويرية ليصور المجتمع الكوبي المعاصر. وكان في 1995-1996 بدأ حياته العملية بحصوله على منحة ليسافر في خطى مارك تواين في رحلته حول العالم. وبعد أن انتهى من رحلته صور فريق نادي Green Bay Packers والعلاقة التي تجمع هذا الفريق بمدينته غرين باي في ولاية وسكونسن. وجالت خمسون صورة من هذا المشروع على متاحف وسكونسن لمدة ثلاث سنوات. وفي حزيران في سنة 2006 خصص متحف Neville Public Museum في كرين باي ثلاثة شهور لعرض هذا المشروع. وفي 2006 أيضا، اقتنى متحف هيوستن للفنون الجميلة Houston Museum of Fine Art صوره الكوبية العديدة. ويقيم كرايمر حالياً في مدينة هيوستون بولاية تكساس، حيث يعمل كمصور موظف في صحيفة هيوستن برس Houston Press ولديه فيها زاوية مخصصة لصوره.
Artist: Daniel Kramer
Daniel Kramer traveled to Cuba for the first time in 1998, to cover Pope John Paul II’s historic visit. Over the course of the following years he employed a mixture of documentary, street photography and photojournalism to portray contemporary Cuban society. In 1995-96, Kramer began his career by receiving a grant to retrace Mark Twain’s journey around the world. When he returned, he photographed the Green Bay Packers and the team’s relationship with his hometown of Green Bay, Wisconsin. Fifty photographs from that project toured Wisconsin museums for three years. In June 2006, the project is slated for a 3-month exhibition at the Neville Public Museum in Green Bay. I n 2006, several of his Cuban photographs were acquired by the Houston Museum of Fine Art. Kramer currently lives in Houston, Texas where he has a photo column – and is the staff photographer – for the Houston Press.
سافر دانيال كرايمر إلى كوبا للمرة الأولى في عام 1998 لتسجيل الزيارة الهامة للبابا يوحنا بولس الثاني. وخلال السنوات التالية استخدم مزيجاً من الأفلام الوثائقية وتصوير الشوارع والصحافة التصويرية ليصور المجتمع الكوبي المعاصر. وكان في 1995-1996 بدأ حياته العملية بحصوله على منحة ليسافر في خطى مارك تواين في رحلته حول العالم. وبعد أن انتهى من رحلته صور فريق نادي Green Bay Packers والعلاقة التي تجمع هذا الفريق بمدينته غرين باي في ولاية وسكونسن. وجالت خمسون صورة من هذا المشروع على متاحف وسكونسن لمدة ثلاث سنوات. وفي حزيران في سنة 2006 خصص متحف Neville Public Museum في كرين باي ثلاثة شهور لعرض هذا المشروع. وفي 2006 أيضا، اقتنى متحف هيوستن للفنون الجميلة Houston Museum of Fine Art صوره الكوبية العديدة. ويقيم كرايمر حالياً في مدينة هيوستون بولاية تكساس، حيث يعمل كمصور موظف في صحيفة هيوستن برس Houston Press ولديه فيها زاوية مخصصة لصوره.
Artist: Daniel van der Meulen
كان دانيال فان دير مولن موظفاً حكومياً في جزر الهند الشرقية الهولندية (حالياً إندونيسيا). وقد درس اللغة العربية والتاريخ العربي والإسلام على يد العالم س. سنوك هورخرونيه. وشغل مرتين دور القنصل العام لهولندا في جدة في المملكة العربية السعودية في الفترة بين 1925-1945. وكانت مهمته تقديم العون للحجاج المسلمين الإندونيسيين في حجهم إلى مكة والمدينة. وقام فان دير مولن مرات عديدة برحلات دبلوماسية إلى الشرق الأوسط، وبالأخص إلى اليمن وحضرموت. فهناك كان ينوي أن يقابل الناس الذين تربطهم علاقات مع أقاربهم كتجار في إندونيسيا. وخلال رحلاته في شبه الجزيرة العربية السعودية التقط دانيال فان دير مولن صوراً كثيرة للمشاهد الطبيعية وللمدن وسكانها. وحاليا تشكل صور دانيال فان دير مولن وأفلامها السلبية جزءاً من مجموعات متحف KIT-Tropenmuseum في أمستردام.
كان دانيال فان دير مولن موظفاً حكومياً في جزر الهند الشرقية الهولندية (حالياً إندونيسيا). وقد درس اللغة العربية والتاريخ العربي والإسلام على يد العالم س. سنوك هورخرونيه. وشغل مرتين دور القنصل العام لهولندا في جدة في المملكة العربية السعودية في الفترة بين 1925-1945. وكانت مهمته تقديم العون للحجاج المسلمين الإندونيسيين في حجهم إلى مكة والمدينة. وقام فان دير مولن مرات عديدة برحلات دبلوماسية إلى الشرق الأوسط، وبالأخص إلى اليمن وحضرموت. فهناك كان ينوي أن يقابل الناس الذين تربطهم علاقات مع أقاربهم كتجار في إندونيسيا. وخلال رحلاته في شبه الجزيرة العربية السعودية التقط دانيال فان دير مولن صوراً كثيرة للمشاهد الطبيعية وللمدن وسكانها. وحاليا تشكل صور دانيال فان دير مولن وأفلامها السلبية جزءاً من مجموعات متحف KIT-Tropenmuseum في أمستردام.
Tokonome, Japan 2006
Artist: David Burdeny
(1968) Born in Winnipeg, Manitoba Canada, David Burdeny has degrees in both Interior design and a Masters in Architecture. Primarily self taught, his
architecture and design background greatly influences his penchant for
simple exacting photographs of sky, horizon and the marks humankind leaves
behind. Made along the shorelines of Japan, Northern France, and the Pacific
Northwest this recent body of work thematically continues David’s interest in the thresholds that divide and connect the sea to land. Using a large format view camera and extended exposures, David’s images see that which our eyes can not. His images have been shown across Canada the USA and Asia in over 25 group and solo exhibitions and have earned numerous awards from Photolucidia, Communication Arts and The International Photography Awards.
ولد ديفيد بردني سنة 1968 في مدينة وينيبيج في إقليم مانيتوبا الكندي، وحصل على شهادة في الهندسة الداخلية وماجستير في الهندسة المعمارية. ودراسته لفن التصوير الضوئي أجرى معظمها بنفسه، ويؤثر اختصاصه في الهندستين المعمارية والداخلية تأثيراً كبيراً على ميله إلى التقاط صور بسيطة الملامح ومتطلبة بدقتها للسماء والأفق والآثار التي تخلفها البشرية على الطبيعة. وأحدث أعمال ديفيد سلسلة من اللوحات صوّرها على سواحل اليابان وشمال فرنسا والساحل الكندي الشمالي الغربي على المحيط الهادي، ويتابع موضوعها اهتمامه بالعتبات التي تفصل البحر عن اليابسة وتربطهما ببعضهما البعض. وباستخدامه لآلة تصوير ذات منظور عريض والتعريض الطويل للضوء، يجعل ديفيد صوره ترى ما لا تراه عيوننا. وقد جرى عرض أعماله في كندا والولايات المتحدة وآسيا في أكثر من 25 معرضاً جماعياً وفردياً وحصل على العديد من الجوائز من فوتولوسيديا “Photolucidia” و”Communication Arts” وجوائز التصوير الضوئي الدولية “The International Photography Awards”.
Artist: David Burdeny
(1968) Born in Winnipeg, Manitoba Canada, David Burdeny has degrees in both Interior design and a Masters in Architecture. Primarily self taught, his
architecture and design background greatly influences his penchant for
simple exacting photographs of sky, horizon and the marks humankind leaves
behind. Made along the shorelines of Japan, Northern France, and the Pacific
Northwest this recent body of work thematically continues David’s interest in the thresholds that divide and connect the sea to land. Using a large format view camera and extended exposures, David’s images see that which our eyes can not. His images have been shown across Canada the USA and Asia in over 25 group and solo exhibitions and have earned numerous awards from Photolucidia, Communication Arts and The International Photography Awards.
ولد ديفيد بردني سنة 1968 في مدينة وينيبيج في إقليم مانيتوبا الكندي، وحصل على شهادة في الهندسة الداخلية وماجستير في الهندسة المعمارية. ودراسته لفن التصوير الضوئي أجرى معظمها بنفسه، ويؤثر اختصاصه في الهندستين المعمارية والداخلية تأثيراً كبيراً على ميله إلى التقاط صور بسيطة الملامح ومتطلبة بدقتها للسماء والأفق والآثار التي تخلفها البشرية على الطبيعة. وأحدث أعمال ديفيد سلسلة من اللوحات صوّرها على سواحل اليابان وشمال فرنسا والساحل الكندي الشمالي الغربي على المحيط الهادي، ويتابع موضوعها اهتمامه بالعتبات التي تفصل البحر عن اليابسة وتربطهما ببعضهما البعض. وباستخدامه لآلة تصوير ذات منظور عريض والتعريض الطويل للضوء، يجعل ديفيد صوره ترى ما لا تراه عيوننا. وقد جرى عرض أعماله في كندا والولايات المتحدة وآسيا في أكثر من 25 معرضاً جماعياً وفردياً وحصل على العديد من الجوائز من فوتولوسيديا “Photolucidia” و”Communication Arts” وجوائز التصوير الضوئي الدولية “The International Photography Awards”.
Rome #12, Lungotevere
Artist: Dominique Bollinger
دومينيك بولنغر مصور فرنسي يسكن قريباً من روما ويشتغل كمصور منذ أكثر من 30 سنة. وقد عرضت أعماله في صالات عرض في الولايات المتحدة وأوروبا ونشرت في المجلتين B&W Magazine و AG حديثاً. وقد أدخلت صوره في مجموعات عامة مثل مركز بومبيدوCentre Pompidou في باريس ومتحف نيسيفور نييبس Musée Nicephore Niepce وفي العديد من المجموعات الخاصة في الولايات المتحدة وأوروبا. وبعد أن قام بمشاريع عن مشاهد طبيعية بصور ملونة في إقليم السيفين الفرنسي والولايات المتحدة والمكسيك، بدأ يصور أغلب أعماله بالأسود والأبيض. ومواضيعه المفضلة هي الحياة الساكنة في حديقته والهندسة والمشاهد الطبيعية في جنوب إيطاليا. ومؤخراً بدأ يقوم بمشروع في روما عن العلاقة بين الهندسة والنباتات. ويحمض دومينيك كل صوره باستخدام الفضة والبلاتين.
Artist: Dominique Bollinger
دومينيك بولنغر مصور فرنسي يسكن قريباً من روما ويشتغل كمصور منذ أكثر من 30 سنة. وقد عرضت أعماله في صالات عرض في الولايات المتحدة وأوروبا ونشرت في المجلتين B&W Magazine و AG حديثاً. وقد أدخلت صوره في مجموعات عامة مثل مركز بومبيدوCentre Pompidou في باريس ومتحف نيسيفور نييبس Musée Nicephore Niepce وفي العديد من المجموعات الخاصة في الولايات المتحدة وأوروبا. وبعد أن قام بمشاريع عن مشاهد طبيعية بصور ملونة في إقليم السيفين الفرنسي والولايات المتحدة والمكسيك، بدأ يصور أغلب أعماله بالأسود والأبيض. ومواضيعه المفضلة هي الحياة الساكنة في حديقته والهندسة والمشاهد الطبيعية في جنوب إيطاليا. ومؤخراً بدأ يقوم بمشروع في روما عن العلاقة بين الهندسة والنباتات. ويحمض دومينيك كل صوره باستخدام الفضة والبلاتين.
Cuban
Artist: Elaine Duigenan
British photographer Elaine Duigenan has been producing series of still-lives since the late 90’s. Early this year ‘Nylon’ was exhibited at The Centre for Contemporary Photography in Kansas and will be shown in Texas in September 06. Images are in various private collections and with the V&A in London. Jim Casper of www.lensculture.com wrote the following about ‘Nylon’.
Elaine offers us intimate views of synthetic fibers designed to attract, seduce, and encourage desire. She presents exquisite details of women’s nylon stockings — pale specimens glowing in inky black space and suspended in time.
These modern-day digital photograms appear sometimes as sculptural landscapes, or surreptitious satellite views of forbidden territories.
The scientific, archaeological approach to this study also reveals, of course, a sort of tug and pull between machine-manufactured intention, and the delicate, playful and flirty, and the serious, seamed and sensuous.
تعمل المصورة البريطانية إيلاين دويغنان على إنتاج صور للحياة الساكنة منذ أواخر التسعينيات. وفي بدايات هذا العام عرض عملها “Nylon” (نايلون) في مركز التصوير الضوئي المعاصر في ولاية كانساس الأميركية وسيعرض في أيلول 2006 في ولاية تكساس. وتتوفر صورها في مجموعات خاصة متنوعة وفي متحف فيكتوريا وآلبرت في لندن. وقد كتب جيم كاسبر من الموقع www.lensculture.com التعليق التالي عن العمل “Nylon”:
إيلاين تعرض لنا مشاهد مقربة لألياف صناعية صممت لكي تجذب وتغوي وتثير الرغبة. وهي تقدم تفاصيل رائعة من جوارب النايلون النسائية- نماذج شاحبة تتوهج في الفضاء الأسود المحبر والذي يتعلق الوقت فيه ويأبى عن الانقضاء.
هذه الصور المساحية الضوئية الرقمية المعاصرة تظهر أحياناً كمشاهد طبيعية منحوتة، أَو كمنظر ملتقط من قمر صناعي سري لأراضٍ محرمة.
ويكشف النهج العلمي والأثري في تحقيق هذه الدراسة أيضا، بالطبع، ضرباً من لعبة شد الحبل بين النية المعقودة للمنتج المصنع بالآلة والمغزل وبين مشاعر الغزل اللعوبة والحساسة، وبين جدية المنتج المدروز الملفق وجوانبه الحسية الحية.
Artist: Elaine Duigenan
British photographer Elaine Duigenan has been producing series of still-lives since the late 90’s. Early this year ‘Nylon’ was exhibited at The Centre for Contemporary Photography in Kansas and will be shown in Texas in September 06. Images are in various private collections and with the V&A in London. Jim Casper of www.lensculture.com wrote the following about ‘Nylon’.
Elaine offers us intimate views of synthetic fibers designed to attract, seduce, and encourage desire. She presents exquisite details of women’s nylon stockings — pale specimens glowing in inky black space and suspended in time.
These modern-day digital photograms appear sometimes as sculptural landscapes, or surreptitious satellite views of forbidden territories.
The scientific, archaeological approach to this study also reveals, of course, a sort of tug and pull between machine-manufactured intention, and the delicate, playful and flirty, and the serious, seamed and sensuous.
تعمل المصورة البريطانية إيلاين دويغنان على إنتاج صور للحياة الساكنة منذ أواخر التسعينيات. وفي بدايات هذا العام عرض عملها “Nylon” (نايلون) في مركز التصوير الضوئي المعاصر في ولاية كانساس الأميركية وسيعرض في أيلول 2006 في ولاية تكساس. وتتوفر صورها في مجموعات خاصة متنوعة وفي متحف فيكتوريا وآلبرت في لندن. وقد كتب جيم كاسبر من الموقع www.lensculture.com التعليق التالي عن العمل “Nylon”:
إيلاين تعرض لنا مشاهد مقربة لألياف صناعية صممت لكي تجذب وتغوي وتثير الرغبة. وهي تقدم تفاصيل رائعة من جوارب النايلون النسائية- نماذج شاحبة تتوهج في الفضاء الأسود المحبر والذي يتعلق الوقت فيه ويأبى عن الانقضاء.
هذه الصور المساحية الضوئية الرقمية المعاصرة تظهر أحياناً كمشاهد طبيعية منحوتة، أَو كمنظر ملتقط من قمر صناعي سري لأراضٍ محرمة.
ويكشف النهج العلمي والأثري في تحقيق هذه الدراسة أيضا، بالطبع، ضرباً من لعبة شد الحبل بين النية المعقودة للمنتج المصنع بالآلة والمغزل وبين مشاعر الغزل اللعوبة والحساسة، وبين جدية المنتج المدروز الملفق وجوانبه الحسية الحية.
Shinjuku
Artist: Esteban Pastorino Diaz
Esteban Pastorino Díaz was born in Buenos Aires, Argentina, in 1972. He has a background in mechanical engineering and has completed several artists’ residencies in different countries. He has obtained grants in Argentina, Greece and the Netherlands. Through the development of his project, he works on the mediation between the medium and its characteristics. He mainly focuses his attention on the illusory aspect of the photographic medium. This characteristic is inherent to its technical nature from which he states the process of production. This is used as an expressive and conceptual tool to show the represented object and its relationships with the medium that represents it, trying to develop a meta-language that evidences and interrogates the characteristics of the objectivity of the photographic medium-register. His conceptual proposal has as a principal axis a change in the perception of the existing relationships between the photography and its principal registers: time and space.
ولد إستبان باستورينو دياز في بوينس أيرس في الأرجنتين عام 1972. ودرس الهندسة الميكانيكية وشارك كفنان مقيم في عدة برامج فنية في بلدان مختلفة. وحصل على منحٍ فنية في الأرجنتين واليونان وهولندا. وهو يعمل في تطوير أعماله على التوسط بين الوسيط وخصائصه. ويركز انتباهه خاصةً على الجانب السرابي للوسيط الفوتوغرافي. وتعود هذه الخاصية إلى طبيعته التقنية التي ينطلق منها ليرسم ملامح عملية الإنتاج. وتم استخدام هذه الميزة كأداة تعبيرية تحمل مفهوماً لإظهار الموضوع المصوّر وعلاقاته مع الوسيط الذي يصوّره. وبهذه الطريقة يحاول أن يخلق لغة أعلى تبرهن على خصائصِ موضوعية الوسيط-السجل التصويرية وتستجوبها في نفس الوقت. فالمحور الرئيسي للمفهوم الذي يطرحه هو تغيير النظرة إلى العلاقات القائمة بين التصوير الضوئي ومقياساه الأساسيان: الزمان والمكان.
Artist: Esteban Pastorino Diaz
Esteban Pastorino Díaz was born in Buenos Aires, Argentina, in 1972. He has a background in mechanical engineering and has completed several artists’ residencies in different countries. He has obtained grants in Argentina, Greece and the Netherlands. Through the development of his project, he works on the mediation between the medium and its characteristics. He mainly focuses his attention on the illusory aspect of the photographic medium. This characteristic is inherent to its technical nature from which he states the process of production. This is used as an expressive and conceptual tool to show the represented object and its relationships with the medium that represents it, trying to develop a meta-language that evidences and interrogates the characteristics of the objectivity of the photographic medium-register. His conceptual proposal has as a principal axis a change in the perception of the existing relationships between the photography and its principal registers: time and space.
ولد إستبان باستورينو دياز في بوينس أيرس في الأرجنتين عام 1972. ودرس الهندسة الميكانيكية وشارك كفنان مقيم في عدة برامج فنية في بلدان مختلفة. وحصل على منحٍ فنية في الأرجنتين واليونان وهولندا. وهو يعمل في تطوير أعماله على التوسط بين الوسيط وخصائصه. ويركز انتباهه خاصةً على الجانب السرابي للوسيط الفوتوغرافي. وتعود هذه الخاصية إلى طبيعته التقنية التي ينطلق منها ليرسم ملامح عملية الإنتاج. وتم استخدام هذه الميزة كأداة تعبيرية تحمل مفهوماً لإظهار الموضوع المصوّر وعلاقاته مع الوسيط الذي يصوّره. وبهذه الطريقة يحاول أن يخلق لغة أعلى تبرهن على خصائصِ موضوعية الوسيط-السجل التصويرية وتستجوبها في نفس الوقت. فالمحور الرئيسي للمفهوم الذي يطرحه هو تغيير النظرة إلى العلاقات القائمة بين التصوير الضوئي ومقياساه الأساسيان: الزمان والمكان.
Contemplation
Artist: Esther Azpeitia
Esther Azpeitia is a Canary Islands-based visual artist who combines her architecture and urban planning formation with her travels around the World and her love for the human race, that´s what she shows in her different works.
She uses digital tools for photography and video art.
Her last works have been “WRITER OF THE EPHEMERAL-Shores”, a triptych exposition where she showed aspects of the shores in Australia-Canary Islands-India, relating them among and showing their differences and their equalities.
“PANORAMIC GLANCE”, where she builds personally the world around, a glance intensified by her urban profession which get declared in the way of ordering the space.
“HUrbMAN PASSAGES” in which she takes out ´beauty moments´ in the city, expressions of the cities which get sense with the individual situated in it.
إستر أثبيتسيا فنانة تعمل بالفنون البصرية وتسكن في جزر الكناري، وتقرن دراساتها في مجال الهندسة المعمارية والتنظيم المدني مع أسفارها إلى كل أنحاء العالم وحبها للجنس البشري. وهذا ما يظهر جلياً في أعمالها المختلفة. وهي تستخدم الأدوات الرقمية للتصوير الضوئي وفن الفيديو. وآخر أعمالها هو المعرض “Writer of the Ephemeral-Shores”، ويتألف من ألواح ثلاثية تظهر نواحٍ متعددة للسواحل في أستراليا وجزر الكناري والهند، رابطةً بينها ومستعرضةً جوانب اختلافها وتشابهها. في Panoramic Glance تبني العالم حولها بنفسها، في لمحةٍ يعززها امتهانها للهندسة المدنية الذي تعبر عنه بطريقة توزيعها للمساحات. في HUrbMAN PASSAGES ترفع “لحظات الجمال” في المدينة، تعبيرات المدن التي لا تصبح ذات معنى إلاّ بوجود الفرد فيها.
Artist: Esther Azpeitia
Esther Azpeitia is a Canary Islands-based visual artist who combines her architecture and urban planning formation with her travels around the World and her love for the human race, that´s what she shows in her different works.
She uses digital tools for photography and video art.
Her last works have been “WRITER OF THE EPHEMERAL-Shores”, a triptych exposition where she showed aspects of the shores in Australia-Canary Islands-India, relating them among and showing their differences and their equalities.
“PANORAMIC GLANCE”, where she builds personally the world around, a glance intensified by her urban profession which get declared in the way of ordering the space.
“HUrbMAN PASSAGES” in which she takes out ´beauty moments´ in the city, expressions of the cities which get sense with the individual situated in it.
إستر أثبيتسيا فنانة تعمل بالفنون البصرية وتسكن في جزر الكناري، وتقرن دراساتها في مجال الهندسة المعمارية والتنظيم المدني مع أسفارها إلى كل أنحاء العالم وحبها للجنس البشري. وهذا ما يظهر جلياً في أعمالها المختلفة. وهي تستخدم الأدوات الرقمية للتصوير الضوئي وفن الفيديو. وآخر أعمالها هو المعرض “Writer of the Ephemeral-Shores”، ويتألف من ألواح ثلاثية تظهر نواحٍ متعددة للسواحل في أستراليا وجزر الكناري والهند، رابطةً بينها ومستعرضةً جوانب اختلافها وتشابهها. في Panoramic Glance تبني العالم حولها بنفسها، في لمحةٍ يعززها امتهانها للهندسة المدنية الذي تعبر عنه بطريقة توزيعها للمساحات. في HUrbMAN PASSAGES ترفع “لحظات الجمال” في المدينة، تعبيرات المدن التي لا تصبح ذات معنى إلاّ بوجود الفرد فيها.
Melbournian nights
Artist: Fassih Keiso
Fassih Keiso was born in Alhasskha, Syria, lived in Beirut and now is a Melbourne-based inter-disciplinary artist, working between Syria and Australia, whose work has been shown widely nationally and internationally. Keiso obtained recently a PhD in Visual Arts from the University of Sydney and had MFA from Melbourne University.
Using new media tools such as photography, video, performance and multimedia installation, and living between the East and West, his works deal with the issues that arise when East and West converge and diverge or contrast, and the impact of media on the expression of those issues, focusing on themes related to identity, difference, the human body and its sexuality. His recent project is a series of large analog and digitally manipulated photographs that represent his view of current Western politics and society as they affect the lives of citizens of Arab background or of Arab migrants in the West.
ولد فصيح قيسو في محافظة الحسكة السورية، وعاش في بيروت ويقيم حالياً في مدينة ملبورن، حيث يشتغل بين سوريا وأستراليا فناناً تتنوع أشكال الفنون التي يعمل بها وتتداخل ببعضها البعض. وقد عرضت أعماله بانتشار واسع محلياً ودولياَ. وحصل قيسو حديثاً على شهادة الدكتوراه في الفنون البصرية من جامعة سيدني، بعدما حصل على شهادة الماجستير في الفنون الجميلة من جامعة ملبورن.
وهو يستفيد من الوسائل الحديثة كالتصوير الضوئي والفيديو والأداء التمثيلي والأعمال الفنية متعددة الوسائط، ومن إقامته بين الشرق والغرب، لتتناول أعماله القضايا التي تنشأ لما يتقارب الشرق والغرب ويتباعدان أو يختلفان عن بعضهما البعض. كما يتتناول أثر وسائل الإعلام في التعبير عن هذه القضايا، فيما يركز على مواضيع تتعلق بالهوية والاختلاف والجسد البشري وحياته الجنسية. وآخر مشاريعه هو عبارة عن مجموعة من الصور الضوئية الكبيرة المقاس الملتقطة شمسياً أو المعدلة رقمياً التي تمثل رأيه في السياسة الغربية الحالية والمجتمع الغربي والطريقة التي يؤثرا بها على حياة المواطنين من أصول عربية أو المهاجرين العرب في الغرب.
Artist: Fassih Keiso
Fassih Keiso was born in Alhasskha, Syria, lived in Beirut and now is a Melbourne-based inter-disciplinary artist, working between Syria and Australia, whose work has been shown widely nationally and internationally. Keiso obtained recently a PhD in Visual Arts from the University of Sydney and had MFA from Melbourne University.
Using new media tools such as photography, video, performance and multimedia installation, and living between the East and West, his works deal with the issues that arise when East and West converge and diverge or contrast, and the impact of media on the expression of those issues, focusing on themes related to identity, difference, the human body and its sexuality. His recent project is a series of large analog and digitally manipulated photographs that represent his view of current Western politics and society as they affect the lives of citizens of Arab background or of Arab migrants in the West.
ولد فصيح قيسو في محافظة الحسكة السورية، وعاش في بيروت ويقيم حالياً في مدينة ملبورن، حيث يشتغل بين سوريا وأستراليا فناناً تتنوع أشكال الفنون التي يعمل بها وتتداخل ببعضها البعض. وقد عرضت أعماله بانتشار واسع محلياً ودولياَ. وحصل قيسو حديثاً على شهادة الدكتوراه في الفنون البصرية من جامعة سيدني، بعدما حصل على شهادة الماجستير في الفنون الجميلة من جامعة ملبورن.
وهو يستفيد من الوسائل الحديثة كالتصوير الضوئي والفيديو والأداء التمثيلي والأعمال الفنية متعددة الوسائط، ومن إقامته بين الشرق والغرب، لتتناول أعماله القضايا التي تنشأ لما يتقارب الشرق والغرب ويتباعدان أو يختلفان عن بعضهما البعض. كما يتتناول أثر وسائل الإعلام في التعبير عن هذه القضايا، فيما يركز على مواضيع تتعلق بالهوية والاختلاف والجسد البشري وحياته الجنسية. وآخر مشاريعه هو عبارة عن مجموعة من الصور الضوئية الكبيرة المقاس الملتقطة شمسياً أو المعدلة رقمياً التي تمثل رأيه في السياسة الغربية الحالية والمجتمع الغربي والطريقة التي يؤثرا بها على حياة المواطنين من أصول عربية أو المهاجرين العرب في الغرب.
Video Film: ORISA
Artist: Fernando Arias
ولد فرناندو آرياس في مدينة أرمينيا الكولومبية عام 1963. ويقيم ويشتغل حاليا في لندن وكولومبيا. وتتراوح أعماله بين الفيديو والتمثيل والتصوير الضوئي والنصب الفنية، وتركز بالأخص على الوضع الإنساني: من الحالات الجسدية والنفسية إلى التكييف الاجتماعي. وأعماله غالباً ما تحمل قضايا كالجنس والدين والسياسة المرتبطة بتجارة المخدرات والهوية، وتعرض في جميع أنحاء العالم منذ أن حصل على الجائزة الوطنية الكولومبية للفنون “Colombian National Art Prize” عام 1994. وفي سنة 1999 مثّل كولومبيا في مهرجان البندقية “Venice Biennale”. أما معارضه الفردية فتضم عروضاً في صالات “Contemporary Arts Gallery” في فانكوفر و “Gate Foundation” في أمستردام و”Chapter Arts Center” في كاردف و”London Printworks Trust” في لندن و”Gallery of Modern Art” في غلاسغو. ومعارضه الجماعية فتتضمن مشاركاتٍ في مهرجان كوبا الخامس ” The 5th Cuban Biennial” ومهرجان “InSite’97” في سان دييغو ومهرجان “Mercosur Biennial” في البرازيل و”Tirana Biennial” في ألبانيا و”Daros Latinoamerica” في سويسرا و”Fotofest-Houston” في مدينة هيوستن الأميركية.
Artist: Fernando Arias
ولد فرناندو آرياس في مدينة أرمينيا الكولومبية عام 1963. ويقيم ويشتغل حاليا في لندن وكولومبيا. وتتراوح أعماله بين الفيديو والتمثيل والتصوير الضوئي والنصب الفنية، وتركز بالأخص على الوضع الإنساني: من الحالات الجسدية والنفسية إلى التكييف الاجتماعي. وأعماله غالباً ما تحمل قضايا كالجنس والدين والسياسة المرتبطة بتجارة المخدرات والهوية، وتعرض في جميع أنحاء العالم منذ أن حصل على الجائزة الوطنية الكولومبية للفنون “Colombian National Art Prize” عام 1994. وفي سنة 1999 مثّل كولومبيا في مهرجان البندقية “Venice Biennale”. أما معارضه الفردية فتضم عروضاً في صالات “Contemporary Arts Gallery” في فانكوفر و “Gate Foundation” في أمستردام و”Chapter Arts Center” في كاردف و”London Printworks Trust” في لندن و”Gallery of Modern Art” في غلاسغو. ومعارضه الجماعية فتتضمن مشاركاتٍ في مهرجان كوبا الخامس ” The 5th Cuban Biennial” ومهرجان “InSite’97” في سان دييغو ومهرجان “Mercosur Biennial” في البرازيل و”Tirana Biennial” في ألبانيا و”Daros Latinoamerica” في سويسرا و”Fotofest-Houston” في مدينة هيوستن الأميركية.
Silent walk through the desert of the Negev, Israel, January 2004
Artist: Flore-Ael Surun
http://www.tendancefloue.net
فلور-آئيل سوران فنانة فرنسية تنتمي إلى المصورين الجدد من المجموعة “Tendance Floue”. وهي تلتقط صور “الباقين على قيد الحياة”. وفي شوارع بيت لحم تحثها نظرات المارة الخاطفة المفقودة على البحث في الأماكن التي تختبئ الحياة فيها. بدأت تعد سلسلة تقارير عن السلام أدت إلى مسير في صحراء النقب وإلى ملاجئ كندية للهاربين الأميركيين من الجندية. وتلتقط في “Body with Body” (الصفوف المرصوصة) صور المظاهرات ضد رؤساء مجموعة الثمانية في مدينة أنماس الفرنسية. وتسترعي أجسام أخرى انتباهها. المقاومة، قد تحولت: “Transsexuals: woman towards man” (متحولات الجنس: من امرأة إلى رجل). وفي “Survival Under” (البقاء على قيد الحياة أدناه) تنزل إلى الأحياء تحت الأرض في بوخارست لتحيط نفسها بأطفال الشوارع، فتبين أفراحهم أن إحساس الحياة أقوى من إحساس الشقاء. أما في “The Kisses” فهي حكاية حب وتألق وأحواض تصريف تركت أثرها على كل القصص التصويرية الأخرى.
Artist: Flore-Ael Surun
http://www.tendancefloue.net
فلور-آئيل سوران فنانة فرنسية تنتمي إلى المصورين الجدد من المجموعة “Tendance Floue”. وهي تلتقط صور “الباقين على قيد الحياة”. وفي شوارع بيت لحم تحثها نظرات المارة الخاطفة المفقودة على البحث في الأماكن التي تختبئ الحياة فيها. بدأت تعد سلسلة تقارير عن السلام أدت إلى مسير في صحراء النقب وإلى ملاجئ كندية للهاربين الأميركيين من الجندية. وتلتقط في “Body with Body” (الصفوف المرصوصة) صور المظاهرات ضد رؤساء مجموعة الثمانية في مدينة أنماس الفرنسية. وتسترعي أجسام أخرى انتباهها. المقاومة، قد تحولت: “Transsexuals: woman towards man” (متحولات الجنس: من امرأة إلى رجل). وفي “Survival Under” (البقاء على قيد الحياة أدناه) تنزل إلى الأحياء تحت الأرض في بوخارست لتحيط نفسها بأطفال الشوارع، فتبين أفراحهم أن إحساس الحياة أقوى من إحساس الشقاء. أما في “The Kisses” فهي حكاية حب وتألق وأحواض تصريف تركت أثرها على كل القصص التصويرية الأخرى.
Homo sapien, no.1
Artist: Frank Rodick
Currently living and working in Toronto, photographer Frank Rodick grew up in Montreal. Several public institutions have acquired his work for their permanent collections. His work is also part of W.M. Hunt’s noted private collection The Dancing Bear.
One way to consider his photographic series Arena is as a journey into primal territory—images that explore sexuality and eroticism as an amphitheatre of eternal human conditions such as passion and fear, abandonment and memory, love, desire, pain, and mortality.
He has observed that these photographs elicit strong reactions from viewers—emotions, sensations, and thoughts that cover a varied spectrum of experience. For one spectator it’s the recognition of something grievous and submerged. For another it offers the precarious innervations of a narcotic. And for others the encounter becomes something altogether different, and almost always unexpected.
نشأ المصور فرانك رودك في مونتريال ويقيم في تورنتو حالياً ويعمل بها. وقد اقتنت مؤسسات عامة عديدة أعماله لتضمها إلى مجموعاتها الدائمة. وأعماله جزء من المجموعة الخاصة المشهورة لدى و.م. هانت بعنوان The Dancing Bear (الدب الراقص). ويمكن اعتبار سلسلته التصويريةArena كرحلة في أراضٍ بدائية – صور تبحث في الجنس والإثارة كمسرح للحالات الإنسانية الأزلية ومنها الهيام والخوف والهجران والذاكرة والحب والرغبة والألم والفناء. ولاحظ أن هذه الصور تستثير ردوداً قوية لدى المشاهدين – مشاعر وأحاسيس وأفكار تغطي طيفاً واسعاً من التجارب. فهي تثير لدى أحد معاينيها إدراكاً لأمر ثقيل الوطأة ومحجوب. ولدى مشاهد أخر هي تمثل التعصبات المزعزعة لدى مدمن المخدرات. ولدى آخرين تصبح شيئاً مختلفاً تماماً، وغير متوقعٍ في أغلب الأحيان.
Artist: Frank Rodick
Currently living and working in Toronto, photographer Frank Rodick grew up in Montreal. Several public institutions have acquired his work for their permanent collections. His work is also part of W.M. Hunt’s noted private collection The Dancing Bear.
One way to consider his photographic series Arena is as a journey into primal territory—images that explore sexuality and eroticism as an amphitheatre of eternal human conditions such as passion and fear, abandonment and memory, love, desire, pain, and mortality.
He has observed that these photographs elicit strong reactions from viewers—emotions, sensations, and thoughts that cover a varied spectrum of experience. For one spectator it’s the recognition of something grievous and submerged. For another it offers the precarious innervations of a narcotic. And for others the encounter becomes something altogether different, and almost always unexpected.
نشأ المصور فرانك رودك في مونتريال ويقيم في تورنتو حالياً ويعمل بها. وقد اقتنت مؤسسات عامة عديدة أعماله لتضمها إلى مجموعاتها الدائمة. وأعماله جزء من المجموعة الخاصة المشهورة لدى و.م. هانت بعنوان The Dancing Bear (الدب الراقص). ويمكن اعتبار سلسلته التصويريةArena كرحلة في أراضٍ بدائية – صور تبحث في الجنس والإثارة كمسرح للحالات الإنسانية الأزلية ومنها الهيام والخوف والهجران والذاكرة والحب والرغبة والألم والفناء. ولاحظ أن هذه الصور تستثير ردوداً قوية لدى المشاهدين – مشاعر وأحاسيس وأفكار تغطي طيفاً واسعاً من التجارب. فهي تثير لدى أحد معاينيها إدراكاً لأمر ثقيل الوطأة ومحجوب. ولدى مشاهد أخر هي تمثل التعصبات المزعزعة لدى مدمن المخدرات. ولدى آخرين تصبح شيئاً مختلفاً تماماً، وغير متوقعٍ في أغلب الأحيان.
old man with handgun
Artist: Frank Rothe
Frank Rothe is a German photographer with a background in political sciences and East European Studies. His most recent projects are “China Naked” and “German Guns”. He is convinced that a weapon can change a lot, even in a picture. Weapons can give the viewer the meaning of power, poverty, anger, fashionable also sex, but in the end the look gets changed.
In the pictures of this project he wants to let the viewers get their own impression of it.
As an artist he does not evaluate the pictures. He rather leaves the judgement to the viewer of his pictures. In addition, he made the decision to photograph Germans. Photos with Americans and weapons are known very much and are often loaded with a certain stereotype. Germans are widely unknown with weapons in their hands.
Important for his work is also that the weapon looks rather irritating, than threatening.
فرانك روت مصور ألماني مختص بالعلوم السياسية والدراسات الشرق أوروبية. وآخر مشاريعه هما “China Naked” (عاري كالصين) و “German Guns” (مسدسات ألمانية). وهو مقتنع أن السلاح يمكن أن يغير الكثير، حتى في الصورة. فالسلاح يمكن أن ينقل للمشاهد معاني القوة والفقر والغضب والأناقة بل وحتى الجنس، ولكن في النهاية تتغير النظرة.
في صور هذا المشروع يريد من المشاهدين أن يكونوا انطباعهم الخاص عنها. كفنان هو لا يقيّم الصور. هو يفضل ترك الحكم لمشاهدي صوره. وبالإضافة إلى ذلك هو قرر أن لا يصور سوى الألمان. فصور الأميركيين والأسلحة باتت معروفة كثيراً وغالباً محملة بفكرة نمطية مؤكدة. أما الألمان فهم ليسوا عامةً مقترنين بصورة السلاح في أيديهم.
ومن المهم في عمله أيضاً أن السلاح يظهر مزعجاًً أكثر من كونه تهديداً.
Artist: Frank Rothe
Frank Rothe is a German photographer with a background in political sciences and East European Studies. His most recent projects are “China Naked” and “German Guns”. He is convinced that a weapon can change a lot, even in a picture. Weapons can give the viewer the meaning of power, poverty, anger, fashionable also sex, but in the end the look gets changed.
In the pictures of this project he wants to let the viewers get their own impression of it.
As an artist he does not evaluate the pictures. He rather leaves the judgement to the viewer of his pictures. In addition, he made the decision to photograph Germans. Photos with Americans and weapons are known very much and are often loaded with a certain stereotype. Germans are widely unknown with weapons in their hands.
Important for his work is also that the weapon looks rather irritating, than threatening.
فرانك روت مصور ألماني مختص بالعلوم السياسية والدراسات الشرق أوروبية. وآخر مشاريعه هما “China Naked” (عاري كالصين) و “German Guns” (مسدسات ألمانية). وهو مقتنع أن السلاح يمكن أن يغير الكثير، حتى في الصورة. فالسلاح يمكن أن ينقل للمشاهد معاني القوة والفقر والغضب والأناقة بل وحتى الجنس، ولكن في النهاية تتغير النظرة.
في صور هذا المشروع يريد من المشاهدين أن يكونوا انطباعهم الخاص عنها. كفنان هو لا يقيّم الصور. هو يفضل ترك الحكم لمشاهدي صوره. وبالإضافة إلى ذلك هو قرر أن لا يصور سوى الألمان. فصور الأميركيين والأسلحة باتت معروفة كثيراً وغالباً محملة بفكرة نمطية مؤكدة. أما الألمان فهم ليسوا عامةً مقترنين بصورة السلاح في أيديهم.
ومن المهم في عمله أيضاً أن السلاح يظهر مزعجاًً أكثر من كونه تهديداً.
Romania Yesterday And Today
Artist: Fred Koenig
http://www.fredkoenig.com
Fred Koenig is a Paris-based transdisciplinary artist whose
work has been shown widely at location including Museo Reina Sofia of
Madrid, Musée des Beaux Art de Bordeaux, the Drill Hall of Johannesburg
He has been published in international magazines and participates in several
international art film festivals.
Fred Koenig has been working and living in different places as well as
Mexico City, New York city and Berlin. For the last six years he has been
involved in Haiti for the Art foundation AfricAmericA as well as
photographer film maker and performer.
“Romania Yesterday and Today” has been shot in 2000 during a journey
through different parts of Romania with his friend the French Ethnologist
Valerie Froissard who was making a study about the youth and its future in
the new Romania.
فريد كوينيغ فنان يمارس المعابرية الفنية ويقيم في باريس عرض عمله على نحو واسع في مواقع عدة منها متحف الملكة صوفيا في مدريد Musea Reina Sofia، ومتحف الفنون الجميلة في بوردو Musée des beaux art de Bordeaux، وصالة دريل هال في جوهانسبرغ The Drill Hall. وقد نشر مقالات في عدة مجلات عالمية وشارك في عدة مهرجانات للفن السينمائي الدولي.
وفريد كوينيغ عمل وعاش في أماكن مختلفة مثل مكسيكو سيتي ونيويورك وبرلين. وللسنوات الست الماضية اشترك في مؤسسة هايتي للفن الأفريقية الأميركية AfricAmericA بالإضافة إلى عمله في السينما مصوراً ومخرجاً وممثلاً.
“Romania Yesterday and Today” (رومانيا البارحة واليوم) مجموعة صور التقطها في عام 2000 خلال رحلة قام بها إلى أجزاء متفرقة من رومانيا مع صديقه الفرنسي عالم الإثنيات فاليري فروسارد الذي كان يقوم بدراسة عن الشباب ومستقبله في رومانيا الجديدة
Artist: Fred Koenig
http://www.fredkoenig.com
Fred Koenig is a Paris-based transdisciplinary artist whose
work has been shown widely at location including Museo Reina Sofia of
Madrid, Musée des Beaux Art de Bordeaux, the Drill Hall of Johannesburg
He has been published in international magazines and participates in several
international art film festivals.
Fred Koenig has been working and living in different places as well as
Mexico City, New York city and Berlin. For the last six years he has been
involved in Haiti for the Art foundation AfricAmericA as well as
photographer film maker and performer.
“Romania Yesterday and Today” has been shot in 2000 during a journey
through different parts of Romania with his friend the French Ethnologist
Valerie Froissard who was making a study about the youth and its future in
the new Romania.
فريد كوينيغ فنان يمارس المعابرية الفنية ويقيم في باريس عرض عمله على نحو واسع في مواقع عدة منها متحف الملكة صوفيا في مدريد Musea Reina Sofia، ومتحف الفنون الجميلة في بوردو Musée des beaux art de Bordeaux، وصالة دريل هال في جوهانسبرغ The Drill Hall. وقد نشر مقالات في عدة مجلات عالمية وشارك في عدة مهرجانات للفن السينمائي الدولي.
وفريد كوينيغ عمل وعاش في أماكن مختلفة مثل مكسيكو سيتي ونيويورك وبرلين. وللسنوات الست الماضية اشترك في مؤسسة هايتي للفن الأفريقية الأميركية AfricAmericA بالإضافة إلى عمله في السينما مصوراً ومخرجاً وممثلاً.
“Romania Yesterday and Today” (رومانيا البارحة واليوم) مجموعة صور التقطها في عام 2000 خلال رحلة قام بها إلى أجزاء متفرقة من رومانيا مع صديقه الفرنسي عالم الإثنيات فاليري فروسارد الذي كان يقوم بدراسة عن الشباب ومستقبله في رومانيا الجديدة
Abandoned Apartment
Artist: Fredrik Marsh
Fredrik Marsh was born in Quantico, Virginia, in 1957. He received a BFA in Photography and a MFA in Printmaking, both at the Ohio State University in Columbus. While spending three months in Dresden, Germany, on an artist’s grant in 2002, Fredrik Marsh was drawn to the remains of the East German Communist-controlled industrial-military complex and its rebuilding and reconstruction. His ongoing project expanded during annual trips from 2003 through 2006, continuing to explore Dresden and its outskirts in a similar narrative, documentary style. Encountered in his extended walks throughout the now familiar city, recent efforts have concentrated on photographing the detritus of human culture found in the decaying spaces of vacant factories and abandoned apartments interiors. Themes of loss, decline, and sudden departure are explored. Marsh has felt on the front edge of recording history as he documents these scenes of anonymous human stories.
ولد فريدريك مارش عام 1975 في مدينة كوانتيكو بولاية فرجينيا الأميركية. وهو حائز على إجازة الفنون الجميلة في التصوير الضوئي وماجستير الفنون الجميلة في فن الطباعة وكليهما من جامعة ولاية أوهايو Ohio State University في مدينة كولومبس. وبعد أن أمضى ثلاثة شهور في مدينة دريسدن الألمانية مستفيداً من منحة فنان في عام 2002، انجذب إلى بقايا مجمعٍ صناعيٍ عسكريٍ من عهد السيطرة الشيوعية الألمانية الشرقية وإلى عملية إعادة بنائها. وتوسع مشروعه الحالي خلال رحلات سنوية منذ العام 2003 وحتى 2006، مواصلاً اكتشاف مدينة دريسدن وضواحيها بأسلوب سرديٍّ وتوثيقيٍّ مماثل. وبمحاولاته المستجدة ركز على تصوير حطام الثقافة الإنسانية الذي وجده في المساحات الذاوية داخل المصانع الفارغة والشقق المهجورة، بعدما كان صادفه في تجواله الطويل في أنحاء المدينة كافة التي أصبحت مألوفةً لديه. فأخذ يستكشف مواضيع الفقدان والتدهور والرحيل المفاجئ. وألفى مارش نفسه على الحافةِ الأماميةِ في طليعة من يسجلون هذا التاريخ فيما وثّق هذه المشاهد من حكايات الإنسانية المجهولة الهوية.
Artist: Fredrik Marsh
Fredrik Marsh was born in Quantico, Virginia, in 1957. He received a BFA in Photography and a MFA in Printmaking, both at the Ohio State University in Columbus. While spending three months in Dresden, Germany, on an artist’s grant in 2002, Fredrik Marsh was drawn to the remains of the East German Communist-controlled industrial-military complex and its rebuilding and reconstruction. His ongoing project expanded during annual trips from 2003 through 2006, continuing to explore Dresden and its outskirts in a similar narrative, documentary style. Encountered in his extended walks throughout the now familiar city, recent efforts have concentrated on photographing the detritus of human culture found in the decaying spaces of vacant factories and abandoned apartments interiors. Themes of loss, decline, and sudden departure are explored. Marsh has felt on the front edge of recording history as he documents these scenes of anonymous human stories.
ولد فريدريك مارش عام 1975 في مدينة كوانتيكو بولاية فرجينيا الأميركية. وهو حائز على إجازة الفنون الجميلة في التصوير الضوئي وماجستير الفنون الجميلة في فن الطباعة وكليهما من جامعة ولاية أوهايو Ohio State University في مدينة كولومبس. وبعد أن أمضى ثلاثة شهور في مدينة دريسدن الألمانية مستفيداً من منحة فنان في عام 2002، انجذب إلى بقايا مجمعٍ صناعيٍ عسكريٍ من عهد السيطرة الشيوعية الألمانية الشرقية وإلى عملية إعادة بنائها. وتوسع مشروعه الحالي خلال رحلات سنوية منذ العام 2003 وحتى 2006، مواصلاً اكتشاف مدينة دريسدن وضواحيها بأسلوب سرديٍّ وتوثيقيٍّ مماثل. وبمحاولاته المستجدة ركز على تصوير حطام الثقافة الإنسانية الذي وجده في المساحات الذاوية داخل المصانع الفارغة والشقق المهجورة، بعدما كان صادفه في تجواله الطويل في أنحاء المدينة كافة التي أصبحت مألوفةً لديه. فأخذ يستكشف مواضيع الفقدان والتدهور والرحيل المفاجئ. وألفى مارش نفسه على الحافةِ الأماميةِ في طليعة من يسجلون هذا التاريخ فيما وثّق هذه المشاهد من حكايات الإنسانية المجهولة الهوية.
Ali Riza with best his friend
Artist: Gabriela Bulisova
http://www.g-bulisovaphotography.com
Gabriela Bulisova, a native of the former Czechoslovakia, is a recipient of MFA degree in Photography and Digital Imaging from the Maryland Institute College of Art/MICA, in Baltimore, Maryland. Her primary photographic interest and artistic focus is in the realm of socially concerned documentary photography, corresponding with her belief in the artist’s political awareness, conscience, and responsibilities, and conversely, in arts vital potential for education, influence and change. Presently, Bulisova teaches photography at the Maryland Institute College of Art, and works on several photo documentary projects.
ولدت غابريلا بوليسوفا في جمهورية تشيكوسلوفاكيا السابقة وحصلت على شهادة ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي والصور الرقمية من معهد Maryland Institute College of Art/MICA في مدينة بالتيمور الأميركية في ولاية ماريلاند. وينحصر اهتمامها وتركيزها الفني بشكل أولي في مجال التصوير الضوئي التوثيقي الذي يتحرى الوضع الاجتماعي، ويتطابق مع إيمانها بوعي الفنان السياسي وضميره ومسؤولياته وبالمقابل مقدرات الفن الحيوية في خدمة التعليم والتأثير والتغيير. تدرّس بوليسوفا حالياً التصوير الضوئي في معهد Maryland Institute College of Art وتعمل بعدة مشاريع تصويرية توثيقية.
Artist: Gabriela Bulisova
http://www.g-bulisovaphotography.com
Gabriela Bulisova, a native of the former Czechoslovakia, is a recipient of MFA degree in Photography and Digital Imaging from the Maryland Institute College of Art/MICA, in Baltimore, Maryland. Her primary photographic interest and artistic focus is in the realm of socially concerned documentary photography, corresponding with her belief in the artist’s political awareness, conscience, and responsibilities, and conversely, in arts vital potential for education, influence and change. Presently, Bulisova teaches photography at the Maryland Institute College of Art, and works on several photo documentary projects.
ولدت غابريلا بوليسوفا في جمهورية تشيكوسلوفاكيا السابقة وحصلت على شهادة ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي والصور الرقمية من معهد Maryland Institute College of Art/MICA في مدينة بالتيمور الأميركية في ولاية ماريلاند. وينحصر اهتمامها وتركيزها الفني بشكل أولي في مجال التصوير الضوئي التوثيقي الذي يتحرى الوضع الاجتماعي، ويتطابق مع إيمانها بوعي الفنان السياسي وضميره ومسؤولياته وبالمقابل مقدرات الفن الحيوية في خدمة التعليم والتأثير والتغيير. تدرّس بوليسوفا حالياً التصوير الضوئي في معهد Maryland Institute College of Art وتعمل بعدة مشاريع تصويرية توثيقية.
Artist: Gilles Perrin
Gilles Perrin was born in Paris in 1947 and has a master in photography. Since 1972 he has worked as an author-photographer and has traveled around the world to photograph his contemporaries. He is also engaged in advertising photography and until recently he taught photography at Paris VIII University for over 20 years.
Gilles’ use of the large format camera creates valuable interaction with the people he is photographing. Following initial dialogue, the time it takes to set-up the camera creates an important ritual which enables openness between himself and his subjects.
Gilles’ subjects are not anonymous; each person he photographs has a name and is from a very specific location. Gilles titles each picture to reflect this.
As a responsible human being, he believes his work is to take photographs and to witness. Gilles leaves it to his audience to look at the photographs and then to question themselves.
ولد جيل بيران في باريس في سنة 1947 ولديه شهادة الماجستير في التصوير الضوئي. منذ عام 1972 اشتغل ككاتب ومصور وسافر إلى كل أنحاء العالم ليصور معاصريه. وهو يشتغل أيضاً بتصوير الإعلانات وحتى وقت قريب كان درّس مادة التصوير الضوئي في جامعة باريس الثامنة Paris VIII لمدة تزيد على 20 سنة. واستخدام جيل لآلة التصوير التي تنتج صوراً بالمقاسات الكبيرة يخلق حوار ثميناً مع الأشخاص الذين يصورهم. فبعد قيامه بحوار مع هؤلاء الناس، يتيح الوقت اللازم لتحضير الكاميرا طقساً هاماً يفسح المجال للصراحة بينه وبينهم.
ومواضيع جيل ليسوا أناساً مجهولي الهوية. فكُلّ شخص يصوره لَه اسم ويأتي من مكان محدد جداً. ويعطي جيل كل صورة عنواناً معيناً لإظهار ذلك.
وهو كإنسان مسؤول يعتقد أن عمله بالأساس هو التقاط الصور الضوئية والشهادة على عصره. ويترك جيل الأمر للجمهور للنظر إلى صوره واستجواب أنفسهم إثر ذلك.
Gilles Perrin was born in Paris in 1947 and has a master in photography. Since 1972 he has worked as an author-photographer and has traveled around the world to photograph his contemporaries. He is also engaged in advertising photography and until recently he taught photography at Paris VIII University for over 20 years.
Gilles’ use of the large format camera creates valuable interaction with the people he is photographing. Following initial dialogue, the time it takes to set-up the camera creates an important ritual which enables openness between himself and his subjects.
Gilles’ subjects are not anonymous; each person he photographs has a name and is from a very specific location. Gilles titles each picture to reflect this.
As a responsible human being, he believes his work is to take photographs and to witness. Gilles leaves it to his audience to look at the photographs and then to question themselves.
ولد جيل بيران في باريس في سنة 1947 ولديه شهادة الماجستير في التصوير الضوئي. منذ عام 1972 اشتغل ككاتب ومصور وسافر إلى كل أنحاء العالم ليصور معاصريه. وهو يشتغل أيضاً بتصوير الإعلانات وحتى وقت قريب كان درّس مادة التصوير الضوئي في جامعة باريس الثامنة Paris VIII لمدة تزيد على 20 سنة. واستخدام جيل لآلة التصوير التي تنتج صوراً بالمقاسات الكبيرة يخلق حوار ثميناً مع الأشخاص الذين يصورهم. فبعد قيامه بحوار مع هؤلاء الناس، يتيح الوقت اللازم لتحضير الكاميرا طقساً هاماً يفسح المجال للصراحة بينه وبينهم.
ومواضيع جيل ليسوا أناساً مجهولي الهوية. فكُلّ شخص يصوره لَه اسم ويأتي من مكان محدد جداً. ويعطي جيل كل صورة عنواناً معيناً لإظهار ذلك.
وهو كإنسان مسؤول يعتقد أن عمله بالأساس هو التقاط الصور الضوئية والشهادة على عصره. ويترك جيل الأمر للجمهور للنظر إلى صوره واستجواب أنفسهم إثر ذلك.
Tiziana With Daisies
Artist: Harry Thuillier
ولد هاري ثويليار الابن في عام 1964. وتخرج من أكاديمية الفنون في ممفيس ومسشوستس في الولايات المتحدة الأميركية ومن جامعة فلوريدا. والحدث الذي كان له أكبر أثر على حياته العملية كان اعتداءاً تعرض له في سنة 1990 دمر عينه التصويرية ولم يترك له سوى 20 % من بصره. وأدى به بصره الضعيف إلى إتقان عملية البلاتين التي تتطلب استخدام آلات تصوير كبيرة المقاس. ونشرت صوره عالمياً فيHarpers & Collins و Penguin Books و New Scientist و Guinness Ireland. ومن بين الجوائز التي حاز عليها Bronze Echo Award. وقد فاز الفيلم الوثائقي عن حياته وأعماله بعنوان Darkroom على جائزة أفضل فيلم توثيقي في مهرجان بوسطن للأفلام الأيرلندية عام 2000. وقد عرض ثويليار صوره بانتشار واسع في أيرلندا واليابان ونيويورك. وتستكشف أعماله الأخاذة وسيلة التحميض بالبلاتين والبلاديوم المعقدة والتي تتطلب مهارة فائقة. وتستثير صوره التي يرتب طبقاتها بصورةٍ بديعة رؤيةً فنية كئيبة وحالمة، رغم أنها لا تستقي مواضيعها إلا من الحياة اليومية حصراً. وقد توفي ثويليار في إيطاليا عام 1997 في حادث مفجع
Artist: Harry Thuillier
ولد هاري ثويليار الابن في عام 1964. وتخرج من أكاديمية الفنون في ممفيس ومسشوستس في الولايات المتحدة الأميركية ومن جامعة فلوريدا. والحدث الذي كان له أكبر أثر على حياته العملية كان اعتداءاً تعرض له في سنة 1990 دمر عينه التصويرية ولم يترك له سوى 20 % من بصره. وأدى به بصره الضعيف إلى إتقان عملية البلاتين التي تتطلب استخدام آلات تصوير كبيرة المقاس. ونشرت صوره عالمياً فيHarpers & Collins و Penguin Books و New Scientist و Guinness Ireland. ومن بين الجوائز التي حاز عليها Bronze Echo Award. وقد فاز الفيلم الوثائقي عن حياته وأعماله بعنوان Darkroom على جائزة أفضل فيلم توثيقي في مهرجان بوسطن للأفلام الأيرلندية عام 2000. وقد عرض ثويليار صوره بانتشار واسع في أيرلندا واليابان ونيويورك. وتستكشف أعماله الأخاذة وسيلة التحميض بالبلاتين والبلاديوم المعقدة والتي تتطلب مهارة فائقة. وتستثير صوره التي يرتب طبقاتها بصورةٍ بديعة رؤيةً فنية كئيبة وحالمة، رغم أنها لا تستقي مواضيعها إلا من الحياة اليومية حصراً. وقد توفي ثويليار في إيطاليا عام 1997 في حادث مفجع
Almost virgins, Cairene portraits
Artist: Hermann Huber
Hermann Paul Huber was born in Vienna in 1966. After having finished his studies at the Academy of Fine Arts in Vienna and the School of Artistic Photography Friedl Kubelka, his work has been widely shown in solo and group exhibitions, most recently in Istanbul at the House of Photography. Currently, he lives and works in Vienna and Cairo.The process of image making is most fascinating for him. Usually he does not direct his models; he just tries to capture a very specific moment. He likes the idea of viewers entering his photography without trying to fit exactly his own vision. His portraits are quite intense, they are in one way intimate pictures – they tell a lot. The aim of this project is to raise the question about emotions, feelings, desire and identity of young women in a Muslim country.
ولد هرمان بول هوبر في فيينا سنة 1966. وبعد أن أنهى دراسته في معهد الفنون الجميلة في فيينا ومدرسة التصوير الضوئي الفني “فريدل كوبلكا”. جرى عرض أعماله بانتشار واسع في معارض فردية وجماعية وكان أحدث معرض له في إستانبول في دار التصوير الضوئي “House of Photography”. وهو يقيم حالياً في فيينا والقاهرة ويعمل بهما. ويفتتن هوبر أيما افتتان بعملية تكوين اللوحة الفنية. وهو عادةً لا يوجّه الأشخاص في صوره ما عليهم القيام به، بل يحاول أن يلتقط لحظة ما لها خصوصية واضحة. إذ تستهويه فكرة أن يدخل المشاهد صوره من دون أن يفرض وجهة نظره الخاصة على هذا المشاهد. ولوحاته تحمل جملةً قوية من المشاعر، لأنها حميمة على نحو ما – إذ تحكي الكثير الكثير. وهدف هذا المشروع هو طرح أسئلة عن العواطف والمشاعر والرغبات والهوية لدى الشابات في البلاد الإسلامية.
Artist: Hermann Huber
Hermann Paul Huber was born in Vienna in 1966. After having finished his studies at the Academy of Fine Arts in Vienna and the School of Artistic Photography Friedl Kubelka, his work has been widely shown in solo and group exhibitions, most recently in Istanbul at the House of Photography. Currently, he lives and works in Vienna and Cairo.The process of image making is most fascinating for him. Usually he does not direct his models; he just tries to capture a very specific moment. He likes the idea of viewers entering his photography without trying to fit exactly his own vision. His portraits are quite intense, they are in one way intimate pictures – they tell a lot. The aim of this project is to raise the question about emotions, feelings, desire and identity of young women in a Muslim country.
ولد هرمان بول هوبر في فيينا سنة 1966. وبعد أن أنهى دراسته في معهد الفنون الجميلة في فيينا ومدرسة التصوير الضوئي الفني “فريدل كوبلكا”. جرى عرض أعماله بانتشار واسع في معارض فردية وجماعية وكان أحدث معرض له في إستانبول في دار التصوير الضوئي “House of Photography”. وهو يقيم حالياً في فيينا والقاهرة ويعمل بهما. ويفتتن هوبر أيما افتتان بعملية تكوين اللوحة الفنية. وهو عادةً لا يوجّه الأشخاص في صوره ما عليهم القيام به، بل يحاول أن يلتقط لحظة ما لها خصوصية واضحة. إذ تستهويه فكرة أن يدخل المشاهد صوره من دون أن يفرض وجهة نظره الخاصة على هذا المشاهد. ولوحاته تحمل جملةً قوية من المشاعر، لأنها حميمة على نحو ما – إذ تحكي الكثير الكثير. وهدف هذا المشروع هو طرح أسئلة عن العواطف والمشاعر والرغبات والهوية لدى الشابات في البلاد الإسلامية.
Tayara
Artist: Inhalexhale
http://www.inhalexhale.org
Inhalexhale(شهيق-زفير) صالة عرض فنية لا تتوخى الربح موجودة على الإنترنت وتهتم بالفنون المعاصرة والأزياء والصوتيات. وتجمع هذه الصالة أعمال فنانين ومصممين من كل أنحاء العالم وتقدمها على الملأ. وتتضمن نشاطاتها معارض ذات مواضيع معينة ومشاريع فردية على موقعها على الإنترنت (www.inhalexhale.org) إضافةً إلى أماكن عرض حقيقية. وتسعى الصالة إلى أن تحافظ على حيوية أمستردام العالمية عن طريق التعاون مع فنانين دوليين وغير غربيين في أغلب الوقت. وتجتهد Inhalexhale لاستكشاف أطر جديدة غير تقليدية ترتبط بتقديم الفنون المعاصرة وإدراكها. وهي تجعل العلاقة بين الأعمال والفنان أكثر وضوحاً للمشاهدين إذ تتناول مواضيع يعتبرها الفنانون أنفسهم مواضيع شخصية. وتأسست Inhalexhale في عام 2004 وتديرها إيرينا بيرغر وكاتيا سوكولوفا وهما فنانتان تقيمان في مدينة أمستردام الهولندية.
Artist: Inhalexhale
http://www.inhalexhale.org
Inhalexhale(شهيق-زفير) صالة عرض فنية لا تتوخى الربح موجودة على الإنترنت وتهتم بالفنون المعاصرة والأزياء والصوتيات. وتجمع هذه الصالة أعمال فنانين ومصممين من كل أنحاء العالم وتقدمها على الملأ. وتتضمن نشاطاتها معارض ذات مواضيع معينة ومشاريع فردية على موقعها على الإنترنت (www.inhalexhale.org) إضافةً إلى أماكن عرض حقيقية. وتسعى الصالة إلى أن تحافظ على حيوية أمستردام العالمية عن طريق التعاون مع فنانين دوليين وغير غربيين في أغلب الوقت. وتجتهد Inhalexhale لاستكشاف أطر جديدة غير تقليدية ترتبط بتقديم الفنون المعاصرة وإدراكها. وهي تجعل العلاقة بين الأعمال والفنان أكثر وضوحاً للمشاهدين إذ تتناول مواضيع يعتبرها الفنانون أنفسهم مواضيع شخصية. وتأسست Inhalexhale في عام 2004 وتديرها إيرينا بيرغر وكاتيا سوكولوفا وهما فنانتان تقيمان في مدينة أمستردام الهولندية.
footprints
Artist: Jane Fulton Alt
Jane Fulton Alt was born in Chicago in 1951. She attended the University of Michigan and the University of Chicago (MA, 1975). She has exhibited extensively both nationally and internationally. She is the recipient of numerous awards. Alt’s photographs explore universal issues of humanity, reflecting an interest in the mysteries of life and the non-material world.
Her project on Katrina grew out of having witnessed the aftermath of a devastating natural disaster. As a clinical social worker, she provided care to the survivors of Katrina, a deadly hurricane that passed thru the south in August of 2005. She accompanied the residents to their homes for the first time since they fled. She has been in mourning ever since. The stories she heard had one thing in common: they were all heartbreaking. These images are her attempt to describe what she saw. She hopes these images will ensure that the survivors will not be forgotten.
ولدت جاين فولتن آلت في شيكاغو عام 1951، وقد تابعت دراساتها في جامعتي ميشيغان وشيكاغو التي حصلت منها على الماجستير عام 1975. وقد عرضت أعمالها على نحو واسع وطنياً ودولياً، وتلقت عدة جوائز. ويستكشف تصوير آلت قضايا البشرية الكونية، مظهراً اهتمامها بأسرار الحياة والعالم غير المادي.
وقد بدأت العمل بمشروعها حول إعصار كاترينا بعدما شهدت الآثار التي خلفتها كارثة طبيعية مدمرة. وهي كانت تعمل مساعدةً اجتماعية تعتني بالناجين من الإعصار “كاترينا” المميت الذي اجتاح الجنوب الأميركي في شهر آب عام 2005. وقد رافقت السكان إلى بيوتهم للمرة الأولى بعد أن تركوها هاربين. والتزمت الحداد منذ ذلك العهد. فكل الحكايات التي سمعتها كانت تشترك بميزة واحدة: كانت كلها تفطر القلوب. وهذه الصور محاولة منها لتصف ما رأته. وتتمنى أن تبقى حائلاً دون نسيان الناجين من هذه الكارثة.
Artist: Jane Fulton Alt
Jane Fulton Alt was born in Chicago in 1951. She attended the University of Michigan and the University of Chicago (MA, 1975). She has exhibited extensively both nationally and internationally. She is the recipient of numerous awards. Alt’s photographs explore universal issues of humanity, reflecting an interest in the mysteries of life and the non-material world.
Her project on Katrina grew out of having witnessed the aftermath of a devastating natural disaster. As a clinical social worker, she provided care to the survivors of Katrina, a deadly hurricane that passed thru the south in August of 2005. She accompanied the residents to their homes for the first time since they fled. She has been in mourning ever since. The stories she heard had one thing in common: they were all heartbreaking. These images are her attempt to describe what she saw. She hopes these images will ensure that the survivors will not be forgotten.
ولدت جاين فولتن آلت في شيكاغو عام 1951، وقد تابعت دراساتها في جامعتي ميشيغان وشيكاغو التي حصلت منها على الماجستير عام 1975. وقد عرضت أعمالها على نحو واسع وطنياً ودولياً، وتلقت عدة جوائز. ويستكشف تصوير آلت قضايا البشرية الكونية، مظهراً اهتمامها بأسرار الحياة والعالم غير المادي.
وقد بدأت العمل بمشروعها حول إعصار كاترينا بعدما شهدت الآثار التي خلفتها كارثة طبيعية مدمرة. وهي كانت تعمل مساعدةً اجتماعية تعتني بالناجين من الإعصار “كاترينا” المميت الذي اجتاح الجنوب الأميركي في شهر آب عام 2005. وقد رافقت السكان إلى بيوتهم للمرة الأولى بعد أن تركوها هاربين. والتزمت الحداد منذ ذلك العهد. فكل الحكايات التي سمعتها كانت تشترك بميزة واحدة: كانت كلها تفطر القلوب. وهذه الصور محاولة منها لتصف ما رأته. وتتمنى أن تبقى حائلاً دون نسيان الناجين من هذه الكارثة.
Yazd / Iran, 2002
Artist: Jean-Francois Pirson
Architect, with a background in dance, Doctor des belles artes (Barcelona), Jean-François Pirson expresses his relationship to space through different practices (drawing, photography, installations, writing, walking in urban and mountainous environments). Professor at the Institute of Architecture Lambert Lombard (Liege, Belgium), he took leave, in 2005, to pursue his own project itinerary.
In the last few years, Jean-François Pirson combines his travels and his walks with his exploratory practices of space and uses photography as a medium to put in perspective parts of the world. He currently prepares the edition of the book and the photographic installation Dessine-moi un voyage (Draw me a travel), Edition and gallery, La lettre volée, Brussels, autumn 2006.
جان فرنسوا بيرسون مهندس معماري تابع دراسة بالرقص قبل أن يحصّل شهادة الدكتوراه بالفنون الجميلة من برشلونة. ويعبر عن علاقته مع الفراغ عبر ممارسات مختلفة (الرسم والتصوير ضوئي والنصب الفنية والكتابة والتجول في البيئات المدنية والجبلية). وهو بروفسور في معهد الهندسة المعمارية لامبير لومبار في مدينة لييج البلجيكية. وقد أخذ إجازة من التدريس عام 2005 لكي يتفرغ لمسيرة مشروعه الخاص.
ويعمل جان فرنسوا بيرسون في السنوات الأخيرة على الجمع بين أسفاره وتجواله الطويل بحثاً وتطبيقاً لاستكشافه للفراغ المحيط ويستخدم التصوير من أجل جمع مختلف وجهات نظر عن العالم. حالياً يقوم بالتحضير لكتاب تصوير ونصب فنّي بعنوان “draw me a travel” (ارسم لي رحلة)، لدى دار النشر وصالة العرض”la lettre volée” في بروكسل، خريف 2006.
Artist: Jean-Francois Pirson
Architect, with a background in dance, Doctor des belles artes (Barcelona), Jean-François Pirson expresses his relationship to space through different practices (drawing, photography, installations, writing, walking in urban and mountainous environments). Professor at the Institute of Architecture Lambert Lombard (Liege, Belgium), he took leave, in 2005, to pursue his own project itinerary.
In the last few years, Jean-François Pirson combines his travels and his walks with his exploratory practices of space and uses photography as a medium to put in perspective parts of the world. He currently prepares the edition of the book and the photographic installation Dessine-moi un voyage (Draw me a travel), Edition and gallery, La lettre volée, Brussels, autumn 2006.
جان فرنسوا بيرسون مهندس معماري تابع دراسة بالرقص قبل أن يحصّل شهادة الدكتوراه بالفنون الجميلة من برشلونة. ويعبر عن علاقته مع الفراغ عبر ممارسات مختلفة (الرسم والتصوير ضوئي والنصب الفنية والكتابة والتجول في البيئات المدنية والجبلية). وهو بروفسور في معهد الهندسة المعمارية لامبير لومبار في مدينة لييج البلجيكية. وقد أخذ إجازة من التدريس عام 2005 لكي يتفرغ لمسيرة مشروعه الخاص.
ويعمل جان فرنسوا بيرسون في السنوات الأخيرة على الجمع بين أسفاره وتجواله الطويل بحثاً وتطبيقاً لاستكشافه للفراغ المحيط ويستخدم التصوير من أجل جمع مختلف وجهات نظر عن العالم. حالياً يقوم بالتحضير لكتاب تصوير ونصب فنّي بعنوان “draw me a travel” (ارسم لي رحلة)، لدى دار النشر وصالة العرض”la lettre volée” في بروكسل، خريف 2006.
Bogota
Artist: Johannes Hepp
http://www.johannes-hepp.com
Johannes Hepp was born in Freiburg, Germany, in 1969. Currently, he lives and works in Munich and Buenos Aires. “His ‘The Days After’ presents a striking series of superficially benign but deeply disturbing images through an ambitious, systematic study of the sites of terrorist activity around the world. Made sometimes days and sometimes years after… Hepp’s edgy and impossible constructed panoramas conflate the specific moments of terrorist attack and the subsequent passage of time, thereby
creating a powerful visual equivalent to the way of horrific events leave marks on memory long after they have occurred… The images are montaged to depict multiple moments in time and challenge the conventions of the documentary. Hepp draws us, his viewers, into his frame, making us witnesses, not only to the aftermath of violence that marks place and psyches, but to his own act of witness.
ولد يوهانيس هيب في مدينة فرايبورج الألمانية سنة 1969. وهو حالياً يقيم في ميونخ وبوينس آيرس ويعمل بهما. مشروعه “The Days After” يقدم سلسلة ضاربة من الصور التي تبدو حميدة سطحياً، لكنها مقلقة جداً إذ يطرحها من خلال دراسة طموحة ومنظّمة لمواقعِ النشاطِ الإرهابي حول العالم. وهي ملتقطة أحياناً بعد أيام وأحياناً أخرى بعد مرور عدة سنوات من وقوع الهجمة الإرهابية، ويسعى هيب بها لتقديم منظرٍ شامل مؤلّف بصورة منفعلة ومستحيلة تسترعي اللحظات المحددة للهجمة الإرهابية والمرور اللاحق للوقت، ويخلق بذلك صورةً قوية تعادل الطريقة التي تترك بها هذه الأحداث الشنيعة أثارها في الذاكرة حتى بعد وقت طويل من حدوثها. وهذه الصور مركبة لتصف لحظات متعددة في زمن واحد وبطريقة تتحدّى أعراف العمل التوثيقي. ويشدنا هيب، نحن مشاهديه، إلى إطاره، ويَجْعلُنا شهوداً، لَيسَ فقط على ما يخلفه العنف من أثر بليغ على المكان والنفوس، بل على دوره هو نفسه شاهداً على الحدث…
Artist: Johannes Hepp
http://www.johannes-hepp.com
Johannes Hepp was born in Freiburg, Germany, in 1969. Currently, he lives and works in Munich and Buenos Aires. “His ‘The Days After’ presents a striking series of superficially benign but deeply disturbing images through an ambitious, systematic study of the sites of terrorist activity around the world. Made sometimes days and sometimes years after… Hepp’s edgy and impossible constructed panoramas conflate the specific moments of terrorist attack and the subsequent passage of time, thereby
creating a powerful visual equivalent to the way of horrific events leave marks on memory long after they have occurred… The images are montaged to depict multiple moments in time and challenge the conventions of the documentary. Hepp draws us, his viewers, into his frame, making us witnesses, not only to the aftermath of violence that marks place and psyches, but to his own act of witness.
ولد يوهانيس هيب في مدينة فرايبورج الألمانية سنة 1969. وهو حالياً يقيم في ميونخ وبوينس آيرس ويعمل بهما. مشروعه “The Days After” يقدم سلسلة ضاربة من الصور التي تبدو حميدة سطحياً، لكنها مقلقة جداً إذ يطرحها من خلال دراسة طموحة ومنظّمة لمواقعِ النشاطِ الإرهابي حول العالم. وهي ملتقطة أحياناً بعد أيام وأحياناً أخرى بعد مرور عدة سنوات من وقوع الهجمة الإرهابية، ويسعى هيب بها لتقديم منظرٍ شامل مؤلّف بصورة منفعلة ومستحيلة تسترعي اللحظات المحددة للهجمة الإرهابية والمرور اللاحق للوقت، ويخلق بذلك صورةً قوية تعادل الطريقة التي تترك بها هذه الأحداث الشنيعة أثارها في الذاكرة حتى بعد وقت طويل من حدوثها. وهذه الصور مركبة لتصف لحظات متعددة في زمن واحد وبطريقة تتحدّى أعراف العمل التوثيقي. ويشدنا هيب، نحن مشاهديه، إلى إطاره، ويَجْعلُنا شهوداً، لَيسَ فقط على ما يخلفه العنف من أثر بليغ على المكان والنفوس، بل على دوره هو نفسه شاهداً على الحدث…
Olomana Intermediate School
Artist: Juliane Eirich
Juliane Eirich was born in Munich, Germany, in 1979. After two internships in Miami and Munich she studied at the Academy of Photographic design in Munich. After graduating she went to New York City and Honolulu to work and pursue her own projects.
In her point of view, being a photographer makes one curious by profession. This curiosity is what inspires her and makes her enthusiastic about photography.
The main subject of her work is physical places. Most of her work is photographed during night time. She is showing the peculiarity and beauty of places that usually would not get much attention. Her work deals with the relationships between people and places, and the rendering of real and artificial-like environments in everyday life. Day and night, loud and silent, dense and empty, she intends to capture these contrasts in her work.
Her goal is to take pictures that are story telling to pass on her curiosity to the viewers.
ولدت يوليان أيريخ في ميونخ، ألمانيا، في سنة 1979. وبعد دورتين تدريبيين في ميامي وميونخ درست في أكاديمية التصميم بالتصوير الضوئي Academy of Photographic Design في ميونخ. وبعد أن تخرجت، ذهبت إلى مدينتي نيويورك وهونولولو لكي تشتغل وتسعى وراء مشاريعها الشخصية.
في وجهة نظرها، أن المصور يصبح فضولياً بحكم مهنته. وهذا الفضول هو ما يلهمها ويجعلها متحمسة للتصوير الضوئي. والموضوع الرئيسي لعملها هو الأماكن الطبيعية. وتلتقط أغلب صورها أثناء الليل. فهي تظهر خصوصية الأماكن التي عادة لا تسترعي الكثير من الانتباه والجمال الذي تتمتع به. ويتناول عملها العلاقات بين الناس والأماكن وإخراج البيئة الحقيقية والمصطنعة في الحياة اليومية. فهي تتعمد إن كانت البيئة نهاراً أم ليلاً، صاخبةً أم صامتة، مزدحمةً أم فارغة، أن تلتقط هذه المتناقضات في عملها. وهدفها هو التقاط صور تروي قصصاً لنقل فضولها إلى المشاهدين.
Artist: Juliane Eirich
Juliane Eirich was born in Munich, Germany, in 1979. After two internships in Miami and Munich she studied at the Academy of Photographic design in Munich. After graduating she went to New York City and Honolulu to work and pursue her own projects.
In her point of view, being a photographer makes one curious by profession. This curiosity is what inspires her and makes her enthusiastic about photography.
The main subject of her work is physical places. Most of her work is photographed during night time. She is showing the peculiarity and beauty of places that usually would not get much attention. Her work deals with the relationships between people and places, and the rendering of real and artificial-like environments in everyday life. Day and night, loud and silent, dense and empty, she intends to capture these contrasts in her work.
Her goal is to take pictures that are story telling to pass on her curiosity to the viewers.
ولدت يوليان أيريخ في ميونخ، ألمانيا، في سنة 1979. وبعد دورتين تدريبيين في ميامي وميونخ درست في أكاديمية التصميم بالتصوير الضوئي Academy of Photographic Design في ميونخ. وبعد أن تخرجت، ذهبت إلى مدينتي نيويورك وهونولولو لكي تشتغل وتسعى وراء مشاريعها الشخصية.
في وجهة نظرها، أن المصور يصبح فضولياً بحكم مهنته. وهذا الفضول هو ما يلهمها ويجعلها متحمسة للتصوير الضوئي. والموضوع الرئيسي لعملها هو الأماكن الطبيعية. وتلتقط أغلب صورها أثناء الليل. فهي تظهر خصوصية الأماكن التي عادة لا تسترعي الكثير من الانتباه والجمال الذي تتمتع به. ويتناول عملها العلاقات بين الناس والأماكن وإخراج البيئة الحقيقية والمصطنعة في الحياة اليومية. فهي تتعمد إن كانت البيئة نهاراً أم ليلاً، صاخبةً أم صامتة، مزدحمةً أم فارغة، أن تلتقط هذه المتناقضات في عملها. وهدفها هو التقاط صور تروي قصصاً لنقل فضولها إلى المشاهدين.
Les Femmes du Maroc
Artist: Lalla Essaydi
أجرت لالا السيّدي دراساتها في التصوير الضوئي والزيتي والرسم. ويتناول فنها، الذي يقرن بين فن الخط العربي وتصويرات جسد المرأة، الواقع المعقد لهوية المرأة العربية من وجهة النظر الفريدة للتجربة الشخصية. وهي تعود في أعمال كثيرة لها إلى طفولتها في المغرب مسترجعةً ذلك الزمن بعد أن أصبحت امرأة راشدة معلقة في مكان ما بين الماضي والحاضر، وفنانة تستكشف اللغة التي يجب أن “تتكلمها” من هذا المكان المعلق. وغالبا ما تستحوذ رسومها الصورة الاستشراقية لتقاليد الرسم الغربية وتدعو بهذه الطريقة المشاهدين ليعيدوا النظر في الأساطير الاستشراقية. وقد عملت لالا السيّدي في أساليب فنية مختلفة، ومن بينها الرسم والفيديو والنصب الفنية الفلمية والتصوير الضوئي غير الرقمي. “في فني، أريد أن أقدم نفسي من خلال عدسات مختلفة – فنانة، مغربية، سعودية، تقليدية، ليبرالية، مسلمة. وبعبارة مختصرة، أدعو المشاهد ليقاوم الصورة النمطية التي نطلقها على الأمور.
Artist: Lalla Essaydi
أجرت لالا السيّدي دراساتها في التصوير الضوئي والزيتي والرسم. ويتناول فنها، الذي يقرن بين فن الخط العربي وتصويرات جسد المرأة، الواقع المعقد لهوية المرأة العربية من وجهة النظر الفريدة للتجربة الشخصية. وهي تعود في أعمال كثيرة لها إلى طفولتها في المغرب مسترجعةً ذلك الزمن بعد أن أصبحت امرأة راشدة معلقة في مكان ما بين الماضي والحاضر، وفنانة تستكشف اللغة التي يجب أن “تتكلمها” من هذا المكان المعلق. وغالبا ما تستحوذ رسومها الصورة الاستشراقية لتقاليد الرسم الغربية وتدعو بهذه الطريقة المشاهدين ليعيدوا النظر في الأساطير الاستشراقية. وقد عملت لالا السيّدي في أساليب فنية مختلفة، ومن بينها الرسم والفيديو والنصب الفنية الفلمية والتصوير الضوئي غير الرقمي. “في فني، أريد أن أقدم نفسي من خلال عدسات مختلفة – فنانة، مغربية، سعودية، تقليدية، ليبرالية، مسلمة. وبعبارة مختصرة، أدعو المشاهد ليقاوم الصورة النمطية التي نطلقها على الأمور.
Opening Curtains
Artist: Lili Almog
Lili Almog is a New York based artist who has concentrated her artistic efforts on creating representations of the feminine body and psyche. Her work has been exhibited in museums and galleries throughout the United States, Europe, Australia and Israel, including the Norton Museum of Art, the Victoria and Albert Museum, the Musee de la Photographie in Belgium, Museet for Fotokunst in Denmark, the Griffin Museum, and the Herzliya Museum of Contemporary Art. Perfect Intimacy, her most recent project, was published as a monograph in 2006 by powerHouse books and exhibited at the UK Ffotogallery and Photographers’ Gallery London, Andrea Meislin Gallery in New York and currently on tour in Europe.
ليلي الموغ فنانة تقيم في نيويورك وتركز جهودها الفنية على خلق تصويرات لجسد المرأة ونفسها. وقد عرضت أعمالها في متاحف وصالات في الولايات المتحدة وأوروبا وأستراليا ومنها متحف نورتن للفنون Norton Museum of Art ومتحف فيكتوريا وآلبرت Victoria and Albert Museum ومتحف التصوير الضوئي Musée de la Photographie في بلجيكا ومتحف فن التصوير Museet for Fotokunst في الدانمرك و متحف غريفن Griffin Museum ومتحف هرتزليا للفنون المعاصرة Herzliya Museum of Contemporary Art. وقد نشر آخر مشاريعها “Perfect Intimacy” كدراسة في سنة 2006 في دار النشر powerHouse books وعرض في الصالات UK Ffotogallery و Photographers’ Gallery London و Andrea Meislin Gallery في نيويورك. ويجول هذا المشروع في أوروبا حالياً.
Artist: Lili Almog
Lili Almog is a New York based artist who has concentrated her artistic efforts on creating representations of the feminine body and psyche. Her work has been exhibited in museums and galleries throughout the United States, Europe, Australia and Israel, including the Norton Museum of Art, the Victoria and Albert Museum, the Musee de la Photographie in Belgium, Museet for Fotokunst in Denmark, the Griffin Museum, and the Herzliya Museum of Contemporary Art. Perfect Intimacy, her most recent project, was published as a monograph in 2006 by powerHouse books and exhibited at the UK Ffotogallery and Photographers’ Gallery London, Andrea Meislin Gallery in New York and currently on tour in Europe.
ليلي الموغ فنانة تقيم في نيويورك وتركز جهودها الفنية على خلق تصويرات لجسد المرأة ونفسها. وقد عرضت أعمالها في متاحف وصالات في الولايات المتحدة وأوروبا وأستراليا ومنها متحف نورتن للفنون Norton Museum of Art ومتحف فيكتوريا وآلبرت Victoria and Albert Museum ومتحف التصوير الضوئي Musée de la Photographie في بلجيكا ومتحف فن التصوير Museet for Fotokunst في الدانمرك و متحف غريفن Griffin Museum ومتحف هرتزليا للفنون المعاصرة Herzliya Museum of Contemporary Art. وقد نشر آخر مشاريعها “Perfect Intimacy” كدراسة في سنة 2006 في دار النشر powerHouse books وعرض في الصالات UK Ffotogallery و Photographers’ Gallery London و Andrea Meislin Gallery في نيويورك. ويجول هذا المشروع في أوروبا حالياً.
Emergence
Artist: Lisa Robinson
Lisa Robinson lives in Jackson Heights, New York. She graduated with a bachelor’s degree in English from Columbia University and received her MFA in Photography from the Savannah College of Art and Design. She recently completed a month as the Artist-in-Residence at Light Work in Syracuse, New York. The color photographs comprising SNOWBOUND transform the very familiar world of front yards and back yards into sublime scenes that encourage deep reflection. These winter scenes, at once accessible and inviting, suggest, upon contemplation, the temporal nature of all things. In the heart of winter, there are subtle references to other seasons which have passed, but will come again, providing optimism about a cycle of life and our human place within this world. This series was recently exhibited at the Griffin Museum of Photography in Winchester, MA., and as part of the Festival de la Luz in Buenos Aires, Argentina.
تقيم ليسا روبنسون في مدينة جاكسون هايتس بولاية نيويورك. وقد حصلت على إجازة في الآداب الانجليزية من جامعة كولومبيا وعلى MFA (ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي) من معهد سافانا للفن والتصميم Savannah College of Art & Design. وقد قضت مؤخراً شهر إقامة فنية في دار Light Work في مدينة سيراكوز بولاية نيويورك. والصور الملونة التي يحتويها العرض “SNOWBOUND” (محتجز بالثلج) تحول العالم المألوف جداً للحدائق الأمامية والخلفية إلى مشاهد رائعة تحث على التفكر العميق. فهذه المشاهد الشتوية، التي هي في الآن ذاته مفتوحة ومرحبة، توحي بعد التأمل بها بالطبيعة الفانية لدى كل الأشياء. وفي منتصف الشتاء، نجد إشارات دقيقة إلى مواسم أخرى فاتت، ولكنها ستجيء من جديد وهي تزودنا بالتفاؤل بدورة الحياة ومكاننا البشري في هذا العالم. وحديثا عرضت هذه السلسلة في متحف غريفين للتصوير الضوئي Griffin Museum of Photography في ونشستر بولاية ماساشوستس وكجزء من مهرجان النور Festival de la Luz في بوينوس آيرس بالأرجنتين.
Artist: Lisa Robinson
Lisa Robinson lives in Jackson Heights, New York. She graduated with a bachelor’s degree in English from Columbia University and received her MFA in Photography from the Savannah College of Art and Design. She recently completed a month as the Artist-in-Residence at Light Work in Syracuse, New York. The color photographs comprising SNOWBOUND transform the very familiar world of front yards and back yards into sublime scenes that encourage deep reflection. These winter scenes, at once accessible and inviting, suggest, upon contemplation, the temporal nature of all things. In the heart of winter, there are subtle references to other seasons which have passed, but will come again, providing optimism about a cycle of life and our human place within this world. This series was recently exhibited at the Griffin Museum of Photography in Winchester, MA., and as part of the Festival de la Luz in Buenos Aires, Argentina.
تقيم ليسا روبنسون في مدينة جاكسون هايتس بولاية نيويورك. وقد حصلت على إجازة في الآداب الانجليزية من جامعة كولومبيا وعلى MFA (ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي) من معهد سافانا للفن والتصميم Savannah College of Art & Design. وقد قضت مؤخراً شهر إقامة فنية في دار Light Work في مدينة سيراكوز بولاية نيويورك. والصور الملونة التي يحتويها العرض “SNOWBOUND” (محتجز بالثلج) تحول العالم المألوف جداً للحدائق الأمامية والخلفية إلى مشاهد رائعة تحث على التفكر العميق. فهذه المشاهد الشتوية، التي هي في الآن ذاته مفتوحة ومرحبة، توحي بعد التأمل بها بالطبيعة الفانية لدى كل الأشياء. وفي منتصف الشتاء، نجد إشارات دقيقة إلى مواسم أخرى فاتت، ولكنها ستجيء من جديد وهي تزودنا بالتفاؤل بدورة الحياة ومكاننا البشري في هذا العالم. وحديثا عرضت هذه السلسلة في متحف غريفين للتصوير الضوئي Griffin Museum of Photography في ونشستر بولاية ماساشوستس وكجزء من مهرجان النور Festival de la Luz في بوينوس آيرس بالأرجنتين.
Jerusalem for Marina – No Chance Tonight – Transnistria
Artist: Lorraine Gillet
Lou G. (Lorraine Gillet) became an independent “video and photography maker” in the early 2000. Living her life as a “European woman”, “image and
history lover”, especially when images become signs or symbols of
history.
Her short video-documentaries are somewhere between art and journalism,
dealing with Freedom and Migration (No Chance Tonight) ; or the
“surreal side” of International Politics (Dievouchka!, Traveling
Diary in Transnistria). Another short film about religions (Jerusalem
for Marina), was made for children; dedicated to a young girl, it’s a
sensitive musical wander through the Old City of Jerusalem and its
three religious quarters, Muslim, Christian and Jewish.
Her work was shown in festivals Moldova (Marathon Chisinau), Serbia
(Alternative Festival Belgrade), Ukrainia (Contackt), France (Art
Action International Paris and Berlin, Les Inattendus Lyon ). Now
working on a short film about spiritual faith and mythology, very
symbolic and “coded”. She Left Western Europe in mid-2004, and is
still on traveling (Eastern Europe, Middle-East).
تعمل لو ج. (لورين جييه) منذ بداية العام 2000 “مخرجة فيديو وتصوير ضوئي” مستقلة. وهي تعيش حياتها “كامرأة أوروبية” و”هاوية للصور والتاريخ”، بالخصوص لما تكون الصور إشارات أو رموزاً للتاريخ. فأفلامها الوثائقية القصيرة تمزج الفن والصحافة، لأنها تتناول مواضيع كالحرية والهجرة (No Chance Tonight) أو الوجه “السريالي” للسياسة الدولية (Dievouchka!, Traveling Diary in Transnistra). وقد أنتجت فلماً قصيراً موجهاً للأطفال وموضوعه الأديان (Jerusalem for Marina)، وهو مهدي إلى بنت صغيرة ويعرض نزهة موسيقية في أرجاء مدينة القدس القديمة وأحيائها الثلاثة المسلم والمسيحي واليهودي ولكل طابعه الديني. وعرضت أعمالها في مهرجانات في مولدوفا: Marathon Chisinau، وصربيا: Alternative Festival Belgrade، وأوكرانيا: Contackt، وفرنسا: Art Action International في مدينتي باريس وبرلين و Les Inattendus في مدينة ليون. وحالياً تعمل على فلم صغير عن الإيمان الروحاني والميثولوجيا وهذا الفيلم رمزي جداً ومليءٌ بالإشارات. وقد تركت أوروبا الغربية في منتصف سنة 2004 وما زالت تسافر في أوروبا الشرقية والشرق الأوسط.
Artist: Lorraine Gillet
Lou G. (Lorraine Gillet) became an independent “video and photography maker” in the early 2000. Living her life as a “European woman”, “image and
history lover”, especially when images become signs or symbols of
history.
Her short video-documentaries are somewhere between art and journalism,
dealing with Freedom and Migration (No Chance Tonight) ; or the
“surreal side” of International Politics (Dievouchka!, Traveling
Diary in Transnistria). Another short film about religions (Jerusalem
for Marina), was made for children; dedicated to a young girl, it’s a
sensitive musical wander through the Old City of Jerusalem and its
three religious quarters, Muslim, Christian and Jewish.
Her work was shown in festivals Moldova (Marathon Chisinau), Serbia
(Alternative Festival Belgrade), Ukrainia (Contackt), France (Art
Action International Paris and Berlin, Les Inattendus Lyon ). Now
working on a short film about spiritual faith and mythology, very
symbolic and “coded”. She Left Western Europe in mid-2004, and is
still on traveling (Eastern Europe, Middle-East).
تعمل لو ج. (لورين جييه) منذ بداية العام 2000 “مخرجة فيديو وتصوير ضوئي” مستقلة. وهي تعيش حياتها “كامرأة أوروبية” و”هاوية للصور والتاريخ”، بالخصوص لما تكون الصور إشارات أو رموزاً للتاريخ. فأفلامها الوثائقية القصيرة تمزج الفن والصحافة، لأنها تتناول مواضيع كالحرية والهجرة (No Chance Tonight) أو الوجه “السريالي” للسياسة الدولية (Dievouchka!, Traveling Diary in Transnistra). وقد أنتجت فلماً قصيراً موجهاً للأطفال وموضوعه الأديان (Jerusalem for Marina)، وهو مهدي إلى بنت صغيرة ويعرض نزهة موسيقية في أرجاء مدينة القدس القديمة وأحيائها الثلاثة المسلم والمسيحي واليهودي ولكل طابعه الديني. وعرضت أعمالها في مهرجانات في مولدوفا: Marathon Chisinau، وصربيا: Alternative Festival Belgrade، وأوكرانيا: Contackt، وفرنسا: Art Action International في مدينتي باريس وبرلين و Les Inattendus في مدينة ليون. وحالياً تعمل على فلم صغير عن الإيمان الروحاني والميثولوجيا وهذا الفيلم رمزي جداً ومليءٌ بالإشارات. وقد تركت أوروبا الغربية في منتصف سنة 2004 وما زالت تسافر في أوروبا الشرقية والشرق الأوسط.
Power Ties
Artist: Luis Delgado Qualtrough
Luis Delgado Qualtrough became a photographer in Mexico where he grew up. He began his work documenting folk mores and customs as well as pre-Columbian artifacts. Today he is particularly interested in exploring different aspects of visual narrative with emphasis in iconography and gesture.
He creates photography based prints, books, and installations with history and societal systems as his theme, specifically the concept of the hero and the anti-hero. He uses a visual language of icons and gestures assembled into compound images to create narratives that address this issue. This language, which he has gathered over many years, consists of photographs of iconography and inanimate representations from many historical and mundane settings throughout the world, as well as imagery taken from mass media outlets. His goal is to achieve a uniquely personal social commentary and analysis using his language of iconography as its voice.
أصبحَ لويس دلغادو كوالتراف مصوراً ضوئياً في بلده المكسيك حيث نشأ وترعرع. وقد بدأ عمله بتوثيق الأعراف والعادات الشعبية بالإضافة إلى المصنوعات اليدوية قبل الكولومبية. اليوم هو يهتم باستكشاف سمات مختلفة للقصة البصرية مع التأكيد على الرمزية والإيمائية.
وهو يشكل مطبوعات وكتباً ونُصُباً فنية مبنية على التصوير الفوتوغرافي وتتخذ التاريخ والأنظمة الاجتماعية الحضارية موضوعاً لها، وخاصةً مفهوم البطولة ونقيضها. ويستعمل لغةً بصرية من الرموز والإيماءات المجمعة في صور مركبة لخلق السرد القصصي الذي يعالج هذه القضية. وتشتمل هذه اللغة التي جمعها عبر العديد من السنين على صور ضوئية قوامها الرمزية والتصاوير الجامدة للعديد من الأماكن التاريخية والدنيوية في كافة أنحاء العالم، بالإضافة إلى الصورة المأخوذة من منافذ الإعلام الجماهيري. وهدفه أن ينجز تعليقاً شخصياً فريداً للمجتمع ويحلله مستعملاً لغته الرمزية كصوت له.
Artist: Luis Delgado Qualtrough
Luis Delgado Qualtrough became a photographer in Mexico where he grew up. He began his work documenting folk mores and customs as well as pre-Columbian artifacts. Today he is particularly interested in exploring different aspects of visual narrative with emphasis in iconography and gesture.
He creates photography based prints, books, and installations with history and societal systems as his theme, specifically the concept of the hero and the anti-hero. He uses a visual language of icons and gestures assembled into compound images to create narratives that address this issue. This language, which he has gathered over many years, consists of photographs of iconography and inanimate representations from many historical and mundane settings throughout the world, as well as imagery taken from mass media outlets. His goal is to achieve a uniquely personal social commentary and analysis using his language of iconography as its voice.
أصبحَ لويس دلغادو كوالتراف مصوراً ضوئياً في بلده المكسيك حيث نشأ وترعرع. وقد بدأ عمله بتوثيق الأعراف والعادات الشعبية بالإضافة إلى المصنوعات اليدوية قبل الكولومبية. اليوم هو يهتم باستكشاف سمات مختلفة للقصة البصرية مع التأكيد على الرمزية والإيمائية.
وهو يشكل مطبوعات وكتباً ونُصُباً فنية مبنية على التصوير الفوتوغرافي وتتخذ التاريخ والأنظمة الاجتماعية الحضارية موضوعاً لها، وخاصةً مفهوم البطولة ونقيضها. ويستعمل لغةً بصرية من الرموز والإيماءات المجمعة في صور مركبة لخلق السرد القصصي الذي يعالج هذه القضية. وتشتمل هذه اللغة التي جمعها عبر العديد من السنين على صور ضوئية قوامها الرمزية والتصاوير الجامدة للعديد من الأماكن التاريخية والدنيوية في كافة أنحاء العالم، بالإضافة إلى الصورة المأخوذة من منافذ الإعلام الجماهيري. وهدفه أن ينجز تعليقاً شخصياً فريداً للمجتمع ويحلله مستعملاً لغته الرمزية كصوت له.
Aleppo Umbrellas
Aleppo Umbrellas
Artist: Malene Hartmann
تستخدم مالين هارتمان وسائل متعددة كالتصوير الضوئي والزيتي والرسم والملصقات التركيبية لتستكشف قضايا كالهوية والوجود الغياب و ما بعد الصور. والمبادئ الأساسية في أعمالها هي المناخ المحيط والخبرة والذاكرة. فهي تستعرض ما هو معروف إزاء ما هو من غير المألوف، إذ يكمن الدافع في الحركة والانتقال من حالةٍ إلى أخرى. وجمعها للدافع والأسلوب معاً يستكشف النواحي الشاعرية والظريفة والكئيبة لدى الفنانة. في سنة 2002 حصلت على شهادة الماجستير في نظرية الفنون والتواصل من الأكاديمية الملكية الدانمركية للفنون الجميلة، وكان موضوع رسالتها عن لويز بورجوا. وعام 2000 تخرجت من الأكاديمية الملكية الدانمركية للفنون الجميلة. في سنة 2004 قدمت إلى سوريا لتشارك في اللقاء السادس لفنانات من العالم الذي تنظمه صالة الجسر بحلب.
Aleppo Umbrellas
Artist: Malene Hartmann
تستخدم مالين هارتمان وسائل متعددة كالتصوير الضوئي والزيتي والرسم والملصقات التركيبية لتستكشف قضايا كالهوية والوجود الغياب و ما بعد الصور. والمبادئ الأساسية في أعمالها هي المناخ المحيط والخبرة والذاكرة. فهي تستعرض ما هو معروف إزاء ما هو من غير المألوف، إذ يكمن الدافع في الحركة والانتقال من حالةٍ إلى أخرى. وجمعها للدافع والأسلوب معاً يستكشف النواحي الشاعرية والظريفة والكئيبة لدى الفنانة. في سنة 2002 حصلت على شهادة الماجستير في نظرية الفنون والتواصل من الأكاديمية الملكية الدانمركية للفنون الجميلة، وكان موضوع رسالتها عن لويز بورجوا. وعام 2000 تخرجت من الأكاديمية الملكية الدانمركية للفنون الجميلة. في سنة 2004 قدمت إلى سوريا لتشارك في اللقاء السادس لفنانات من العالم الذي تنظمه صالة الجسر بحلب.
Tales Of A Reflection
Artist: Manuel Perezmilian
يحفل التصوير الضوئي الذي استكشفه مانويل بيريزمليان في مدريد وبرشلونة في العقد (1980-1990) بالخيال والمخاطرة ويتجاوز حدود الجمالية والأخلاق ويخلق بهذه الطريقة جمالية جديدة وأخلاق جديدة لا يحدها سوى الخيال الذي يتمتع به هذا التصوير.
وقد شهد عقدا الثمانينيات والتسعينيات ظهور المرأة في دور البطولة على الساحة الفنية لتقدم صورة جديدة تدور حول الجسد وهوية الجنس وشجب الصور النمطية، وغيرها من الموضوعات التي تساهم في كسر الحدود التقليدية الصارمة.
ويتركز عمله حالياً على مشهد الجسد البشري، انطلاقاً من فكرة أن الجسد هو أفضل تعبير عن “الكيان” المجرد من كل الظروف حيث المرأة هي العنصر الرئيسي. ويعمل بيريزمليان منذ سنة 1982 على تطوير نفسه كمصور مبدع يركز على تحري التقنيات التصويرية والجسد العاري واللوحة النصفية وخرج بعمله هذا بنتاج شخصي واسع.
Artist: Manuel Perezmilian
يحفل التصوير الضوئي الذي استكشفه مانويل بيريزمليان في مدريد وبرشلونة في العقد (1980-1990) بالخيال والمخاطرة ويتجاوز حدود الجمالية والأخلاق ويخلق بهذه الطريقة جمالية جديدة وأخلاق جديدة لا يحدها سوى الخيال الذي يتمتع به هذا التصوير.
وقد شهد عقدا الثمانينيات والتسعينيات ظهور المرأة في دور البطولة على الساحة الفنية لتقدم صورة جديدة تدور حول الجسد وهوية الجنس وشجب الصور النمطية، وغيرها من الموضوعات التي تساهم في كسر الحدود التقليدية الصارمة.
ويتركز عمله حالياً على مشهد الجسد البشري، انطلاقاً من فكرة أن الجسد هو أفضل تعبير عن “الكيان” المجرد من كل الظروف حيث المرأة هي العنصر الرئيسي. ويعمل بيريزمليان منذ سنة 1982 على تطوير نفسه كمصور مبدع يركز على تحري التقنيات التصويرية والجسد العاري واللوحة النصفية وخرج بعمله هذا بنتاج شخصي واسع.
Seissors, videostill from the collection Tokyo Science Fiction Stories 2005
Artist: Marika Seidler
http://www.marikaseidler.org
ماريكا سيدلر فنانة تعمل بالفنون البصرية وتقيم في كوبنهاغن وقد عرضت أعمالها في العديد من المعارض الدولية في النرويج والسويد وأيسلندا وبرلين وفنلندا وفرنسا ودبي وأثيوبيا وسوريا والمملكة المتحدة والنمسا. وهي تبث الحياة في عروضها الفيديوية والعوالم الخيالية التي تخلقها في سردها الحكاية بلجوئها للأشكال الورقية والرسوم والأصوات. وقد قدمتها حتى الآن في بنين في غرب أفريقيا وروسيا وسوريا ولبنان واليابان والولايات المتحدة الأميركية.
“Tokyo Science Fiction Stories” (روايات طوكيو من الخيال العلمي) هي سلسلة أفلام فيديو (“Scissors” –المقصات 6 دقائق، “Liquid Glass” -الزجاج السائل 6 دقائق، “A prince for you” –أمير لأجلك 6 دقائق، “Hope Chest” –صندوق الأمل 6 دقائق) رشحت لمسابقة الميدالية الذهبية التي تقدمها الأكاديمية الملكية الدانمركية “The Royal Danish Academy Gold Medal Competition” عام 2005 وسيجري عرضها في اللقاء الفوتوغرافي الدولي بحلب. وأفلام الخيال العلمي في هذا العرض مستندة إلى أعمال رواة الخيال العلمي وتصورات “المستقبل” لدى نوادي هواة الخيال العلمي إذ أعاد الممثلون كتابة هذه الأفلام وارتجلوا تمثيلها وهم فنانون يقطنون في منطقة النهر الخفي “شيبويا” في مدينة طوكيو. تمثل أعمال ماريكا سيدلر وكالة Bendixen Contemporary Art في كوبنهاغن.
Artist: Marika Seidler
http://www.marikaseidler.org
ماريكا سيدلر فنانة تعمل بالفنون البصرية وتقيم في كوبنهاغن وقد عرضت أعمالها في العديد من المعارض الدولية في النرويج والسويد وأيسلندا وبرلين وفنلندا وفرنسا ودبي وأثيوبيا وسوريا والمملكة المتحدة والنمسا. وهي تبث الحياة في عروضها الفيديوية والعوالم الخيالية التي تخلقها في سردها الحكاية بلجوئها للأشكال الورقية والرسوم والأصوات. وقد قدمتها حتى الآن في بنين في غرب أفريقيا وروسيا وسوريا ولبنان واليابان والولايات المتحدة الأميركية.
“Tokyo Science Fiction Stories” (روايات طوكيو من الخيال العلمي) هي سلسلة أفلام فيديو (“Scissors” –المقصات 6 دقائق، “Liquid Glass” -الزجاج السائل 6 دقائق، “A prince for you” –أمير لأجلك 6 دقائق، “Hope Chest” –صندوق الأمل 6 دقائق) رشحت لمسابقة الميدالية الذهبية التي تقدمها الأكاديمية الملكية الدانمركية “The Royal Danish Academy Gold Medal Competition” عام 2005 وسيجري عرضها في اللقاء الفوتوغرافي الدولي بحلب. وأفلام الخيال العلمي في هذا العرض مستندة إلى أعمال رواة الخيال العلمي وتصورات “المستقبل” لدى نوادي هواة الخيال العلمي إذ أعاد الممثلون كتابة هذه الأفلام وارتجلوا تمثيلها وهم فنانون يقطنون في منطقة النهر الخفي “شيبويا” في مدينة طوكيو. تمثل أعمال ماريكا سيدلر وكالة Bendixen Contemporary Art في كوبنهاغن.
Rome #12, Lungotevere
Artist: Melanie Bonajo
تخرجت ميلاني بوناجو من معهد Gerrit Rietveld Academie في أمستردام سنة 2002 وكلفت بمهمة تصويرية من جمعية المصورين الشباب. وحصلت على الجائزة الأولىArt incentive prize Amstelveen في سنة 2004. ومنذ عام 2002، استحقت أعمالها معرضاً فردياً في Gallery Artspace في أمستردام. منذ عام 2000 عرضت أعمالها في SVA Gallery في نيويورك و Modern و Winston Kingdom Hotel في أمستردام و Photofestival Naarden و Gallery Van Zoetendaal في أمستردام و Kum Ho Museum Modern Art في سيئول و F.O.A.M. في أمستردام و Kaap Helder في دن هيلدر وفي متحف الفن الحديث في آرنهم وفي المعهد الهولندي بباريس وفي صالة Staubgfz في زوريخ وفي أماكن أخرى. ومنذ عام 2004 أسست بالتعاون مع صوفي مورنر مجلة Capricious Magazine وهي تشكل منصة دولية للمصورين الصاعدين. وهي أيضاً عضو في المجموعة السويسرية Desaster التي يتعاون أعضاءها في إصدار النشرات والمعارض والأعمال الموسيقية.
Artist: Melanie Bonajo
تخرجت ميلاني بوناجو من معهد Gerrit Rietveld Academie في أمستردام سنة 2002 وكلفت بمهمة تصويرية من جمعية المصورين الشباب. وحصلت على الجائزة الأولىArt incentive prize Amstelveen في سنة 2004. ومنذ عام 2002، استحقت أعمالها معرضاً فردياً في Gallery Artspace في أمستردام. منذ عام 2000 عرضت أعمالها في SVA Gallery في نيويورك و Modern و Winston Kingdom Hotel في أمستردام و Photofestival Naarden و Gallery Van Zoetendaal في أمستردام و Kum Ho Museum Modern Art في سيئول و F.O.A.M. في أمستردام و Kaap Helder في دن هيلدر وفي متحف الفن الحديث في آرنهم وفي المعهد الهولندي بباريس وفي صالة Staubgfz في زوريخ وفي أماكن أخرى. ومنذ عام 2004 أسست بالتعاون مع صوفي مورنر مجلة Capricious Magazine وهي تشكل منصة دولية للمصورين الصاعدين. وهي أيضاً عضو في المجموعة السويسرية Desaster التي يتعاون أعضاءها في إصدار النشرات والمعارض والأعمال الموسيقية.
Dancers no.22
Artist: Morten Nilsson
Morten Nilsson is an artist based in Copenhagen. Over the past few years his work has been the subject of numerous exhibitions throughout the world, including gallery shows in London, New York, Washington and Rotterdam as well as Belgium’s Musee de la Photographie de Charleroi and Jacksonville Museum of Modern Art in Florida. In his recent work Dancers: Portraits of Ballroom Dancers he has succeeded in going beyond appearances and has captured the fallible yet touching side of humanity. The pictures become a sort of metaphor of the Western world, of consumerism and appearances, of conformity and private emotions.
مورتن نلسون فنان يقيم في كوبنهاغن، قدم أعماله خلال السنَوات القليلة الماضية في معارض عديدة في كافة أنحاء العالم، من ضمنها عروض في صالات في لندن ونيويورك وواشنطن وروتردام إضافةً إلى متحف التصوير الضوئي في مدينة شارلروا البلجيكية Musee de la Photographie de Charleroi ومتحف الفن الحديث في مدينة جاكسنفيل الأميركية في ولاية فلوريدا Jacksonville Museum Of Modern Art. وآخر مشاريعه Dancers’ Portraits of Ballroom Dancers (لوحات راقصي الصالونات) ينجح في النظر إلى ما وراء الظاهر والتقاط الوجه غير المعصوم عن الخطأ للبشرية والذي يلمس المشاعر مع ذلك. فالصور تصبح نوعاً من الاستعارة التي تعبر عن العالم الغربي عالم الاستهلاك والمظاهر والتقاليد والعواطف الشخصية.
Artist: Morten Nilsson
Morten Nilsson is an artist based in Copenhagen. Over the past few years his work has been the subject of numerous exhibitions throughout the world, including gallery shows in London, New York, Washington and Rotterdam as well as Belgium’s Musee de la Photographie de Charleroi and Jacksonville Museum of Modern Art in Florida. In his recent work Dancers: Portraits of Ballroom Dancers he has succeeded in going beyond appearances and has captured the fallible yet touching side of humanity. The pictures become a sort of metaphor of the Western world, of consumerism and appearances, of conformity and private emotions.
مورتن نلسون فنان يقيم في كوبنهاغن، قدم أعماله خلال السنَوات القليلة الماضية في معارض عديدة في كافة أنحاء العالم، من ضمنها عروض في صالات في لندن ونيويورك وواشنطن وروتردام إضافةً إلى متحف التصوير الضوئي في مدينة شارلروا البلجيكية Musee de la Photographie de Charleroi ومتحف الفن الحديث في مدينة جاكسنفيل الأميركية في ولاية فلوريدا Jacksonville Museum Of Modern Art. وآخر مشاريعه Dancers’ Portraits of Ballroom Dancers (لوحات راقصي الصالونات) ينجح في النظر إلى ما وراء الظاهر والتقاط الوجه غير المعصوم عن الخطأ للبشرية والذي يلمس المشاعر مع ذلك. فالصور تصبح نوعاً من الاستعارة التي تعبر عن العالم الغربي عالم الاستهلاك والمظاهر والتقاليد والعواطف الشخصية.
through the window
Artist: Nadim Bou Habib
Nadim Bou Habib is a photography student at the Holy-Spirit University, Kaslik Lebanon. He has participated in the Deir El Qamar’s “light and architecture” photo exhibition where he won the first prize. Now, he is in the process of accomplishing his diploma project which is a documentary exploring the Hedjaz railways; a century old train track that has connected Istanbul, Damascus and Hedjaz. A part of a dream of his, the journey within the mobile archeological monument is surely to get you inside this adventure-motif dream. The project is one ingredient of a larger scheme through which Nadim is intending to be a future career debut.
نديم بو حبيب طالب التصوير الضوئي في جامعة الروح القدس، الكسليك في لبنان. شارك في معرض التصوير في دير القمر “الضوء والهندسة المعمارية” حيث ربح الجائزة الأولى. والآن هو في صدد إنجاز مشروع التخرج وهو عبارة عن توثيق يستكشف خط سكة حديد الحجاز. وهو سكة قطار قديمة عمرها قرن من الزمن تربط إسطنبول ودمشق والحجاز. وهذه الرحلة جزء من حلمه بالسفر في هذا الصرح الأثري المتنقل والمضمون أن تأخذك أيضاً في هذا الحلم الذي تزينه المغامرة. المشروع هو واحد ضمن مخطط أكبر يسعى من خلاله نديم للظهور لأول مرة في سيرته المهنية.
Artist: Nadim Bou Habib
Nadim Bou Habib is a photography student at the Holy-Spirit University, Kaslik Lebanon. He has participated in the Deir El Qamar’s “light and architecture” photo exhibition where he won the first prize. Now, he is in the process of accomplishing his diploma project which is a documentary exploring the Hedjaz railways; a century old train track that has connected Istanbul, Damascus and Hedjaz. A part of a dream of his, the journey within the mobile archeological monument is surely to get you inside this adventure-motif dream. The project is one ingredient of a larger scheme through which Nadim is intending to be a future career debut.
نديم بو حبيب طالب التصوير الضوئي في جامعة الروح القدس، الكسليك في لبنان. شارك في معرض التصوير في دير القمر “الضوء والهندسة المعمارية” حيث ربح الجائزة الأولى. والآن هو في صدد إنجاز مشروع التخرج وهو عبارة عن توثيق يستكشف خط سكة حديد الحجاز. وهو سكة قطار قديمة عمرها قرن من الزمن تربط إسطنبول ودمشق والحجاز. وهذه الرحلة جزء من حلمه بالسفر في هذا الصرح الأثري المتنقل والمضمون أن تأخذك أيضاً في هذا الحلم الذي تزينه المغامرة. المشروع هو واحد ضمن مخطط أكبر يسعى من خلاله نديم للظهور لأول مرة في سيرته المهنية.
USA, Wenden, Arizona October 2000
Artist: Pedro Linger Gasiglia
Pedro Linger Gasiglia is an Argentine/French photographer, currently based in New York City. Raised in Brazil, Bolivia, Costa Rica and Nicaragua. He was selected as one of Latin America’s Emerging photographers included in, “Open Maps: Latin American Photography 1991-2002” an anthology book published by Lunwerg Editors, Spain. Since arriving in New York, he has been documenting the Latin American immigrant experience in the United States both in the city and the countryside. His work deals with the post-conflict decade in Nicaragua and El Salvador. His first book “Mozote, twenty five-years later” will be published in December 2006. He is a founding member of the documentary collective, group M35.
بدرو لنغر غازليا مصور أرجنتيني فرنسي يقيم حالياً في مدينة نيويورك. وهو ترعرع في البرازيل وبوليفيا وكوستاريكا ونيكاراغوا. وقد اختير ضمن مجموعة من المصورين الصاعدين من أمريكا اللاتينية جمعت أعمالهم في الكتاب “Open Maps: Latin American Photography 1991-2002″، وهو توثيق لنخبة من أعمالهم صدر عن دار النشر الإسبانية “Lunwerg Editors”. ويعمل غازليا منذ أن وصل إلى نيويورك على تسجيل تجارب المهاجرين الأمريكيين اللاتينيين في الولايات المتحدة إن كان في المدينة أو الريف. وتتناول أعماله العقد من السنين الذي تلا النزاع في نيكاراغوا والسلفادور. وسوف يصدر كتابه الأول “Mozote, twenty five years later” في كانون الأول 2006. وهو واحد من أعضاء الرابطة “Group M35” التي أسسها والتي تعنى بالعمل التوثيقي.
Artist: Pedro Linger Gasiglia
Pedro Linger Gasiglia is an Argentine/French photographer, currently based in New York City. Raised in Brazil, Bolivia, Costa Rica and Nicaragua. He was selected as one of Latin America’s Emerging photographers included in, “Open Maps: Latin American Photography 1991-2002” an anthology book published by Lunwerg Editors, Spain. Since arriving in New York, he has been documenting the Latin American immigrant experience in the United States both in the city and the countryside. His work deals with the post-conflict decade in Nicaragua and El Salvador. His first book “Mozote, twenty five-years later” will be published in December 2006. He is a founding member of the documentary collective, group M35.
بدرو لنغر غازليا مصور أرجنتيني فرنسي يقيم حالياً في مدينة نيويورك. وهو ترعرع في البرازيل وبوليفيا وكوستاريكا ونيكاراغوا. وقد اختير ضمن مجموعة من المصورين الصاعدين من أمريكا اللاتينية جمعت أعمالهم في الكتاب “Open Maps: Latin American Photography 1991-2002″، وهو توثيق لنخبة من أعمالهم صدر عن دار النشر الإسبانية “Lunwerg Editors”. ويعمل غازليا منذ أن وصل إلى نيويورك على تسجيل تجارب المهاجرين الأمريكيين اللاتينيين في الولايات المتحدة إن كان في المدينة أو الريف. وتتناول أعماله العقد من السنين الذي تلا النزاع في نيكاراغوا والسلفادور. وسوف يصدر كتابه الأول “Mozote, twenty five years later” في كانون الأول 2006. وهو واحد من أعضاء الرابطة “Group M35” التي أسسها والتي تعنى بالعمل التوثيقي.
Artist: Pedros Temizian
Pedros K.Temizian, Born in 1980 Aleppo, Syria. Studied in local Armenian schools and after high school studied Film Making in the University of Yerevan in Armenia, then transferred to the Lebanese American University and graduated with a BA in TV and Film. Participated in many International photography, Documentary and Film festivals. In 2003 Earned the Special Jury Award with “The Concert”, in Beirut International Documentary Festival. Recently works as an Assistant director/ production assistant in Workshop Productions, Lebanon.
ولد بدروس ك. تميزيان سنة 1980 في مدينة حلب، وتلقى تعليمه المدرسي في معاهدها الأرمنية المحلية ومن بعد الثانوية درس الإخراج السينمائي في جامعة يرفان بأرمينيا، وانتقل إثر ذلك إلى الجامعة اللبنانية الأميركية وتخرج منها ببكالوريوس الفنون في التلفزة والأفلام السينمائية. وقد شارك في العديد من مهرجانات التصوير والأفلام الوثائقية والسينمائية الدولية. وتلقى في 2003 جائزة لجنة التحكيم الخاصة عن عمله « The Concert » )الحفل الموسيقي(، في مهرجان بيروت الدولي للأفلام الوثائقية. وهو يعمل مؤخراً مساعد مخرج ومساعد إنتاج في شركة الإنتاج Workshop Productions في لبنان.
Pedros K.Temizian, Born in 1980 Aleppo, Syria. Studied in local Armenian schools and after high school studied Film Making in the University of Yerevan in Armenia, then transferred to the Lebanese American University and graduated with a BA in TV and Film. Participated in many International photography, Documentary and Film festivals. In 2003 Earned the Special Jury Award with “The Concert”, in Beirut International Documentary Festival. Recently works as an Assistant director/ production assistant in Workshop Productions, Lebanon.
ولد بدروس ك. تميزيان سنة 1980 في مدينة حلب، وتلقى تعليمه المدرسي في معاهدها الأرمنية المحلية ومن بعد الثانوية درس الإخراج السينمائي في جامعة يرفان بأرمينيا، وانتقل إثر ذلك إلى الجامعة اللبنانية الأميركية وتخرج منها ببكالوريوس الفنون في التلفزة والأفلام السينمائية. وقد شارك في العديد من مهرجانات التصوير والأفلام الوثائقية والسينمائية الدولية. وتلقى في 2003 جائزة لجنة التحكيم الخاصة عن عمله « The Concert » )الحفل الموسيقي(، في مهرجان بيروت الدولي للأفلام الوثائقية. وهو يعمل مؤخراً مساعد مخرج ومساعد إنتاج في شركة الإنتاج Workshop Productions في لبنان.
Lamp Mobile
Artist: Peikwen Cheng
Peikwen Cheng is a visual artist and designer whose recent work explores cultures, perspectives, permanence, and the natural. His work has been exhibited in galleries throughout the United States. He was a recipient of a San Francisco Arts Commission grant and a finalist for the prestigious Dorothea Lange – Paul Taylor Prize for his photography, and was awarded a United States patent and Industrial Design Excellence Award for his designs.
Since 2002, he has been a guest lecturer at Stanford University. He currently lives in San Francisco and is moving to Shanghai later this year.
بايكوين شنغ فنان يعمل بالفنون البصرية وبالتصميم الفني، يستكشف عمله الأخير الثقافات والمنظورات والديمومة والطبيعة. عرضت أعماله في عدة صالات فنية في أرجاء الولايات المتحدة. وهو استفاد من منحة لجنة سان فرانسيسكو للفنون “San Francisco Arts Commission” واشترك في الدور النهائي من مسابقة جائزة “Dorothea Lange – Paul Taylor Prize” الذائعة الصيت. ومنح جائزة الامتياز في التصميم من هيئة براءات الاختراع والرسوم والنماذج الصناعية الأميركية “United States Patent and Industrial Design” عن تصاميمه الفنية. ويعمل منذ عام 2002 ضيفاً محاضراً في جامعة ستانفورد، ويقيم حالياً في سان فرانسيسكو وسينتقل للإقامة في شانغهاي لاحقاً هذا العام.
Artist: Peikwen Cheng
Peikwen Cheng is a visual artist and designer whose recent work explores cultures, perspectives, permanence, and the natural. His work has been exhibited in galleries throughout the United States. He was a recipient of a San Francisco Arts Commission grant and a finalist for the prestigious Dorothea Lange – Paul Taylor Prize for his photography, and was awarded a United States patent and Industrial Design Excellence Award for his designs.
Since 2002, he has been a guest lecturer at Stanford University. He currently lives in San Francisco and is moving to Shanghai later this year.
بايكوين شنغ فنان يعمل بالفنون البصرية وبالتصميم الفني، يستكشف عمله الأخير الثقافات والمنظورات والديمومة والطبيعة. عرضت أعماله في عدة صالات فنية في أرجاء الولايات المتحدة. وهو استفاد من منحة لجنة سان فرانسيسكو للفنون “San Francisco Arts Commission” واشترك في الدور النهائي من مسابقة جائزة “Dorothea Lange – Paul Taylor Prize” الذائعة الصيت. ومنح جائزة الامتياز في التصميم من هيئة براءات الاختراع والرسوم والنماذج الصناعية الأميركية “United States Patent and Industrial Design” عن تصاميمه الفنية. ويعمل منذ عام 2002 ضيفاً محاضراً في جامعة ستانفورد، ويقيم حالياً في سان فرانسيسكو وسينتقل للإقامة في شانغهاي لاحقاً هذا العام.
Bag of Fur
Artist: Peter Riesett
Peter Riesett uses photography to explore, understand, and question everyday scenes and personal relationships. He received his B.F.A. in Photography from the Maryland Institute College of Art. He later received his M.F.A. in Photography from Pratt Institute. TESTAMENT is a photographic series that documents the packing up of a life after death. After his grandfather’s passing in 2003, he routinely returned to this space to capture what he could before this dwelling disappeared. Much like an archeological dig, he was able to have wordless conversations with the objects of disuse. Through the wandering process of investigation, compositions were revealed, often transcending into metaphor.
Personality traits become unveiled by what is stockpiled and often cherished. He is intrigued by the collision and sentimental attachments placed on everyday objects. By working with available light and not manipulating the found scene, he strives to engage viewers in a dialogue that is both physical and emotional.
يستعين بيتر ريزيت بالتصوير الضوئي ليستكشف مشاهد الحياة اليومية والعلاقات الشخصية وليفهم كنهها ويستفسر ماهيتها. وهو حاز على إجازة الفنون الجميلة في التصوير الضوئي من معهد ماريلاند للفنون Maryland Institute College of Art وعلى ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي من معهد برات Pratt Institute.
و”TESTAMENT” (وصية) مجموعة تصويرية توثّق توضيب الأغراض بعد الموت. فبعد وفاة جدّه في سنة 2003، أخذ يتردد بانتظام إلى منزله ليلتقط ما يمكنه التقاطه قبل اختفاء هذا المنزل. وكأنه في عملية تنقيب أثري، استطاع أن يتحدث إلى الأشياء التي لم يعد يستخدمها أحد ومن دون أي كلام. فمن خلال المراحل المتتالية في عملية التفتيش، أخذت المركبات تتكشف وتتحوّل تدريجياً إلى صور مجازية.
فملامح الشخصية تسفر عن وجهها بفضل الأشياء التي نكدسها ونعتز بها غالباً. وقد ثار فضول ريزيت لدى رؤيته التعارض والتعلق العاطفي بالأشياء العادية. وهو باستخدامه الضوء المتوافر وعدم تلاعبه بالمشهد المتروك، يسعى إلى إدخال المشاهدين في حوار جسدي وعاطفي.
Artist: Peter Riesett
Peter Riesett uses photography to explore, understand, and question everyday scenes and personal relationships. He received his B.F.A. in Photography from the Maryland Institute College of Art. He later received his M.F.A. in Photography from Pratt Institute. TESTAMENT is a photographic series that documents the packing up of a life after death. After his grandfather’s passing in 2003, he routinely returned to this space to capture what he could before this dwelling disappeared. Much like an archeological dig, he was able to have wordless conversations with the objects of disuse. Through the wandering process of investigation, compositions were revealed, often transcending into metaphor.
Personality traits become unveiled by what is stockpiled and often cherished. He is intrigued by the collision and sentimental attachments placed on everyday objects. By working with available light and not manipulating the found scene, he strives to engage viewers in a dialogue that is both physical and emotional.
يستعين بيتر ريزيت بالتصوير الضوئي ليستكشف مشاهد الحياة اليومية والعلاقات الشخصية وليفهم كنهها ويستفسر ماهيتها. وهو حاز على إجازة الفنون الجميلة في التصوير الضوئي من معهد ماريلاند للفنون Maryland Institute College of Art وعلى ماجستير الفنون الجميلة في التصوير الضوئي من معهد برات Pratt Institute.
و”TESTAMENT” (وصية) مجموعة تصويرية توثّق توضيب الأغراض بعد الموت. فبعد وفاة جدّه في سنة 2003، أخذ يتردد بانتظام إلى منزله ليلتقط ما يمكنه التقاطه قبل اختفاء هذا المنزل. وكأنه في عملية تنقيب أثري، استطاع أن يتحدث إلى الأشياء التي لم يعد يستخدمها أحد ومن دون أي كلام. فمن خلال المراحل المتتالية في عملية التفتيش، أخذت المركبات تتكشف وتتحوّل تدريجياً إلى صور مجازية.
فملامح الشخصية تسفر عن وجهها بفضل الأشياء التي نكدسها ونعتز بها غالباً. وقد ثار فضول ريزيت لدى رؤيته التعارض والتعلق العاطفي بالأشياء العادية. وهو باستخدامه الضوء المتوافر وعدم تلاعبه بالمشهد المتروك، يسعى إلى إدخال المشاهدين في حوار جسدي وعاطفي.
Williamsburg Bridge NY 2003
Artist: Philippe Dollo
Born in Paris in 1965, Philippe Dollo has been working as a freelance photographer since 1990.
In 1997 he moved to New York as correspondent for the French photo agency Opale. His photo journeys and assignments brought him to Europe, America, India and Africa. At the same time, he developed personal projects such as “New York The Fragile City”, “American Weddings” and “Les Dollos de Dini”, family portraits taken in Mali, Africa. His work, widely published and exhibited, is included in the collections of the International Museum of Photography in Rochester, New York, and the Museum of Fine Arts in Houston, Texas.
His first book, a project on Roosevelt Island New York with French author Frédéric-ves Jeannet, was published by Editions Léo Scheer, Paris, in March 2005.
Philippe Dollo currently lives in Brooklyn with his family. He is the founder of the “Brooklyn Transit Photo Festival” planned for October 2007.
ولد فيليب دوللو في باريس سنة 1965 وهو يعمل منذ عام 1990 مصوراً مستقلاً.
وفي عام 1997 انتقل إلى نيويورك مراسلاً لوكالة الصور الفرنسية أوبال. واقتادته رحلاته التصويرية والمهام التي كلف بها إلى أوروبا وأميركا والهند وأفريقيا.
وفي الوقت ذاته عمل فيليب دوللو على تطوير مشاريعه الخاصة مثل ‘’New York The Fragile City” (نيويورك المدينة الهشة) و “American Weddings” (أعراس أميركية) و“Les Dollos de Dini” وهي صور عائلية التقطت في مالي الأفريقية. وأعماله منشورة ومعروضة عالمياً ضمن مجموعات المتحف الدولي للتصوير الضوئي في مدينة روتشستر في ولاية نيويورك ومتحف الفنون الجميلة في مدينة هيوستن من ولاية تكساس.
ويدور كتابه الأول حول جزيرة روزفلت في نيويورك بالتعاون مع الكاتب الفرنسي فريديريك – فيه جانّيه وقد تم نشره لدى دار ليو شير للنشر في باريس في آذار 2005.
ويعيش فيليب دوللو حالياً في بروكلين مع عائلته. وهو يؤسس مهرجان للتصوير في بروكلين “Brooklyn Transit Photo Festival” الذي يعتزم وقوعه في شهر تشرين الأول 2007.
Artist: Philippe Dollo
Born in Paris in 1965, Philippe Dollo has been working as a freelance photographer since 1990.
In 1997 he moved to New York as correspondent for the French photo agency Opale. His photo journeys and assignments brought him to Europe, America, India and Africa. At the same time, he developed personal projects such as “New York The Fragile City”, “American Weddings” and “Les Dollos de Dini”, family portraits taken in Mali, Africa. His work, widely published and exhibited, is included in the collections of the International Museum of Photography in Rochester, New York, and the Museum of Fine Arts in Houston, Texas.
His first book, a project on Roosevelt Island New York with French author Frédéric-ves Jeannet, was published by Editions Léo Scheer, Paris, in March 2005.
Philippe Dollo currently lives in Brooklyn with his family. He is the founder of the “Brooklyn Transit Photo Festival” planned for October 2007.
ولد فيليب دوللو في باريس سنة 1965 وهو يعمل منذ عام 1990 مصوراً مستقلاً.
وفي عام 1997 انتقل إلى نيويورك مراسلاً لوكالة الصور الفرنسية أوبال. واقتادته رحلاته التصويرية والمهام التي كلف بها إلى أوروبا وأميركا والهند وأفريقيا.
وفي الوقت ذاته عمل فيليب دوللو على تطوير مشاريعه الخاصة مثل ‘’New York The Fragile City” (نيويورك المدينة الهشة) و “American Weddings” (أعراس أميركية) و“Les Dollos de Dini” وهي صور عائلية التقطت في مالي الأفريقية. وأعماله منشورة ومعروضة عالمياً ضمن مجموعات المتحف الدولي للتصوير الضوئي في مدينة روتشستر في ولاية نيويورك ومتحف الفنون الجميلة في مدينة هيوستن من ولاية تكساس.
ويدور كتابه الأول حول جزيرة روزفلت في نيويورك بالتعاون مع الكاتب الفرنسي فريديريك – فيه جانّيه وقد تم نشره لدى دار ليو شير للنشر في باريس في آذار 2005.
ويعيش فيليب دوللو حالياً في بروكلين مع عائلته. وهو يؤسس مهرجان للتصوير في بروكلين “Brooklyn Transit Photo Festival” الذي يعتزم وقوعه في شهر تشرين الأول 2007.
Artist: Ploutarcos Haloftis
Ploutarcos Haloftis lives in Athens and works as a travel photographer. He has studied Economics and Photography. His most recent exhibitions were in France and Spain. His work is named PHOTO ALBUM, but he has put it together as if it were a collection of butterflies: every time he finds a new image, he adds it to his collection. This work has started long ago and he hopes it won’t finish, but that it will remain open, waiting for new species to be added. Technically speaking, for these photographs he always uses 35 mm cheap compact cameras. Taking advantage of their non corrected lenses, he makes photographs that are not perfect from a technical point of view, but are more ambient. For the same reason the photos are printed in a very basic model of enlarger.
يقيم بلوتاركوس هالوفتيس في أثينا ويعمل مصوراً للأسفار والرحلات. وهو درس الاقتصاد والتصوير الضوئي. وقد قدم آخر معارضه في فرنسا وإسبانيا. ويحمل العمل الذي يقدمه عنوان “ألبوم الصور”، لكنه جمعه كما لو كان مجموعة من الفراشات، ففي كل مرة يجد صورة جديدة يضيفها الى مجموعته. وقد ابتدأ هذا العمل من زمن بعيد ويتمنى ألا يتوقف بل سيبقى مفتوحاً بانتظار الجديد مما يقع عليه من الصور ليضمها إلى المجموعة. وهو من الناحية التقنية يستعمل دائماً لهذه الصور آلات التصوير بقياس 35 ميليمتر الصغيرة والرخيصة، مستفيداً من عدساتها غير الصحيحة ليلتقط صوراً غير مثالية من الوجهة التقنية لكنها أكثر حرارة وحافلة بالتفاصيل. ولذات السبب أيضاً يطبع صوره بجهاز تحميض وتكبير عادي.
Ploutarcos Haloftis lives in Athens and works as a travel photographer. He has studied Economics and Photography. His most recent exhibitions were in France and Spain. His work is named PHOTO ALBUM, but he has put it together as if it were a collection of butterflies: every time he finds a new image, he adds it to his collection. This work has started long ago and he hopes it won’t finish, but that it will remain open, waiting for new species to be added. Technically speaking, for these photographs he always uses 35 mm cheap compact cameras. Taking advantage of their non corrected lenses, he makes photographs that are not perfect from a technical point of view, but are more ambient. For the same reason the photos are printed in a very basic model of enlarger.
يقيم بلوتاركوس هالوفتيس في أثينا ويعمل مصوراً للأسفار والرحلات. وهو درس الاقتصاد والتصوير الضوئي. وقد قدم آخر معارضه في فرنسا وإسبانيا. ويحمل العمل الذي يقدمه عنوان “ألبوم الصور”، لكنه جمعه كما لو كان مجموعة من الفراشات، ففي كل مرة يجد صورة جديدة يضيفها الى مجموعته. وقد ابتدأ هذا العمل من زمن بعيد ويتمنى ألا يتوقف بل سيبقى مفتوحاً بانتظار الجديد مما يقع عليه من الصور ليضمها إلى المجموعة. وهو من الناحية التقنية يستعمل دائماً لهذه الصور آلات التصوير بقياس 35 ميليمتر الصغيرة والرخيصة، مستفيداً من عدساتها غير الصحيحة ليلتقط صوراً غير مثالية من الوجهة التقنية لكنها أكثر حرارة وحافلة بالتفاصيل. ولذات السبب أيضاً يطبع صوره بجهاز تحميض وتكبير عادي.
The Dead Mother
Artist: Rania Matar
تدربت رانيا مطر في دراستها الأساسية الهندسة المعمارية في جامعة كورنل Cornell University الأميركية، وقد درست التصوير الضوئي في معهد New England School of Photography وفي مدينة واخاكا المكسيكية. وتشتغل حالياً مصورةً مستقلة. وقد نشأت في لبنان في ظل الحرب الأهلية الوحشية وأخذت بعد العيش في الولايات المتحدة لعشرين سنة تصوّر الآثار التي خلفتها الحرب في لبنان وركزت على مخيمات النازحين الفلسطينيين التي تأوي أكثر من 360 ألف نازح والتي نسيها معظم الناس وأهملوها. وقد عملت على تطوير هذا المشروع لمدة السنوات الأربع الماضية. إذ أنها وجدت الإلهام لدى شعب يصارع لكي يحافظ على أصوله وثقافته قيد الحياة، لدى شعب مضياف جداً يدعوها إلى بيوته، لدى أطفال ليس لديهم سوى القليل الذي تقدمه المخيمات لهم ليحققوا أفضل ما عندهم. ووجدت الإلهام أيضاً في قدرة الناس الهائلة على التأقلم ليحفظوا كرامتهم ورجائهم وإنسانيتهم.
Artist: Rania Matar
تدربت رانيا مطر في دراستها الأساسية الهندسة المعمارية في جامعة كورنل Cornell University الأميركية، وقد درست التصوير الضوئي في معهد New England School of Photography وفي مدينة واخاكا المكسيكية. وتشتغل حالياً مصورةً مستقلة. وقد نشأت في لبنان في ظل الحرب الأهلية الوحشية وأخذت بعد العيش في الولايات المتحدة لعشرين سنة تصوّر الآثار التي خلفتها الحرب في لبنان وركزت على مخيمات النازحين الفلسطينيين التي تأوي أكثر من 360 ألف نازح والتي نسيها معظم الناس وأهملوها. وقد عملت على تطوير هذا المشروع لمدة السنوات الأربع الماضية. إذ أنها وجدت الإلهام لدى شعب يصارع لكي يحافظ على أصوله وثقافته قيد الحياة، لدى شعب مضياف جداً يدعوها إلى بيوته، لدى أطفال ليس لديهم سوى القليل الذي تقدمه المخيمات لهم ليحققوا أفضل ما عندهم. ووجدت الإلهام أيضاً في قدرة الناس الهائلة على التأقلم ليحفظوا كرامتهم ورجائهم وإنسانيتهم.
Pieta 2001
Artist: Rini Hurkmans
Rini Hurkmans is a Dutch artist whose work has been widely exhibited in her own country as well as in foreign countries. She has published several books. Her work creates spaces that are intended as sanctuaries for human intuition, memories, fantasies, desires and feelings of wonder. Places where the opposition between the internal and external world has been bridged. The “unspeakable”, that which is not spoken of, which is unmentionable – emptiness and absence are aspects of it – acquires a form which functions on an emotional as well as on a spiritual level.
In the work the conceptual aspects are central, symbolized in various ways. Over time the visual means have become more direct and color has taken a prominent place. Her project “Pietà” is an ongoing series of self portraits. The first one dates from 1993. Every two years a new work is added.
ريني هركمانس فنانة هولندية عرضت أعمالها بانتشار واسع في بلدها وفي البلدان الأجنبية. ولها عدة كتب منشورة. يخلق عملها مساحات معدة لتكون ملاجئ للحدس الإنساني، وللذكريات، والخيالات، والرغبات ومشاعر العجب. أماكن يلغى فيها التعارض بين العالمين الداخلي والخارجي.
ويكتسي لديها العصي على الذكر (The Unspeakable) الذي لا يتكلم عنه أحد، والذي هو ممنوع ذكره – وما الفراغ والغياب سوى بعض من سماته – يكتسب شكلاً يتجلى على المستوى العاطفي إضافة إلى المستوى الروحاني. وفي عملها تتمركز السمات التصويرية التي تحمل مفهوماً وتتمثل بحالات عدة. وبمرور الوقت تصبح الوسائل البصرية أكثر مباشرة ويأخذ اللون مكاناً بارزاً. ومشروعها Pietà (الرحمة) هو سلسلة مستمرة من الصور الذاتية. وقد التقطت الصورة الأولى منها في سنة 1993 وتضيف كل سنتين صورة جديدة الى السلسلة.
Artist: Rini Hurkmans
Rini Hurkmans is a Dutch artist whose work has been widely exhibited in her own country as well as in foreign countries. She has published several books. Her work creates spaces that are intended as sanctuaries for human intuition, memories, fantasies, desires and feelings of wonder. Places where the opposition between the internal and external world has been bridged. The “unspeakable”, that which is not spoken of, which is unmentionable – emptiness and absence are aspects of it – acquires a form which functions on an emotional as well as on a spiritual level.
In the work the conceptual aspects are central, symbolized in various ways. Over time the visual means have become more direct and color has taken a prominent place. Her project “Pietà” is an ongoing series of self portraits. The first one dates from 1993. Every two years a new work is added.
ريني هركمانس فنانة هولندية عرضت أعمالها بانتشار واسع في بلدها وفي البلدان الأجنبية. ولها عدة كتب منشورة. يخلق عملها مساحات معدة لتكون ملاجئ للحدس الإنساني، وللذكريات، والخيالات، والرغبات ومشاعر العجب. أماكن يلغى فيها التعارض بين العالمين الداخلي والخارجي.
ويكتسي لديها العصي على الذكر (The Unspeakable) الذي لا يتكلم عنه أحد، والذي هو ممنوع ذكره – وما الفراغ والغياب سوى بعض من سماته – يكتسب شكلاً يتجلى على المستوى العاطفي إضافة إلى المستوى الروحاني. وفي عملها تتمركز السمات التصويرية التي تحمل مفهوماً وتتمثل بحالات عدة. وبمرور الوقت تصبح الوسائل البصرية أكثر مباشرة ويأخذ اللون مكاناً بارزاً. ومشروعها Pietà (الرحمة) هو سلسلة مستمرة من الصور الذاتية. وقد التقطت الصورة الأولى منها في سنة 1993 وتضيف كل سنتين صورة جديدة الى السلسلة.
Antonia, Santo Tome
Artist: Roberto Guidotti
Roberto Guidotti is an Argentina-based photographer. He is mainly engaged in nude photography. The characters in his pictures are pieces of an intricate jigsaw puzzle with which he tries to reconstruct his identity. In them he traces experiences that probably never existed. Stories deeply rooted in his mind that need physical protagonists in order to become true.
He plays with his camera the fantasy of being able to break the crust of appearance to penetrate, for a fraction of a second, the labyrinths of a biography that no one will ever write. Because only when we exist to somebody, we are somebody.
He thinks that taking photographs is the best he can do and give, the only way for his anger, his compassion, his impotence, and mostly his love to show and remain. Taking photographs is his way of life.
روبرتو غويدوتي مصور ضوئي يقيم في الأرجنتين. وهو يتخصص إجمالاً بتصوير الجسد العاري. والشخصيات في صوره قطع من لعبة تركيب الصور يُحاول بها إعادة تركيب هويتِه، ويتتبع بواسطتهم تجارب قد لم توجد حتى في يوم من الأيام. ويبحث عن قصص متجذرة بعمق في عقله هي بحاجة لأبطال من لحم ودم لكي تصبح حقيقية. وهو يتلاعب بآلة التصوير مع الفكرة الخيالية بأن يصبح قادرا على كسر قشور ما هو ظاهر ليخترق، ولو لجزء من الثانية، متاهة سيرةٍ ذاتية لن يكتب عنها أي أحد أبداً. لأننا لا نكون إلاّ حينما نكون أحداً ما بالنسبة لشخصٍ ما.
ويعتقد غويدوتي أن التقاط الصور الضوئية هو أفضل ما يستطيع عمله ومنحه، هو الطريق الوحيد للتعبير عن غضبه، وحنوّه، وعجزه، وخاصةً حبه لتظهر هذه الأمور للعيان وتبقى. فما التقاط الصور سوى طريقته في الحياة.
Artist: Roberto Guidotti
Roberto Guidotti is an Argentina-based photographer. He is mainly engaged in nude photography. The characters in his pictures are pieces of an intricate jigsaw puzzle with which he tries to reconstruct his identity. In them he traces experiences that probably never existed. Stories deeply rooted in his mind that need physical protagonists in order to become true.
He plays with his camera the fantasy of being able to break the crust of appearance to penetrate, for a fraction of a second, the labyrinths of a biography that no one will ever write. Because only when we exist to somebody, we are somebody.
He thinks that taking photographs is the best he can do and give, the only way for his anger, his compassion, his impotence, and mostly his love to show and remain. Taking photographs is his way of life.
روبرتو غويدوتي مصور ضوئي يقيم في الأرجنتين. وهو يتخصص إجمالاً بتصوير الجسد العاري. والشخصيات في صوره قطع من لعبة تركيب الصور يُحاول بها إعادة تركيب هويتِه، ويتتبع بواسطتهم تجارب قد لم توجد حتى في يوم من الأيام. ويبحث عن قصص متجذرة بعمق في عقله هي بحاجة لأبطال من لحم ودم لكي تصبح حقيقية. وهو يتلاعب بآلة التصوير مع الفكرة الخيالية بأن يصبح قادرا على كسر قشور ما هو ظاهر ليخترق، ولو لجزء من الثانية، متاهة سيرةٍ ذاتية لن يكتب عنها أي أحد أبداً. لأننا لا نكون إلاّ حينما نكون أحداً ما بالنسبة لشخصٍ ما.
ويعتقد غويدوتي أن التقاط الصور الضوئية هو أفضل ما يستطيع عمله ومنحه، هو الطريق الوحيد للتعبير عن غضبه، وحنوّه، وعجزه، وخاصةً حبه لتظهر هذه الأمور للعيان وتبقى. فما التقاط الصور سوى طريقته في الحياة.
Republican Book
Artist: Ronnie Close
http://www.ronnieclose.com
Ronnie Close is an Irish photographic-based visual artist whose work has been exhibited widely most recently as part of the Photo London International Photography Fair. He is also a PhD researcher with the Centre For Photographic Research at the University of Wales, Newport, UK. His current project is a series of interdisciplinary works that use photography and video to explore the construction of identity through martyrdom and explores the relationship between Ireland and Iranian forms. The work is about absence and trace of these experiences that have been recorded on audio and transferred into video-based works.
He has exhibited both in Ireland; at the Gallery of Photography and internationally receiving awards and residencies in USA, Russia and Germany.
يعمل الفنان روني كلوز الأيرلندي بالفنون البصرية وبالتصوير الضوئي بشكل أساسي وقد عرضت أعماله مؤخرا بانتشار واسع ومؤخراً قدمت كجزء من معرض Photo London International Photography Fair، ويعمل أيضاً على تحضير شهادة الدكتوراه لدى مركز أبحاث التصوير الضوئي في جامعة ويلز في مدينة نيوبورت البريطانية.
ومشروعه الحالي هو سلسلة أعمال متعددة الفنون تستخدم الصور الفوتوغرافية والفيديو لاستكشاف تشكل الهوية من خلال الاستشهاد واكتشاف العلاقة بين أيرلندا والأشكال الإيرانية.
ويدور عمله حول الغياب وأثر هذه التجارب التي سجلت سمعيا و حولت إلى أعمال أساسها الفيديو.
وقد عرض العملين في أيرلندا في صالة The Gallery Of Photography وحاز على جوائز عالمية ومنحات زيارة في أميركا وروسيا وألمانيا.
Artist: Ronnie Close
http://www.ronnieclose.com
Ronnie Close is an Irish photographic-based visual artist whose work has been exhibited widely most recently as part of the Photo London International Photography Fair. He is also a PhD researcher with the Centre For Photographic Research at the University of Wales, Newport, UK. His current project is a series of interdisciplinary works that use photography and video to explore the construction of identity through martyrdom and explores the relationship between Ireland and Iranian forms. The work is about absence and trace of these experiences that have been recorded on audio and transferred into video-based works.
He has exhibited both in Ireland; at the Gallery of Photography and internationally receiving awards and residencies in USA, Russia and Germany.
يعمل الفنان روني كلوز الأيرلندي بالفنون البصرية وبالتصوير الضوئي بشكل أساسي وقد عرضت أعماله مؤخرا بانتشار واسع ومؤخراً قدمت كجزء من معرض Photo London International Photography Fair، ويعمل أيضاً على تحضير شهادة الدكتوراه لدى مركز أبحاث التصوير الضوئي في جامعة ويلز في مدينة نيوبورت البريطانية.
ومشروعه الحالي هو سلسلة أعمال متعددة الفنون تستخدم الصور الفوتوغرافية والفيديو لاستكشاف تشكل الهوية من خلال الاستشهاد واكتشاف العلاقة بين أيرلندا والأشكال الإيرانية.
ويدور عمله حول الغياب وأثر هذه التجارب التي سجلت سمعيا و حولت إلى أعمال أساسها الفيديو.
وقد عرض العملين في أيرلندا في صالة The Gallery Of Photography وحاز على جوائز عالمية ومنحات زيارة في أميركا وروسيا وألمانيا.
Artist: Ruchama Noorda
روخاما نوردا فنانة هولندية تشتغل في وسائل فنية متنوعة. وتؤمن بالتقاليد والطقوس وترك الآثار المليئة معنًى. وتكتسي مواد معينة لديها وصلاتها النفسية أهمية خاصة في ممارستها الفنية. وفي هولندا عرضت أعمالها في متاحف مثل GeM museum of contemporary art في لاهاي وقدمت أعمالها في مجموعات مثل Museum Het Domein في سيتارد. وفي هذه السلسلة من الصور تصف محيطاتها عن طريق الإشارة إلى عالمٍ من الشركات والتجارة والهجرة والفولكلور.
روخاما نوردا فنانة هولندية تشتغل في وسائل فنية متنوعة. وتؤمن بالتقاليد والطقوس وترك الآثار المليئة معنًى. وتكتسي مواد معينة لديها وصلاتها النفسية أهمية خاصة في ممارستها الفنية. وفي هولندا عرضت أعمالها في متاحف مثل GeM museum of contemporary art في لاهاي وقدمت أعمالها في مجموعات مثل Museum Het Domein في سيتارد. وفي هذه السلسلة من الصور تصف محيطاتها عن طريق الإشارة إلى عالمٍ من الشركات والتجارة والهجرة والفولكلور.
Sandstorm: Title: Where Rivers Meet
Artist: Shahidul Alam
البراهمابوترا هو نهر يحمل أبعاداً أسطورية وسرمدية. إنه رحلة عبر الزمن نفسه، رحلة تستكشف نواميس الحياة والحركة لدى نهر هو بحد ذاته أسطورة حية، والناس الذين يسكنون على ضفافه المتنوعة. فهذه الرحلة في الوقت ذاته جغرافية وروحية – من مصبه في خليج البنغال إلى منابعه، ومن الإسلام عبر الهندوسية والأرواحية وصولاً إلى البوذية. وهي أيضاً رحلة عبر متاهة من الثقافات التي تنتشر بمعزل عن الممارسات الدينية والثقافية السائدة في جنوب آسيا. إنها حكاية شعوب نهر وثقافاته وتقاليده أقدم من جبال الهيمالايا بل أقدم من الزمن نفسه.
رأس شهيدول علم مسابقة World Press Photo وهو عضو المجلس الإستشاري في جمعيةNational Geographic Society ومؤسسة Eugene Smith Foundation وهو زميل شرف في جمعيةRoyal Photographic Society. وهو أيضاً مؤسس وكالة Drik Picture Library ومديرها وهي الوكالة الحائزة على أرفع الجوائز.
Artist: Shahidul Alam
البراهمابوترا هو نهر يحمل أبعاداً أسطورية وسرمدية. إنه رحلة عبر الزمن نفسه، رحلة تستكشف نواميس الحياة والحركة لدى نهر هو بحد ذاته أسطورة حية، والناس الذين يسكنون على ضفافه المتنوعة. فهذه الرحلة في الوقت ذاته جغرافية وروحية – من مصبه في خليج البنغال إلى منابعه، ومن الإسلام عبر الهندوسية والأرواحية وصولاً إلى البوذية. وهي أيضاً رحلة عبر متاهة من الثقافات التي تنتشر بمعزل عن الممارسات الدينية والثقافية السائدة في جنوب آسيا. إنها حكاية شعوب نهر وثقافاته وتقاليده أقدم من جبال الهيمالايا بل أقدم من الزمن نفسه.
رأس شهيدول علم مسابقة World Press Photo وهو عضو المجلس الإستشاري في جمعيةNational Geographic Society ومؤسسة Eugene Smith Foundation وهو زميل شرف في جمعيةRoyal Photographic Society. وهو أيضاً مؤسس وكالة Drik Picture Library ومديرها وهي الوكالة الحائزة على أرفع الجوائز.
black veil
Artist: Simon Denison
http://www.simondenison.com
Simon Denison (born 1964) is a British photographic artist and teacher. He is the author of two books, The Human Landscape (2002) and Quarry Land (2005), and a short video work, Temporal/Intemporal (2004). His work has addressed such issues as human interaction with the natural landscape, permanence/impermanence and the fleeting nature of human experience. His current work, Veil, points to the subjectivity and uncertainty of our perception of truth by the deliberate concealment of half the picture area behind a black veil. Viewers are thus forced to rely on conjecture and faith in their interpretation of the truth of what is ‘really there’. Simon Denison teaches History & Theory of Photography at the University of Central England in Birmingham, UK.
ولد سيمون دنيسون عام 1964 وهو فنان تصويري بريطاني وأستاذ جامعي. وقد ألف كتابين:The Human Landscape (2002) (المشهد الطبيعي البشري) و Quarry Land (2005) (أرض المقلع)، وأنتج عمل فيديو قصير Temporal/Intemporal (2004) (زماني/لازماني). ويتناول عمله قضايا مثل التفاعل الإنساني مع المشهد الطبيعي والديمومة والفناء والطبيعة العابرة للتجربة الإنسانية. ويشير عمله الحالي Veil (حجاب) إلى النظرة الذاتية وحيرة فهمنا للحقيقة بالإخفاء المتعمد لنصف مساحة الصورة وراء حجاب أسود. وبهذا يجبر المشاهدين للاعتماد على التخمين والإيمان في تفسيرهم حقيقة ما الذي “يقبع هناك حقاً”. وسيمون دنيسون يدرّس مادة التاريخ و نظرية التصوير الضوئي في جامعة وسط إنكلترا University of Central England في مدينة برمنغهام البريطانية.
Artist: Simon Denison
http://www.simondenison.com
Simon Denison (born 1964) is a British photographic artist and teacher. He is the author of two books, The Human Landscape (2002) and Quarry Land (2005), and a short video work, Temporal/Intemporal (2004). His work has addressed such issues as human interaction with the natural landscape, permanence/impermanence and the fleeting nature of human experience. His current work, Veil, points to the subjectivity and uncertainty of our perception of truth by the deliberate concealment of half the picture area behind a black veil. Viewers are thus forced to rely on conjecture and faith in their interpretation of the truth of what is ‘really there’. Simon Denison teaches History & Theory of Photography at the University of Central England in Birmingham, UK.
ولد سيمون دنيسون عام 1964 وهو فنان تصويري بريطاني وأستاذ جامعي. وقد ألف كتابين:The Human Landscape (2002) (المشهد الطبيعي البشري) و Quarry Land (2005) (أرض المقلع)، وأنتج عمل فيديو قصير Temporal/Intemporal (2004) (زماني/لازماني). ويتناول عمله قضايا مثل التفاعل الإنساني مع المشهد الطبيعي والديمومة والفناء والطبيعة العابرة للتجربة الإنسانية. ويشير عمله الحالي Veil (حجاب) إلى النظرة الذاتية وحيرة فهمنا للحقيقة بالإخفاء المتعمد لنصف مساحة الصورة وراء حجاب أسود. وبهذا يجبر المشاهدين للاعتماد على التخمين والإيمان في تفسيرهم حقيقة ما الذي “يقبع هناك حقاً”. وسيمون دنيسون يدرّس مادة التاريخ و نظرية التصوير الضوئي في جامعة وسط إنكلترا University of Central England في مدينة برمنغهام البريطانية.
Street – Aleppo
Artist: Sophie Hjerl
تستخدم صوفي هييرل (مولودة في سنة 1971) وسائل مختلفة كثيرة في أعمالها، ومن بينها الفيديو والتصوير الضوئي والموسيقى. وهي نظمت منذ شهر آب لغاية تشرين الأول في هذه السنة المعرض “Images of Syria” في كوبنهاغن في الدانمرك، مع مالينه هارتمان وفيبا بريدال. وشارك في هذه المعرض عدد من الفنانين السوريين ومنهم عيسى توما ونوح حمامي وغيرهما. وقد اشتركت أيضاً في اللقاء الدولي السادس لفنانات من العالم في حلب في سنة 2004. وكانت أثناء رحلتها في سوريا قد أخذت لقطات سريعة بكاميرا للاستعمال مرة واحدة. وفي هذا المهرجان تعرض صورتين لم تفقه لمعناهما شيئاً للوهلة الأولى.
Artist: Sophie Hjerl
تستخدم صوفي هييرل (مولودة في سنة 1971) وسائل مختلفة كثيرة في أعمالها، ومن بينها الفيديو والتصوير الضوئي والموسيقى. وهي نظمت منذ شهر آب لغاية تشرين الأول في هذه السنة المعرض “Images of Syria” في كوبنهاغن في الدانمرك، مع مالينه هارتمان وفيبا بريدال. وشارك في هذه المعرض عدد من الفنانين السوريين ومنهم عيسى توما ونوح حمامي وغيرهما. وقد اشتركت أيضاً في اللقاء الدولي السادس لفنانات من العالم في حلب في سنة 2004. وكانت أثناء رحلتها في سوريا قد أخذت لقطات سريعة بكاميرا للاستعمال مرة واحدة. وفي هذا المهرجان تعرض صورتين لم تفقه لمعناهما شيئاً للوهلة الأولى.
Madonna and Prisoner
Artist: Steven Benson
Steven Benson received his Masters Degree in photography from Cranbrook Academy of Art. He is the recipient of three Creative Artist Grants from the Michigan Council for the Arts and a NEA/ArtsMidwest Fellowship for his distinctive socio-political photography. His photographs are represented in numerous permanent collections including the Detroit Institute of Arts, Museum of Fine Art-Houston, Bibliotheque Nationale (France) and Centre Georges Pompidou. His photo essay on the Three Gorges Dam was a featured exhibition at the Fotofest Biennial in Houston (2004) and the Daegu Photobienniale, South Korea (2006). This work is the subject of his book, “The Cost of Power in China”, with essays by A.D. Coleman and Dai Qing. Benson’s current work, “RED, WHITE and BLUE in Black and White”, was a featured exhibition at the “First Argentinean Biennial of Documentary Photography” (2004), the “4th International Festival of Photography” in Lodz, Poland and the “7th Internationale Fototage Biennial in Mannheim, Germany (2005).
حصل ستيفن بنسون على ماجستير في التصوير الضوئي من أكاديمية كرانبروك للفنونCranbrook Academy of Art وعلى ثلاثة جوائز للفنان المبدع من مجلس ميشيغان للفنون وعلى الزمالة في جمعية NEA/Arts Midwest Fellowship لتصويره السياسي الاجتماعي الممتاز. وقد أدخلت صوره في العديد من المجموعات الدائمة ومن بينها معهد دترويت للفنون Detroit Institute of Artsومتحف الفنون الجميلة بهيوستن Museum of Fine Art-Houston والمكتبة الوطنية Bibliotheque Nationale في فرنسا ومركز جورج بومبيدو Centre Georges Pompidou. وكان بحثه التصويري عن سد المضائق الثلاثة العملاق في الصين شكل عرضاً بارزاً في مهرجان التصوير Fotofest Biennial في هيوستن سنة 2004 وفي مهرجان Daegu Photobienniale في كوريا الجنوبية سنة 2002. وهذا العمل هو موضوع كتابه The Cost of Power in China (كلفة الطاقة في الصين) مع مقالات بقلم أ.د. كولمان وداي قنغ. وقد شارك بآخر مشاريعه RED, WHITE and BLUE in Black and White (ألوان العلم الأميركي بالأبيض والأسود) في مهرجان First Argentinean Biennial of Documentary Photography في الأرجنتين عام 2004 ومهرجان التصوير الضوئي الرابع في لودز ببولندا، ومهرجان7th Internationale Fototage Biennial في مانهايم بألمانيا عام 2005.
Artist: Steven Benson
Steven Benson received his Masters Degree in photography from Cranbrook Academy of Art. He is the recipient of three Creative Artist Grants from the Michigan Council for the Arts and a NEA/ArtsMidwest Fellowship for his distinctive socio-political photography. His photographs are represented in numerous permanent collections including the Detroit Institute of Arts, Museum of Fine Art-Houston, Bibliotheque Nationale (France) and Centre Georges Pompidou. His photo essay on the Three Gorges Dam was a featured exhibition at the Fotofest Biennial in Houston (2004) and the Daegu Photobienniale, South Korea (2006). This work is the subject of his book, “The Cost of Power in China”, with essays by A.D. Coleman and Dai Qing. Benson’s current work, “RED, WHITE and BLUE in Black and White”, was a featured exhibition at the “First Argentinean Biennial of Documentary Photography” (2004), the “4th International Festival of Photography” in Lodz, Poland and the “7th Internationale Fototage Biennial in Mannheim, Germany (2005).
حصل ستيفن بنسون على ماجستير في التصوير الضوئي من أكاديمية كرانبروك للفنونCranbrook Academy of Art وعلى ثلاثة جوائز للفنان المبدع من مجلس ميشيغان للفنون وعلى الزمالة في جمعية NEA/Arts Midwest Fellowship لتصويره السياسي الاجتماعي الممتاز. وقد أدخلت صوره في العديد من المجموعات الدائمة ومن بينها معهد دترويت للفنون Detroit Institute of Artsومتحف الفنون الجميلة بهيوستن Museum of Fine Art-Houston والمكتبة الوطنية Bibliotheque Nationale في فرنسا ومركز جورج بومبيدو Centre Georges Pompidou. وكان بحثه التصويري عن سد المضائق الثلاثة العملاق في الصين شكل عرضاً بارزاً في مهرجان التصوير Fotofest Biennial في هيوستن سنة 2004 وفي مهرجان Daegu Photobienniale في كوريا الجنوبية سنة 2002. وهذا العمل هو موضوع كتابه The Cost of Power in China (كلفة الطاقة في الصين) مع مقالات بقلم أ.د. كولمان وداي قنغ. وقد شارك بآخر مشاريعه RED, WHITE and BLUE in Black and White (ألوان العلم الأميركي بالأبيض والأسود) في مهرجان First Argentinean Biennial of Documentary Photography في الأرجنتين عام 2004 ومهرجان التصوير الضوئي الرابع في لودز ببولندا، ومهرجان7th Internationale Fototage Biennial في مانهايم بألمانيا عام 2005.
Actors stand at attention
Artist: Tanya Habjouqa
ولدت تانيا حبجوقة في الأردن وأمضت السنوات الخمس السابقة من حياتها مصورةً توثيقية غجرية تعمل في مناطق النزاع ومن بينها العراق ودارفور ولبنان، وتعير الصوت لأفكار ثقافات فرعية في الشرق الأوسط لا تعرفها الناس جيداً بالضرورة. وقد نشرت أعمالها في صحفٍ مثل Washington Post و The Boston Globe و The Globe and Mail. وحصلت حبجوقة على جوائز للعمل الإنساني (Global Health Action 2006 و Interaction 2006) عن تسجيلها للأزمة في دارفور بالتعاون مع International Medical Corps. ويستكشف مشروعها Walk like an Egyptian (امش كالمصري) الحياة الحالية في القاهرة، المدينة التي تعتاش من أمجاد الماضي، والطبقات المتعددة إلى ما لا نهاية لما هو سياحي مقابل ما هو حقيقي في خضم المسرحية الإنسانية الحقيقية التي تتجلى أحداثها شيئاً فشيء وكأنها نيويوركاً ما على ضفاف النيل. إنه يبحث في اللحظات الهادئة في المدينة ما بين الحركة الهائلة التي لا تنتهي لسكانها الستة عشر مليون مصري يضاف إليها 10 مليون سائح وروح الفكاهة التي تغمر الكل.
Artist: Tanya Habjouqa
ولدت تانيا حبجوقة في الأردن وأمضت السنوات الخمس السابقة من حياتها مصورةً توثيقية غجرية تعمل في مناطق النزاع ومن بينها العراق ودارفور ولبنان، وتعير الصوت لأفكار ثقافات فرعية في الشرق الأوسط لا تعرفها الناس جيداً بالضرورة. وقد نشرت أعمالها في صحفٍ مثل Washington Post و The Boston Globe و The Globe and Mail. وحصلت حبجوقة على جوائز للعمل الإنساني (Global Health Action 2006 و Interaction 2006) عن تسجيلها للأزمة في دارفور بالتعاون مع International Medical Corps. ويستكشف مشروعها Walk like an Egyptian (امش كالمصري) الحياة الحالية في القاهرة، المدينة التي تعتاش من أمجاد الماضي، والطبقات المتعددة إلى ما لا نهاية لما هو سياحي مقابل ما هو حقيقي في خضم المسرحية الإنسانية الحقيقية التي تتجلى أحداثها شيئاً فشيء وكأنها نيويوركاً ما على ضفاف النيل. إنه يبحث في اللحظات الهادئة في المدينة ما بين الحركة الهائلة التي لا تنتهي لسكانها الستة عشر مليون مصري يضاف إليها 10 مليون سائح وروح الفكاهة التي تغمر الكل.
Washington, Capitol
Artist: Thomas Kellner
Thomas Kellner is working as a visual artist since 1997, living in Siegen, Germany. In 1996 he finished his studies in art and sociology, politics and economy to become a teacher at the University of Siegen, Germany.
Right from the beginning of his studies his basic interests were experimental and conceptual photography. The main interests ever were in finding strong visual language combined with layers of contents.
Often, when people see his images published, they imagine them as giant enlargements. But of course they’re not, they are contact prints, and the size is only a question of how much film he uses. He arrives at the defined size through his process. The bigger the image gets (that is, the more film he uses), the more the building itself disappears; the more you begin to see the picture itself rather than an image of something.
يعمل توماس كلنر بالفنون المرئية منذ العام 1997، ويقيم في مدينة سييغن الألمانية. وفي عام 1996 أنهى دراسته بالفن وعلم الاجتماع والسياسة والاقتصاد ليصبح أستاذاً في جامعة سييغن في ألمانيا.
ومنذ بداية دراساته شغل التصوير التجريبي الذي يدور حول مفهوم معين جلّ اهتمامه. وكانت أهم انشغال لديه أساساً ينصب على إيجاد لغة بصريّة قويّة متّحدة بطبقات المضمون.
وغالباً ما يرى الناس لوحاته منشورة ويَتخيّلونَها أعمالاً مضخمة عملاقة. ولكنها بالطبع ليست كذلك، بل هي عبارة عن نسخ متصلة ببعضها بعضاً، وما الحجم سوى مجرد عدد الأفلام الذي يستخدمه. وهو يدرك الحجم المراد من خلال عملية تجميعها إلى بعضها. وكلما كبرت الصورة (أي أنه كلما استخدم أفلاماً أكثر)، ازداد اختفاء البناء نفسه، وزادت رؤيتك للصورة نفسها كصورة بحد ذاتها وليس كصورة لشيء ما.
Artist: Thomas Kellner
Thomas Kellner is working as a visual artist since 1997, living in Siegen, Germany. In 1996 he finished his studies in art and sociology, politics and economy to become a teacher at the University of Siegen, Germany.
Right from the beginning of his studies his basic interests were experimental and conceptual photography. The main interests ever were in finding strong visual language combined with layers of contents.
Often, when people see his images published, they imagine them as giant enlargements. But of course they’re not, they are contact prints, and the size is only a question of how much film he uses. He arrives at the defined size through his process. The bigger the image gets (that is, the more film he uses), the more the building itself disappears; the more you begin to see the picture itself rather than an image of something.
يعمل توماس كلنر بالفنون المرئية منذ العام 1997، ويقيم في مدينة سييغن الألمانية. وفي عام 1996 أنهى دراسته بالفن وعلم الاجتماع والسياسة والاقتصاد ليصبح أستاذاً في جامعة سييغن في ألمانيا.
ومنذ بداية دراساته شغل التصوير التجريبي الذي يدور حول مفهوم معين جلّ اهتمامه. وكانت أهم انشغال لديه أساساً ينصب على إيجاد لغة بصريّة قويّة متّحدة بطبقات المضمون.
وغالباً ما يرى الناس لوحاته منشورة ويَتخيّلونَها أعمالاً مضخمة عملاقة. ولكنها بالطبع ليست كذلك، بل هي عبارة عن نسخ متصلة ببعضها بعضاً، وما الحجم سوى مجرد عدد الأفلام الذي يستخدمه. وهو يدرك الحجم المراد من خلال عملية تجميعها إلى بعضها. وكلما كبرت الصورة (أي أنه كلما استخدم أفلاماً أكثر)، ازداد اختفاء البناء نفسه، وزادت رؤيتك للصورة نفسها كصورة بحد ذاتها وليس كصورة لشيء ما.
Amsterdam_NL_02
Artist: Tina Sejbjerg
Tina Sejbjerg’s project “Groepsbeelden” (Group Pictures) starts with the following observation: By joining together in front of a camera the participants, both in front and behind the camera, become aware of each other within the act of forming the group and making the image. A certain cooperation is necessary to assure that each participant gets a position on the photograph. It can be an intense ‘in the moment’ experience. The act of photographing becomes a tool to create a connection between a group of people and the photograph a way to show this connection. Sejbjerg works in various locations and her work has been shown in more traditional exhibition spaces and on temporary locations as for example an Internet café.
بدأ مشروع تينا سيَبيَرخ “Groepsbeelden” (الصور الجماعية) بالملاحظة التالية: حين يجتمع المشاركون في الصورة أمام آلة التصوير يحسّون جميعاً إن كانوا أمامها أو ورائها ببعضهم البعض في عملية تكوين المجموعة والتقاط الصورة. وتتجلى أهمية التعاون فيما بينهم ليحظى كل منهم بموقع في الصورة. ويمكن لهذه التجربة أن تكون عيشاً مكثفاً “في اللحظة الراهنة”. ويصبح عمل التصوير وسيلة لخلق علاقة بين مجموعة من الناس وتصبح الصورة طريقة لإظهار هذه العلاقة. تشتغل سيبيرخ في أماكن مختلفة وقد عرضت أعمالها في أماكن عرض تقليدية وفي أماكن مؤقتة كمقهًى للإنترنت على سبيل المثال.
Artist: Tina Sejbjerg
Tina Sejbjerg’s project “Groepsbeelden” (Group Pictures) starts with the following observation: By joining together in front of a camera the participants, both in front and behind the camera, become aware of each other within the act of forming the group and making the image. A certain cooperation is necessary to assure that each participant gets a position on the photograph. It can be an intense ‘in the moment’ experience. The act of photographing becomes a tool to create a connection between a group of people and the photograph a way to show this connection. Sejbjerg works in various locations and her work has been shown in more traditional exhibition spaces and on temporary locations as for example an Internet café.
بدأ مشروع تينا سيَبيَرخ “Groepsbeelden” (الصور الجماعية) بالملاحظة التالية: حين يجتمع المشاركون في الصورة أمام آلة التصوير يحسّون جميعاً إن كانوا أمامها أو ورائها ببعضهم البعض في عملية تكوين المجموعة والتقاط الصورة. وتتجلى أهمية التعاون فيما بينهم ليحظى كل منهم بموقع في الصورة. ويمكن لهذه التجربة أن تكون عيشاً مكثفاً “في اللحظة الراهنة”. ويصبح عمل التصوير وسيلة لخلق علاقة بين مجموعة من الناس وتصبح الصورة طريقة لإظهار هذه العلاقة. تشتغل سيبيرخ في أماكن مختلفة وقد عرضت أعمالها في أماكن عرض تقليدية وفي أماكن مؤقتة كمقهًى للإنترنت على سبيل المثال.
Old Times, New Times / Kabul, Afghanistan
Artist: Tony O’Brien
Photographer Tony O’Brien was born in New York City. He began his career as a photojournalist in 1973 in the State of New Mexico, and now teaches documentary photography at the College of Santa Fe. His work has appeared in numerous national and international publications.
Tony has photographed the lives of drug addicts and prostitutes in Washington D.C. and New York, and documented the struggle of Afghan rebels fighting the Soviet occupation. His projects have also taken him to Tibet photographing a British expedition climbing Mt. Everest, and more recently to Central America. In 1990 he spent six months in the Middle East covering the Persian Gulf War for Life Magazine. He recently completed two year-long projects: documenting the life of a small Benedictine community, “Christ in the Desert,” in New Mexico, and documenting the making of the Passion Play 2000 of Oberammergau, Germany.
ولد المصور طوني اوبريان في مدينة نيويورك، وبدأ حياته العملية سنة 1973 مصوراً صحفياً في ولاية نيو مكسيكو، وهو يدرّس حالياً مادة التصوير التوثيقي في معهد سانتا فيه. وقد نشرت أعماله في مطبوعات وطنية ودولية عديدة. وقد عمل طوني على تصوير حياة مدمني المخدرات والغانيات في واشنطن ونيويورك وسجل كفاح الثوار الأفغان في مواجهة الاحتلال السوفييتي. وقد أوصلته مشاريعه أيضاً إلى التبت لتصوير بعثة بريطانية تتسلق جبل إيفرست، وإلى أميركا الوسطى مؤخراً. وفي عام 1990 قضى ستة شهور في الشرق الأوسط لتسجيل حرب الخليج لصالح مجلة لايف ماغازين Life Magazine. وقد انتهى حديثاً من مشروعين استغرقا سنة كاملة: تسجيل حياة جماعة صغيرة من الرهبان البندكتيين، وهو بعنوان “Christ in the Desert” (المسيح في الصحراء) في نيو مكسيكو، وتسجيل تحضير مسرحية الآلام Passion Play 2000 وعرضها في أوبرامرغاو بألمانيا.
Artist: Tony O’Brien
Photographer Tony O’Brien was born in New York City. He began his career as a photojournalist in 1973 in the State of New Mexico, and now teaches documentary photography at the College of Santa Fe. His work has appeared in numerous national and international publications.
Tony has photographed the lives of drug addicts and prostitutes in Washington D.C. and New York, and documented the struggle of Afghan rebels fighting the Soviet occupation. His projects have also taken him to Tibet photographing a British expedition climbing Mt. Everest, and more recently to Central America. In 1990 he spent six months in the Middle East covering the Persian Gulf War for Life Magazine. He recently completed two year-long projects: documenting the life of a small Benedictine community, “Christ in the Desert,” in New Mexico, and documenting the making of the Passion Play 2000 of Oberammergau, Germany.
ولد المصور طوني اوبريان في مدينة نيويورك، وبدأ حياته العملية سنة 1973 مصوراً صحفياً في ولاية نيو مكسيكو، وهو يدرّس حالياً مادة التصوير التوثيقي في معهد سانتا فيه. وقد نشرت أعماله في مطبوعات وطنية ودولية عديدة. وقد عمل طوني على تصوير حياة مدمني المخدرات والغانيات في واشنطن ونيويورك وسجل كفاح الثوار الأفغان في مواجهة الاحتلال السوفييتي. وقد أوصلته مشاريعه أيضاً إلى التبت لتصوير بعثة بريطانية تتسلق جبل إيفرست، وإلى أميركا الوسطى مؤخراً. وفي عام 1990 قضى ستة شهور في الشرق الأوسط لتسجيل حرب الخليج لصالح مجلة لايف ماغازين Life Magazine. وقد انتهى حديثاً من مشروعين استغرقا سنة كاملة: تسجيل حياة جماعة صغيرة من الرهبان البندكتيين، وهو بعنوان “Christ in the Desert” (المسيح في الصحراء) في نيو مكسيكو، وتسجيل تحضير مسرحية الآلام Passion Play 2000 وعرضها في أوبرامرغاو بألمانيا.
Child beauty pageant queen with her look-a-like doll
Artist: Vance Jacobs
Vance Jacobs received his MFA from the Savannah College of Art & Design and his BA from the University of Colorado. He has been a guest lecturer at several universities. He works, amongst others, for The New York Times and USA Today. In his project on child beauty pageants, he tries to catch the life of these little girls. In the United States, tens of thousands of children, some barely weeks old, compete in beauty pageants each year. He spent several months with contestants and their families as they worked to win trophies and tiaras in pageants like Little Miss Sweet Onion and America’s Gorgeous Girls. He believes the pictures in this exhibition reveal both the glitz and the grittiness that underlie the world of child beauty pageants.
حصل فانس جايكبز على MFA (ماجستير الفنون الجميلة) من Savannah College of Art & Design وعلى BA (بكالوريوس في الآداب) من جامعة كولورادو، وأخذ يعمل محاضراً زائراً في عدة جامعات. وهو يشتغل مع عدة صحف ومن بينها النيويورك تايمز The New York Times ويو إس آي توداي USA Today. ويحاول في مشروعه عن مهرجانات جمال الفتيات أن يلتقط حياة تلك الطفلات الصغيرات. ففي الولايات المتحدة يتنافس سنوياً عشرات الآلاف من الفتيات، وبعضهم لم يتجاوز عمره بضعة أسابيع فقط، في مسابقات الجمال الواسعة الانتشار. وقد أمضى جايكبز عدة شهور مع المتنافسات وعائلاتهم وهن يسعين للحصول على الجوائز والتيجان في مهرجانات مثل “Little Miss Sweet Onion” (ملكة جمال البصل الحلو الصغيرة) و”America’s Gorgeous Girls” (فتيات أميركا الخلابات). وهو يعتقد أن الصور في هذا العرض تكشف التألق والصرامة التي تقبع خلف عالم مسابقات جمال الفتيات.
Artist: Vance Jacobs
Vance Jacobs received his MFA from the Savannah College of Art & Design and his BA from the University of Colorado. He has been a guest lecturer at several universities. He works, amongst others, for The New York Times and USA Today. In his project on child beauty pageants, he tries to catch the life of these little girls. In the United States, tens of thousands of children, some barely weeks old, compete in beauty pageants each year. He spent several months with contestants and their families as they worked to win trophies and tiaras in pageants like Little Miss Sweet Onion and America’s Gorgeous Girls. He believes the pictures in this exhibition reveal both the glitz and the grittiness that underlie the world of child beauty pageants.
حصل فانس جايكبز على MFA (ماجستير الفنون الجميلة) من Savannah College of Art & Design وعلى BA (بكالوريوس في الآداب) من جامعة كولورادو، وأخذ يعمل محاضراً زائراً في عدة جامعات. وهو يشتغل مع عدة صحف ومن بينها النيويورك تايمز The New York Times ويو إس آي توداي USA Today. ويحاول في مشروعه عن مهرجانات جمال الفتيات أن يلتقط حياة تلك الطفلات الصغيرات. ففي الولايات المتحدة يتنافس سنوياً عشرات الآلاف من الفتيات، وبعضهم لم يتجاوز عمره بضعة أسابيع فقط، في مسابقات الجمال الواسعة الانتشار. وقد أمضى جايكبز عدة شهور مع المتنافسات وعائلاتهم وهن يسعين للحصول على الجوائز والتيجان في مهرجانات مثل “Little Miss Sweet Onion” (ملكة جمال البصل الحلو الصغيرة) و”America’s Gorgeous Girls” (فتيات أميركا الخلابات). وهو يعتقد أن الصور في هذا العرض تكشف التألق والصرامة التي تقبع خلف عالم مسابقات جمال الفتيات.
Himmel uber St. Petersburg
Artist: Wolfgang Muller
After years of active participation in social movements and work as a toolmaker, Wolfgang Müller finally looked for an introduction to the world of photography. Studying photography for his graduate project at the Fachhochschule Dortmund, he spent totally ten months, up to the year 2002, photographing the work in this exhibition, Karat. Sky over St. Petersburg. Published as a photobook, the series of photographs was shown in museums and galleries in Germany, France, Great Britain, Italy and the US. Supported by the BFF-prize in 2002, the Wüstenrot–prize in 2003, and assistance from the VG-Bildkunst in 2004, he was able to finish other photography projects in Siberia and in the Russian-Chinese Amur border region. Müller is a member of the photography agency OSTKREUZ, and today he lives and works in Berlin.
بعد سنوات من الاشتراك النشيط في الحركات الاجتماعية والعمل كصانع أدوات، انتهى ولفغانغ مولر بالبحث عن مدخل إلى عالم التصوير الضوئي. وهو إذ كان يدرس التصوير لمشروع تخرجه في معهد Fachhochschule Dortmund، أمضى 10 أشهر بالكامل حتى العام 2002 يصور العمل المقدم في هذه المجموعة Karat، Sky over St. Petersburg(كارات، السماء فوق سانت بطرسبرغ). ونشرت هذه المجموعة في كتاب مصور وعرضت في متاحف وصالات عرض في ألمانيا وفرنسا وبريطانيا العظمى وإيطاليا والولايات المتحدة. وتمكن بفضل فوزه بجائزة BFF-Prizeعام 2002، وجائزةWuestenrot عام 2003، وبمساعدة من VG-Bildkunst عام 2004 من إنهاء مشاريع فوتوغرافية أخرى في سيبيريا وفي منطقة آمور على الحدود الروسية الصينية. ومولر عضو في وكالة التصوير OSTKREUZ وحاليا يعيش في برلين ويعمل بها.
Artist: Wolfgang Muller
After years of active participation in social movements and work as a toolmaker, Wolfgang Müller finally looked for an introduction to the world of photography. Studying photography for his graduate project at the Fachhochschule Dortmund, he spent totally ten months, up to the year 2002, photographing the work in this exhibition, Karat. Sky over St. Petersburg. Published as a photobook, the series of photographs was shown in museums and galleries in Germany, France, Great Britain, Italy and the US. Supported by the BFF-prize in 2002, the Wüstenrot–prize in 2003, and assistance from the VG-Bildkunst in 2004, he was able to finish other photography projects in Siberia and in the Russian-Chinese Amur border region. Müller is a member of the photography agency OSTKREUZ, and today he lives and works in Berlin.
بعد سنوات من الاشتراك النشيط في الحركات الاجتماعية والعمل كصانع أدوات، انتهى ولفغانغ مولر بالبحث عن مدخل إلى عالم التصوير الضوئي. وهو إذ كان يدرس التصوير لمشروع تخرجه في معهد Fachhochschule Dortmund، أمضى 10 أشهر بالكامل حتى العام 2002 يصور العمل المقدم في هذه المجموعة Karat، Sky over St. Petersburg(كارات، السماء فوق سانت بطرسبرغ). ونشرت هذه المجموعة في كتاب مصور وعرضت في متاحف وصالات عرض في ألمانيا وفرنسا وبريطانيا العظمى وإيطاليا والولايات المتحدة. وتمكن بفضل فوزه بجائزة BFF-Prizeعام 2002، وجائزةWuestenrot عام 2003، وبمساعدة من VG-Bildkunst عام 2004 من إنهاء مشاريع فوتوغرافية أخرى في سيبيريا وفي منطقة آمور على الحدود الروسية الصينية. ومولر عضو في وكالة التصوير OSTKREUZ وحاليا يعيش في برلين ويعمل بها.
In the Labyrinth of Signs #13
Artist: Wolfgang Zurborn
For more than two decades Wolfgang Zurborn has developed a very unique style in colour photography, representing a way of seeing the fractured modern world in its overlapping images and contexts. 1985 he got the Otto-Steinert-Fellowship of the German Photographic Society. Since 1986 he is running Gallery Lichtblick in Cologne together with Tina Schelhorn. Exhibitions of different bodies of work like Drift, dressur real, Terra Incognita and In the Middle of the Speed has been shown in many European countries and in America.
In the series In the Labyrinth of Signs fragments of the real every-day-worlds are combined to collages, creating a complex net of connections, formally and in terms of content. The enigma’s sense is that there is no solution offered.
عمل ولفغانغ زوربورن لأكثر من عقدين على تطوير أسلوبٍ فريد جداً في التصوير الضوئي الملون، يمثل طريقةً لرؤية العالم الحديث المتكسر في صور وسياقات متداخلة ومتلاحقة. وفي عام 1985 حاز على الزمالة Otto-Steinert Fellowship في جمعية التصوير الضوئي الألمانية The German Photographic Society . ومنذ عام 1986 يدير صالة Lichblick في مدينة كولونيا سوية مع تينا شيلهورن. وقد عرضت له أعمال مختلفة مثل Driff، dressur real و Terra Incognita و In the Middle of the Speed في بلدان أوروبية مختلفة وفي أميركا.
ويقدم في المجموعة In The Labyrinth of sings قطعاً منثورة من عوالم الحياة اليومية العادية بشكل ملصقات تجميعية مبتكراً شبكة معقدة من الصلات، من ناحية الشكل ومن ناحية المحتوى. ويكمن الإحساس بغموض اللغز في عدم تقديمه أي حل يقترحه على المشاهد.
Artist: Wolfgang Zurborn
For more than two decades Wolfgang Zurborn has developed a very unique style in colour photography, representing a way of seeing the fractured modern world in its overlapping images and contexts. 1985 he got the Otto-Steinert-Fellowship of the German Photographic Society. Since 1986 he is running Gallery Lichtblick in Cologne together with Tina Schelhorn. Exhibitions of different bodies of work like Drift, dressur real, Terra Incognita and In the Middle of the Speed has been shown in many European countries and in America.
In the series In the Labyrinth of Signs fragments of the real every-day-worlds are combined to collages, creating a complex net of connections, formally and in terms of content. The enigma’s sense is that there is no solution offered.
عمل ولفغانغ زوربورن لأكثر من عقدين على تطوير أسلوبٍ فريد جداً في التصوير الضوئي الملون، يمثل طريقةً لرؤية العالم الحديث المتكسر في صور وسياقات متداخلة ومتلاحقة. وفي عام 1985 حاز على الزمالة Otto-Steinert Fellowship في جمعية التصوير الضوئي الألمانية The German Photographic Society . ومنذ عام 1986 يدير صالة Lichblick في مدينة كولونيا سوية مع تينا شيلهورن. وقد عرضت له أعمال مختلفة مثل Driff، dressur real و Terra Incognita و In the Middle of the Speed في بلدان أوروبية مختلفة وفي أميركا.
ويقدم في المجموعة In The Labyrinth of sings قطعاً منثورة من عوالم الحياة اليومية العادية بشكل ملصقات تجميعية مبتكراً شبكة معقدة من الصلات، من ناحية الشكل ومن ناحية المحتوى. ويكمن الإحساس بغموض اللغز في عدم تقديمه أي حل يقترحه على المشاهد.
Sunken Coast Guard Boat, Sri Lanka
Artist: Wyatt Gallery
http://www.wyattgallery.com
Photographer Wyatt Gallery has been recognized as one of the top “30 photographers under 30” by PDN magazine and as one of the “top 25 photographers under 25” by The Center for Documentary Studies at Duke University. After graduating from NYU Tisch School of the Arts in 1997 he received the Rosenberg Grant to photograph Spiritual Sites of the Caribbean which led to a 1999 Fulbright Fellowship to document the diversity of religious places within Trinidad. Gallery was an Adjunct Professor of Color Photography at University of Pennsylvania from 2002-2005, when he took a leave of absence to pursue his current series: Remnants; After The Storm.
Gallery’s photographs from Remnants; After The Storm have received many awards including PDN magazine’s 2006 Photo Annual, PDN’s 2006 World In Focus competition, American Photography 22, and the International Color Awards Photojournalism Nominee.
حاز المصور الضوئي وايات غالري على تقدير لعمله بدخوله قائمة “أفضل 30 مصور تحت سن الـ30” الذين تصنفهم مجلة PDN Magazine، وكان أيضاً دخل قائمة “أفضل 25 مصور تحت سن الـ25” التي يصنفها مركز الدراسات التوثيقية في جامعة ديوك Duke University. وبعد تخرجه من معهدNYU Tisch School of the Arts عام 1997 تلقى منحة روزنبرغ Rosenbergلتصويره المواقع روحية في جزر البحر الكاريبي والتي قادته في عام 1999 للحصول على منحة فولبرايت Fulbright ليعمل على توثيق تنوع الأماكن الدينية في ترينيداد. وشغل غالري وظيفة أستاذ مساعد في مادة التصوير الضوئي الملون في جامعة بنسلفانيا من عام 2002 حتى عام 2005، عندما أخذ إجازة لمتابعة سلسلته الحالية : Remnants; After the Storm (البقايا، بعد مرور العاصفة).
وقد تلقت صور غالري في هذه المجموعة جوائز عديدة من بينها جائزة مجلة PDN السنوية للعام 2006، وجائزة مسابقتها World in Focus أيضاً للعام 2006، وجائزة American Photography 22 وترشح لجائزة التصوير الصحفي من مسابقة International Color Awards.
Artist: Wyatt Gallery
http://www.wyattgallery.com
Photographer Wyatt Gallery has been recognized as one of the top “30 photographers under 30” by PDN magazine and as one of the “top 25 photographers under 25” by The Center for Documentary Studies at Duke University. After graduating from NYU Tisch School of the Arts in 1997 he received the Rosenberg Grant to photograph Spiritual Sites of the Caribbean which led to a 1999 Fulbright Fellowship to document the diversity of religious places within Trinidad. Gallery was an Adjunct Professor of Color Photography at University of Pennsylvania from 2002-2005, when he took a leave of absence to pursue his current series: Remnants; After The Storm.
Gallery’s photographs from Remnants; After The Storm have received many awards including PDN magazine’s 2006 Photo Annual, PDN’s 2006 World In Focus competition, American Photography 22, and the International Color Awards Photojournalism Nominee.
حاز المصور الضوئي وايات غالري على تقدير لعمله بدخوله قائمة “أفضل 30 مصور تحت سن الـ30” الذين تصنفهم مجلة PDN Magazine، وكان أيضاً دخل قائمة “أفضل 25 مصور تحت سن الـ25” التي يصنفها مركز الدراسات التوثيقية في جامعة ديوك Duke University. وبعد تخرجه من معهدNYU Tisch School of the Arts عام 1997 تلقى منحة روزنبرغ Rosenbergلتصويره المواقع روحية في جزر البحر الكاريبي والتي قادته في عام 1999 للحصول على منحة فولبرايت Fulbright ليعمل على توثيق تنوع الأماكن الدينية في ترينيداد. وشغل غالري وظيفة أستاذ مساعد في مادة التصوير الضوئي الملون في جامعة بنسلفانيا من عام 2002 حتى عام 2005، عندما أخذ إجازة لمتابعة سلسلته الحالية : Remnants; After the Storm (البقايا، بعد مرور العاصفة).
وقد تلقت صور غالري في هذه المجموعة جوائز عديدة من بينها جائزة مجلة PDN السنوية للعام 2006، وجائزة مسابقتها World in Focus أيضاً للعام 2006، وجائزة American Photography 22 وترشح لجائزة التصوير الصحفي من مسابقة International Color Awards.
Raqqa, Syria, The war of water
Artist: Yves Gellie
تطرح أعمال إيف جِلّي عن الشرق الأدنى نهجاً تصويرياً جديداً لمنطقةٍ دمرتها الحرب. وهو يدرج أعماله في إطار جمالية الأثر، وتحافظ صوره التي تبدو وكأنها بسيطة وقليلة الفصاحة على نوع من التورية البصرية. ويتخذ إيف جِلّي موضعاً قريباً جداً من الأشياء وبعيداً عنها في نفس الوقت بدون أن ينشأ أي تواطؤ بينه وبين موضوعات التصوير. وهو يستكشف في الواقع بعداً ثنائياً للتصوير الضوئي، البعد الحقيقي والبعد القصصي والخيالي، أي البعد الذي يسمح للمشاهد بالابتعاد عن الصورة ليعود ويتفرج عليها مستعيناً بتذكره الذاتي.
Artist: Yves Gellie
تطرح أعمال إيف جِلّي عن الشرق الأدنى نهجاً تصويرياً جديداً لمنطقةٍ دمرتها الحرب. وهو يدرج أعماله في إطار جمالية الأثر، وتحافظ صوره التي تبدو وكأنها بسيطة وقليلة الفصاحة على نوع من التورية البصرية. ويتخذ إيف جِلّي موضعاً قريباً جداً من الأشياء وبعيداً عنها في نفس الوقت بدون أن ينشأ أي تواطؤ بينه وبين موضوعات التصوير. وهو يستكشف في الواقع بعداً ثنائياً للتصوير الضوئي، البعد الحقيقي والبعد القصصي والخيالي، أي البعد الذي يسمح للمشاهد بالابتعاد عن الصورة ليعود ويتفرج عليها مستعيناً بتذكره الذاتي.
